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1951年生於柏林，來自東德的Frank Castorf，從小在美國的反文化搖滾樂、高達與華伊達等人的電影薰陶下長大。大學時研讀文化史、哲學與戲劇，隨後投身劇場導演。但是他剛開始的幾齣戲被當局認為是「不正確的」，因此被迫中途停演。雖然在一次與領導階層的訴訟中獲勝，卻也因此被發派到東德邊境Anklam。於是開始執導布萊希特、亞陶、穆勒 本劇《群魔》是Frank Castorf根據小說家卡繆改編自杜斯妥也夫斯基同名小說的劇本而成，只不過在著名的佈景與舞台設計師Bert Neumann的巧手下，將原本的場景從俄國往後延伸一百年，成為60年代初期的德國。從這齣戲開始，Frank Castorf 將杜斯妥也夫斯基的小說一部部搬上舞台，把原著中俄國式的虛無主義轉化為殘暴的意像與意識型態的瓦解，大師透過今昔對照的手法，不止意圖借古諷今，其實更是穿越時空，剖析所以「革命」的本質。在一個裝有玻璃的鄉間大宅院裡，藉由旋轉裝置，我們幾乎可以看遍房子的每一個角落，所有的事件此起彼落，同時在房子裡外發生，突發、緊繃、神經質、滑稽的肢體將所有的事物變得破碎，整齣戲達到了劇場上鮮少達成的混亂與靈活。導演以顛倒世界的策略，無論是在格局與氣勢上都給人一種殘暴與噴發的視聽張力。 The Berlin director Frank Castorf is a self-described "quarrelsome" individual. After studies in theatre arts, he worked in the provinces for twelve years before being named director of the Volksbuhne in Berlin in 1992. Castorf and his ensemble have developed a powerful way of working the seam between subjective experience and convention-bound behavior that is particularly effective in presenting fragmented characters. Known for his acts of provocation and daring, Castorf has not hesitated to adapt novels for the stage: ex. Dostoyevsky's The Insulted and Injured, The Idiot and The Demons. The productions of Frank Castorf contain a dimension that is at once political and decadent, which provokes, defies and mocks the audience. Frank Castorf's adaptation of Dostoyevsky's Damonen, is based in part on Camus's version, The Possessed. Castorf concentrated the novel's sprawling action into one evening and one location--a kind of prefabricated 1960s bungalow, complete with pool, which revolved from time to time during the four-hour performance. 相關網站: |
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◎ 1992年柏林影展Ecumenical Jury獎 劇作家保羅克勞岱（Paul Claudel）在法語世界之外的知名度，或許不及他的藝術家姐姐卡蜜兒克勞岱，然而他是法國重要的象徵主義劇作家之一，也是一位詩人、記者與外交官。本片導演Alain Cuny是法國著名的劇場和電影演員（他就是費里尼《生活的甜蜜》中的教授），與劇作家保羅克勞岱是多年好友，還曾經參與演出電影《羅丹與卡蜜兒》。保羅克勞岱在1955年過世前曾邀請Cuny將他的劇本《給瑪麗報信》拍攝成電影，冒著可能受劇場形式侷限的危險，Cuny仍然是窮盡畢生精力，將影片拍成。Cuny於1994年過世，畢生只拍過這部影片，但是影片中以簡潔的元素傳遞出一種前所未有的奇特美感，讓各方影評驚歎不已，直呼是一部受到上帝恩賜的影片。 背景設定於十字軍東征的歐洲中世紀鄉間，這齣劇訴說關於愛情與悲傷的故事，交織著濃厚神秘主義的氛圍。男主角傑克與溫柔魅力的女子薇蘭訂有婚約，卻因女子發現患有痲瘋病而解除婚約，並改取薇蘭的姐姐為妻；女子從此過著離群索居、誠心祈禱奉主的孤獨生活。這部充滿如畫詩意的美麗影片，乍看不禁讓人腦海中浮現俄國詩人導演塔可夫斯基和帕拉贊諾夫充滿魔力的影像詩篇，以及林布蘭畫中盈滿神祕光線的房間。這齣劇以精確的寫實主義為基礎，再轉換成超自然的象徵主義表現。詩人讚頌的田園美景中，純真如孩童的男女面對著情愛糾纏與世俗壓力的煎熬，時而穿插核爆、招財貓等二十世紀景物的突兀鏡頭，那種將萬物的神祕美好與稍縱即滅的自然法則並置的戲劇張力，殘酷中竟帶有奇異的美感。驚人的視覺和寓意深遠的詩意為這部片贏得一致好評與獎項肯定。 受到華格納認為劇場應「沉浸在音樂魔泉之中」的理想化戲劇理念的啟發，象徵主義的作品著重傳達更高真理的直覺，擅用象徵隱喻，提昇觀眾的精神感受。象徵主義代表詩人之一，保羅克勞岱對宗教有相當熱情的信仰與專注，並常以這個主題創作。他也要求讀者以性靈的全然投入與專注來閱讀他的詩作。《給瑪麗報信》經過幾次的改寫才發展成後來本片的版本，片中將帶著痲瘋病的詛咒，虔誠受苦的薇拉，逐漸類比成處女生子的聖母瑪利亞的形象，被村民認為可以為未孕的婦女帶來祝福。保羅克勞岱簡潔地一句話道出這部作品的精髓：「這是人類激情緊緊附著於天主教寓意的再現」。 自1912年於羅浮宮劇院首演之後，這齣戲已由多位重要導演與劇場演出過，並曾以歌劇形式演出。這部電影傑作，不僅保留原作特有的宗教神祕主義氛圍，更難能可貴的以純淨且近乎聖潔的影像和歌聲，將這個悲傷的故事化成動人無比的詩篇，在觀者心中留下低迴不已的顫動與感觸。 Set at the time of the Crusades, it tells the story of love and tragedy, intermingled with mysticism. Jacques is betrothed to marry Violane, a beautiful and gentle woman. When she discovers that she has leprosy, however, the marriage is off, and she retires to a life of prayer at an isolated hermitage. Instead, Jacques marries her sister Mara. When Jacques and Mara's child dies shortly after birth, Mara implores her saintly sister to come out of isolation to bring her child back to life. In 1991, this critically esteemed and poetic film won the Prix Georges Sadoul. |
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本片是德國新電影怪傑法斯賓達早期的作品，改編寫實主義劇作家易卜生經典劇作《玩偶之家》而成的電視電影。他以激進但忠於原著的手法詮釋劇本，賦予女主角─易卜生筆下的英雌諾拉，相當的自覺與自信，使她可以面對外在世界的道德常規壓力，毅然決然拋棄「玩偶之家」代表的安全舒適的家庭價值，掙脫傳統女性角色的束縛，勇敢追尋自我。影片整體的製作也受到本劇勇氣與執著的鼓舞，而充滿難得的豐沛能量。易卜生戲劇的特色與力量，表現在如倒影般的意像以及角色獨白時的剪影；法斯賓達以柔和套色的影像手法試圖呈現易卜生的劇場美學。影片以當時仍屬新穎技術的錄影機而非慣用的膠捲影片拍攝，看似貧瘠而粗糙的影像質感，反而給本片帶來一種令人驚艷的的特殊魅力，緊密扭絞出所有演員對話的最微妙之處。 《玩偶之家》與法斯賓達同期其他作品《瑪莎》與《寂寞芳心》有極大關聯性，都以女性面對不幸福的婚姻關係為主題，三部片之中的男性都以教育而非愛情對待妻子，而這些女性都試圖反擊這樣的不公處境，卻只有諾拉獲得成功，即使是付出極大代價才換來。諾拉這個角色從寫實的設定發展，而在她決意追尋對自我身分認同的過程，逐漸昇華至神秘神聖的宗教救贖境地。 全才型的法斯賓德身兼導演、編劇、演員、製片、劇場經理、編曲、設計、剪接和攝影等多職。他對新德國電影的重要性，有人比喻為心理學上的佛洛依德、舞臺上的莎士比亞。他的創作力驚人，題材大膽，以「壞孩子」之名縱橫影視劇界，銀幕上和舞台下同樣精彩，他恣意揮霍生命的一切，死於用藥過量，年僅37歲。他在14年的拍片生涯總共執導過41部電影，評價不一，卻有不拘一格的特色，題材無視情慾禁忌，大膽揭開人生卑微的一面，觸及無國界性別的愛情觀。曾有傳記作者對法斯賓達提出針闢的評論:「唯有存在於藝術家腐壞神經系統中的憤怒與冷酷無情的狂喜，才是藝術創作真正的靈感泉源。」也有人用「浪漫的無政府主義者」形容他敏感又殘暴的複雜性格。他的作品對女性角色心理的深刻刻劃是電影同儕中罕見的，他並將自己性別認同中女性特質的優缺點無保留地投射在影片中。他的作品雖然顛覆基礎電影語言，透過通俗劇的形式，卻深深吸引觀眾與評論者。他以多部電影做為人生寫照，是一個勇於坦承自我的導演，這也是他的傳奇之處。1969年以第一部劇情片《愛比死更冷》在柏林影展一鳴驚人，1973年以《恐懼吞噬心靈》於坎城獲獎。他的經典作品包括《愛比死更冷》、《莉莉•瑪蓮》、《瑪麗•布朗的婚姻》 Fassbinder adapted and directed this version of Ibsen's A Dolls House for television. Radical and yet intensely faithful to the text, Fassbinder gives Nora (Castensen), Ibsen's heroine, self-awareness and confidence right from the word go, which in turn gives the whole production a fierce energy. Spare and brutally harsh, the use of video camera is utterly brilliant, wringing every last nuance from the actors' words. 相關網站： |
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本片是由德國當代首要劇作家Botho Strauss改編俄國作家高爾基1903年的文學作品《Summerfolk》，由德國劇場大師Peter Stein改編而成的電影。影片完成後，因為左翼的主題在當時不受青睞而未受到該有的重視，卻被後來的影評人認為是毫不遜色於當時其他德國新浪潮導演的佳作。 在片中，當夏日的訪客相約聚會在鄉間別墅，原本和諧的交響曲逐漸轉變成由臉孔、姿勢、對話所構成，充滿不調和與希望、憂傷與溫柔、破壞與改變的不和諧雜音。相聚的訪客各有各的問題與故事，有人因為對社會改革的失望而衍生遁世之意；有人因為不孕而暗自傷神；有人逃遁到繪畫與彈琴的藝術世界中；還有困在不幸婚姻中的女子們...。 本片另一項特色是由導演科波拉搭檔的攝影師Michael Ballhaus 擔任攝影，呈現出的影像細膩而豐富，微妙地襯托出看似平靜的人物心中，各自糾結、起伏的內心風景。影片承襲原劇對一個極近無趣的社會不由自主的崩壞與失控，以手術刀般的冷靜剖析，在近乎默片式的氛圍中，卻感受不可思議的戲劇張力向觀眾席捲而來。這是「柏林劇院」演員的巔峰時刻最優異的演出，使本片成為少數完美地將劇場搬演至電影的作品之一。 被比喻為「反叛者領袖」的德國戲劇大師Peter Stein，以擅長各種文類與形式的創新昂然頂立於當代戲劇界。不論是歌劇或喜劇，Stein都能以精巧的手法呈現令人耳目一新的劇場景象。Stein的反叛始自對家庭背景的摒棄，他的企業家父親被指控為協助納粹，他以加入左翼陣營和執導激進的政治劇表達他反對右派極權的立場。1967年，他執導的首齣戲劇《拯救》〈Saved〉即一鳴驚人，被稱為布萊希特的接班人。1970到1986年間，他於「柏林劇院」擔任總監，帶領劇團發展出一種集體自我管理的形式，結合多樣化的節目和包括Bruno Ganz等德國最優秀的演員陣容，使「柏林劇院」成為歐洲最創新和成功的劇場之一。 Peter Stein以他對劇場寬闊的遠見、研究的嚴謹、舞台設計技巧的創新，以及在藝術思考精益求精等特色，受到普遍的尊敬與仰慕。他對細節的嚴格要求使他的作品一直保有逼真的特質，排演與詳盡的考據對他的戲劇一樣重要。他習慣與演員共同合作劇本分析，可說是一種集體創作的劇場團體。 Peter Stein的重要電影作品還有《階級敵人》(1983)，將青少年面對自己的煩惱、怨恨、恐懼和渴望的複雜情緒與社會制約的衝突對立，做了鮮明而有力的辯証。2000年，Peter Stein推出長達十五小時的巨作《浮士德》，由Bruno Ganz飾演浮士德，以多人飾演魔鬼梅菲斯特。2006他將以新作《特洛伊斯和克裏希達》參加於八月舉行的愛丁堡國際藝術節。 The Symphony turns to be a "cacophony" consisting of faces, gestures and conversation, full of dissonance and hope, grief and tenderness, destruction and fundamental change when "Datschniki", summer guests, meet on a "Datscha" in the Summer of 1904 (Gorki). The impulse for leaving the society in which active social engagement cannot be realized is given by a widow-doctor, she is joined by a wife - suffering from her unfullfilled life of being childless - of an unsrupolous lawyer.. |
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c 1989 L'Arche Editeur 三年前因SARS肆虐而取消來台演出，讓原本瘋狂期待的台灣舞迷們失望至極的德國現代舞蹈大師碧娜•鮑許（Pina Bausch），是當今最偉大的藝術家之一。她師承德國表現主義編舞家Kurt Jooss，曾赴美進修現代音樂與舞蹈，在70年代帶領世界知名的埃森舞團，展開全新的創作歷程。她以前衛的理念與表現手法，徹底改變德國舞蹈面貌，受到舞蹈界相當大的質疑與攻擊。她不顧一切的堅持與理念，將「舞蹈劇場」強調作品戲劇張力與人物刻劃，綜合舞蹈與戲劇元素的概念和型式發展成獨特的藝術，開拓舞蹈與劇場的新視野。Pina Bausch的舞蹈劇場在今日已和美國後現代舞及日本舞踏並列為當代三大新舞蹈流派。 Pina Bausch的名言是「我在乎的是人為什麼動，而不是如何動」。她的原創性在於融合舞蹈與劇院、精雕細琢與運用舞者的手法，注重個人特質編創舞作，突破了傳統舞蹈形式或語彙。她以如詩歌的簡約手法傳述不可言說的情感，編舞充滿情緒與戲劇張力，強烈考驗舞者的表達。「烏帕塔舞蹈劇場」成了她的實驗舞蹈劇場，她以集體即興創作的方式進行排演，讓舞者從個人的經驗或想法發想。重複的情景、拼貼的意向、音樂蒙太奇的手法，在舞台上產生巨大的神秘氛圍，讓每位觀眾從頭到尾不停歇的驚奇與發問，而有了各自對舞劇獨特的詮釋與觀看經驗。 在這部Pina Bausch執導的第一部電影中，沒有任何清楚的故事線，她以和「烏帕塔舞蹈劇場」共同發展出的手法─以季節轉換的佈景作為影像的構圖，以拼貼場景的手法反映特定情緒，並引發不同的關聯性。Pina Bausch的作品向來言述慾望與以各種面貌出現的現實之間的寬廣深淵，其中又以複雜糾纏的男女關係為主題。對愛與完美的渴望讓我們汲汲於追求，卻往往不可得，所以我們轉而以想像營造心中的愛情劇場。Pina Bausch揚棄好萊塢式的愛情公式，而以不完滿、破碎、混亂、干擾的結構作為呈現與深入檢視愛情的方式。 關於Pina Bausch與舞團表演的紀錄影片很多，如「穆勒咖啡館」、「碧娜鮑許現代舞」等等由碧娜鮑許親自導演的影片卻是難得親眼所見。兩廳院正力邀碧娜鮑許與烏帕塔舞團明年春天再次訪台，舞迷在引頸期盼之餘，千萬不可錯過本次影展特別力邀的大師親導之作–一齣只為電影膠捲而存在的舞碼，值得深刻烙印於腦海中。 This is Bausch's first film, produced between October 1987 and April 1989. The general framework is set by the changing seasons and illustrates the method Bausch has worked to develop with the Tanztheater Wuppertal, in which the work tells no story but is made up of scenes put together like a collage, reflecting certain moods and invoking different associations. Ms. Bausch's works have always addressed the abyss between desire and reality in one form or another, most often in the crucible of male-female relationships. We long for love or autonomy or perfection. We rarely, if ever, get it, but we'll die trying. And in the meantime, we'll make theater out of its shadows. But instead of smoothing over that desperate chasm, Hollywood-style, Ms. Bausch adapts its structure - incompletion, fragmentation, disruption and interruption - as a way to inhabit and inspect it more fully. 相關網站：http://www.pina-bausch.de/ |
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這部日本怪才導演寺山修司的最後傑作被譽為他最好的影片之一，講述一個發生在因喪失時間而成了迷途方舟村落的魔幻故事。村裏的人死後，魂魄仍留連不去，如倩女幽魂般窺看、騷擾著村民的生活。結了婚的近親表兄妹在慾望與禁忌制約的拉扯之中痛苦不已，過著有愛無性的生活。最後，時間回到了村裏，村民們遷徙他鄉，村落也從歷史中消失，徒留虛幻或真實難辨的記憶於家族合照中...。 這是寺山修司假借《百年孤寂》的故事文本對日本根源歷史的再造和回憶，以現代的手法描繪日本的傳統文化。村民猶如陷入宿命的迷宮，永遠無法真正走出村子，如同貞操帶的魔咒緊箍在表兄妹身上的寓意。這部影片的攝影是寺山修司的老搭檔鈴木達夫，他的攝影色彩絢麗，構圖充滿魔幻詭異的氣氛，全片充滿著抽離存在、恍如隔世的陰森。影片中多段神秘儀式的演出，結合原始部落祭神的集體聲音，與日本舞踏「個人身體即煉獄」的獨特表演，激撞出瘋狂失序的戲劇張力，是寺山劇場美學的具體精采呈現。寺山修司電影裏的「失憶〈意〉」，可解讀成生命過程的混亂導致對不同階段個人的存在失去記憶。寺山將空間和時間四散崩離的訊息，深植於村民集體意識強制的斷裂裏；遺忘成為一種可選擇的存在狀態。在處理生者對死亡的恐懼與死後世界的迷惑部分，寺山將東方哲學對陰陽兩世間的流動穿越性的觀點，以怪異卻迷人的美感鋪陳開來。 片尾，以時鐘失而復得象徵時間的回歸，讓村莊舊有的魔幻夢境煙消雲散，電話和攝影機的引進，隱喻現代化的過程逐漸取代日本古老年代舊有文化的美好事物，寺山對消逝世代的緬懷與悲憫清晰可見。作為寺山未完成的遺作，這部魔幻寫實影片的迷異色彩，在寺山逝世二十年後的今日看來，依舊如傳說中化身天仙的狐精一樣，讓我們這些受蠱惑的迷途旅客留連其中，久久不忍離去。 寺山修司是集詩人、小說家、劇作家、電影導演、舞台劇導演、幻想家、前衛藝術家等多重稱號於一身的日本怪傑。1960年起，寺山修司以一系列光怪陸離的實驗短片─《丟掉書本到街上》、《番茄醬皇帝》、《疤瘡譚》等，震驚當時寫實主義電影盛行的日本影壇。主要電影長片作品包括《田園死神》、《上海異人娼館》、《草迷宮》等，前衛驚人的視覺風格，被譽為「銀幕詩人」，對之後的實驗影像創作者深具啟發性。他於1967年創辦實驗劇團「天井棧敷」，巧妙運用肉體、影像、音樂和詩的語言，創新小劇場的表演美學。47歲即不幸早逝。他留下的作品對我們理解東方文化的死亡觀和色慾觀有重要意義，是日本四大情色大師之一。 This was the last film of Shuji Terayama, which he made while he was dying. Set once again in a village lost in time, the film is loosely based on Gabriel Garcia Marquez's "100 Years Of Solitude". Terayama presents a village ruled by traditions and superstitions even more confounding than the Aomori of his childhood. At the film's core is a story of a young man who wants nothing more than to have sex with his cousin. Though the other villagers warn him of the danger of having a child with her, his desire continues. Frustrating the situation is the cousin's iron chastity belt that yields to no amount of attack. After stabbing the head of the ruling clan, the cousins flee to begin life anew. |
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享譽國際的日本前偉大劇場導演鈴木忠志，擅長用創新手法演繹經典劇作，以優雅而富音樂性的表演風格著稱。他是世界首要的戲劇導演之一，也是極具影響力的表演理論家。1966年創立「早稻田小劇場」劇團，以導演荒謬劇作品嶄露頭角；之後，與有「瘋狂女優」之稱的白石加代子合作，以拼貼肢解劇本的方式創作作品，廣受注目。他還舉辦了日本第一個國際戲劇節：「利賀山房戲劇節」，成為國際前衛戲劇的重要戲劇節之一。 現任日本靜岡縣舞台藝術中心藝術總監。 鈴木忠志的舞台作品和訓練方式對現代日本與世界劇場有巨大影響。他主張演員作為自我揭露的戲劇行為，並強調演員的內在能量以及身體性作為表演的主體，一度被稱為「東方的葛羅托夫斯基」。1976年，鈴木忠志將劇團從東京遷移到偏遠的山村，成立劇場「利賀山房」，建立一套演員訓練方法：「鈴木方法」。他融合日本傳統能劇的身體性，以嚴酷的身體操練激發表演者的能量，使演員的內在情感與外在身體有良好的連結。他關心演員表演的身體性如何成為異文化交會場域的問題，主張「身體就是文化」。他以多國籍、多語言來演出希臘悲劇等戲劇作品，實踐對「異文化觀察」戲劇理論的實踐。 《大鼻子情聖》這個因為幾年前的電影版本而家喻戶曉的法國喜劇，在鈴木的詮釋下有了與眾不同的風味與寓意。鈴木表示他在閱讀劇本時，如果劇作家心理狀態勾起他的興趣，才會興起將劇本搬演成劇場的念頭。他的創作動力並非只是被動地受感動，而是來自對戲劇文本的提問與找出可能的最佳解答。在《大鼻子情聖》這齣戲中，鈴木想呈現日本人對這齣劇想像世界的喜愛與劇作家Edmond Rostand對人性的敏銳觀察，同時加入自己的原創故事，導演出這部結合法國原著、義大利歌劇音樂、俄裔優異女伶Irina Lindt飾女主角，以及日本戲劇表演方式的跨文化劇場。本劇有鈴木創作特有的戲劇語言：佈景、燈光和音響的設計，都是為了提升演員的表現，使演員成為焦點，呈現神秘虛幻的氣氛；這種簡單卻有利的效果，是現代戲劇中少見的舞台美學。鈴木對日本自明治維新之後極度西化的狀態有尖銳的批判，他希望能融入日本無價的傳統文化於現代戲劇創作中。《大鼻子情聖》是繼《悲哀的清酒》之後，鈴木創作「劇作家喬三系列」的第二部作品，也是他對跨文化現象探討的具體表現，曾受邀至國際各大戲劇節演出，深受好評。 鈴木忠志曾於2005年受北藝大戲劇系邀請來台演講，分享他多年來在戲劇理論以及舞台作品的探索心得。他與劇團明年將受兩廳院邀請首度來台演出經典劇目《酒神戴奧尼斯》，本次影展力邀的鈴木前作《大鼻子情聖》劇場演出紀錄片，絕對是久仰大師作品的戲迷不可錯失的最佳導讀功課。 相關網站： |
