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★1989 日舞影展競賽片 1929年出生的Chet Baker，來自音樂世家。24歲即獲得與大師Charlie Parker合作的機會，參加西岸巡迴演出。1952年加入Gerry Mulligan的四重奏，一曲《My Funny Valentine》，使他在一夜之間迅速走紅，之後也成為西岸爵士樂/酷派爵士樂舉足輕重的代表人物。隨著50年代的一炮而紅，Chet Baker在事業未能突破的影響下開始沾染毒品，年輕時猶如詹姆士狄恩，精緻亦粗獷的臉龐，在吸食毒品與健康狀況不佳的影響下，生命接近尾聲的Chet Baker，臉上佈滿皺紋，毫無血色。 Chet Baker的隨性，總令所有人對他的下一步摸不著頭緒，他會失蹤，一走了之，沒有電話，沒有地址。訪談中，會跟大談動人的故事，令大家信以為真，而後才發現原來是謊言一個，也許他說的故事是真的，在真實與虛幻間遊走，是他留給工作人員的印象。本片拍攝完成之前，1988年某個13號的星期五，Chet Baker從阿姆斯特丹飯店二樓窗戶跌落傷重不治。他的死令人難以相信，自殺或他殺，至今始終是個謎。 時尚藝術攝影師出身的導演Bruce Weber，為了參加1987年的Whitney Museum Biennial，拍攝了第一張Chet Baker的照片。意猶未盡的他，馬上找來攝影師Jeff Preiss與其他工作人員，而每個人也都有段關於Chet Baker的故事，猶如他的歌《Love and Fascination》，因為對愛與迷戀之間差異性的瞭解，讓他們決定開始拍攝，和他人分享Chet Baker的點滴，既使面對他的驟逝，仍繼續完成本片。 如同黑色電影般的音樂紀錄片，有著一種焦慮與陰沈的氛圍，陽光普照的加州在鏡頭下看來也詭譎疏離。陰影的強調與高反差燈光，Jeff Preiss出色的黑白攝影，十分貼近主角憂鬱性格與深沈嗓音。Chet Baker最後的錄音、他年輕時所參加演出的義大利電影的演出片段以及舞台表演片段，加上他本人與朋友家人的訪談…即使在Chet Baker離開多年，他謎般的身影仍深烙人心。本次影展所放映之拷貝為重新沖印版本。 Traveling with the elusive jazz vocalist and trumpeter Chet Baker, the filmmaker weaves together the life story of a jazz great. The film uses excerpts from Italian B movies, rare performance footage, and candid interviews with baker, musicians, friends, battling ex-wives and his children in what turned out to be the last year of his life. Winner of the 1989 Critics Prize at the Venice Film Festival and nominated for an Academy AWArd, Let’s Get Lost has become an important document in the career of the filmmaker on the life of a jazz legend. Since it’s release in 1989 Let’s Get Lost has introduced a whole new generation of jazz enthusiasts to the timeless talent of the late Chet Baker. |
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★2002 慕尼黑影展最佳紀錄片 紐約知名作曲家及薩克斯風樂手John Zorn，曾經數度到台灣表演，在世界各地擁有數不清的死忠樂迷。在過去的20年間，儼然成為了現代音樂界的明星，和現代爵士的靈魂人物。運用不同的類型、聲音及韻律，John Zorn發展出屬於自己的音樂規則，而不尋常的拼貼方式與聲音的串連結合，用以呈現後現代主義及其對生活的感覺，作為一個音樂理論家，John Zorn試著在聲音實驗上不斷挑戰。 John Zorn對於他所堅信的信念非常執著，而這些想法則是比聲音，或是音樂更為深入與強烈。他創造了一個屬於自己充滿想像與激進想法的世界。機智幽默，加上極富哲理，本片使用極為特別的方式，記錄了音樂與音樂家的故事，也引領出了一個疑問：到底是誰受了影響，如何受到影響？這到底是不是一部關於音樂家John Zorn的紀錄片？值得玩味。 導演Claudia Heuermann約在12年前進入了John Zorn的世界，在接觸了John Zorn所屬樂團Naked City的專輯Torture Garden後，導演決定開始本片的拍攝工作。 12個不同的片段，焦點不只是放在被攝者John Zorn身上，影片也可說是Claudia Heuermann的一段充滿驚喜的旅程，而這些關於聲音與時間的故事，也足以帶給我們對世界產生另一種不同觀點。 Claudia Heuermann 1965年出生於德國埃森，同時擁有影像設計與電影碩士的她，畢業後進入Bavaria Film Studios擔任助理導演並完成Susanne Ofteringer所執導的紀錄片，她的第一部影片Sabbath in Paradise完成於1997年，是部關於猶太人音樂的紀錄片，在瑞士Nyon紀錄片影展獲得Prix du Long Métrage TSR獎項。本片是她的第二部作品，2002年在紐約現代美術館舉行首映，並在同年的慕尼黑影展中一舉獲得Young Lion award。目前定居紐約布魯克林。 During the past two decades the New York composer and saxophone player John Zorn became a cult figure in the modern music world: He combines different genres, sounds and rhythms, and invents his own musical rules. His unusual collages and sound combinations often serve to explain postmodernism, and define a feeling of life: Anything goes. The 12 different episodes of the film not only portray John Zorn. They also depict the filmmaker‘s journey, which is full of surprises. And full of stories about sound and time that might inspire a different view of the world. |
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《Balifilm》 原本是舞台演出，根據導演Peter Mettler於1990-1992年間，在峇里島所記錄下的影像與聲音而創作。本片的配樂則是採用當時舞台演出中，八名德國音樂家所演奏峇里島音樂。本片可說是導演個人對峇里島其獨特文化脈動的個人觀察與詮釋，同時也是一場電影聲音、寂靜與視覺獨特融合的探索，第一次的現場演出是在1996年的秋天。 遊走加拿大跟瑞士的影像創作者Peter Mettler，是80年年代「多倫多新浪潮」運動的主要成員。他的作品充滿了大膽創新，其對於電影藝術形式的執著，與創造深刻令人難忘影像的能力，使他成為當今加拿大影壇上備受重視的電影工作者。同時也是加拿大電影大師艾騰伊格言(Atom Egoyan)的御用攝影師，並和九月底即將來台推出舞台劇的電影/劇場導演羅伯．勒帕吉（Robert LePage）也有合作關係。然而，他的作品不僅只限於電影媒材，近年來，他和來自不同背景的藝術家合作，在舞台上實驗新的影像與聲音的可能性。他的作品《迷幻．神．賭》（Gambling, Gods and LSD）曾在2004年台灣國際紀錄片雙年展中放映，同樣是以影像與聲音完美結合將觀眾帶向如癡如醉境地的傑作。 BALIFILM brings us into the world of the mystical and the unconscious through Mettler’s exploration of this extraordinary culture. The film was originally commissioned as a musical performance and the soundtrack is a live recording of eight Gamelan musicians playing the bronze and wooden instruments of Indonesia during the projection of the film. BALIFILM is a personal, lyrical observation of this island’s creative customs.
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「1983年春天，我做了趟旅行去瑞士、柏林及葡萄牙。接下來的影像，是我在旅程中所見所聞最具動力的直覺反應。本片的影像以時序方式呈現」，導演Peter Mettler以幾句話，簡潔地介紹了這部強調個人探索，略帶哲學沈思，深具實驗風格的紀錄片。 這三個月的旅程中，導演所拍攝的，並不是一般的旅行日誌。沒有預先安排的影像，他企圖在盡可能的方式中，同步紀錄下他旅程中的對周遭環境的反應與感受，以攝影機為工具的即興創作，如同樂器所演奏出的世界，這些視覺音符讓我們直視多樣狀況下的內心感知、情緒及感覺。 飛機窗邊的積雲、寧靜大地的雪景、一個年輕女子作畫，巴洛克式教堂的內部，柏林裡毀損不堪如同貧民窟似的建築、柏林圍牆旁的旅客等畫面，導演運用重疊、溶接、特寫畫面以及zoom in等手法加以串連，因而呈現了一個極其特別的多層次影像。從晃動中的車內及火車上，沿途所拍下的風景，看來既超現實又扭曲。Peter Mettler在剪接上，希望達到一個「完全旅程」的目的，也就是將所有拍攝的片段都剪輯至片中，片子的結構、內容與韻律都是隨者旅程中的時序而成。 在音樂方面，Peter Mettler使用了大小提琴的現場即興演出作為配樂，配上印度與多倫多的人聲、民族樂及孩童的嬉戲聲、聖樂以及旅程中所錄下的聲音，拼貼式的聲音並不是以強調影像為主，反倒是與影像間創造和諧的一致性。 |
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幽暗的森林裡，震耳欲聾的電音之聲饒繞其中……。 由柏林視覺藝術團體Transforma與美國電音音樂家Chris Douglas( aka O.S.T.)共同執導的《電音森林》，是一部影像風格創新的視覺音樂電影，全片充斥實驗精神。本片原為視覺影像演出。神秘的流浪漢在影片當中擔當媒介的角色，穿梭在這些不同的世界與人工製品，也成為了在二元世界中重複出現的象徵，以及居住於此生物間溝通的工具。而片段式的情節不斷地重複與反射，電音森林直接給觀眾一種組合式的敘事，而這些組合也讓觀眾對本片產生不同的詮釋方式。 抽象的影像、單格影像動畫、數位影像特效以及複雜的電影情節，本片所呈現的是一個詭異的黑暗浪漫影像世界。扭曲變形的有機生物充斥森林之中，怪異荒誕的角色，試圖在這詭異的環境中理出點頭緒。 抽象與形式在雜亂植物與混亂無章的微弱節奏中迴響，這是視覺化音樂，或是由影像而生的音樂，令人玩味。分割的影像風景，充滿神秘的人物，令人難忘的旅程逐步開展……。 柏林視覺藝術團體Transforma成立於2001年，企圖探索音樂與影像相互關係間，目前致力於vjing，音樂錄影帶及電影的創作。結合早期電影語言與當今電腦特效，作品試著以不玩整的視覺影像及故事，引領觀眾進入其自身的內心邏輯的世界。來自舊金山的電音音樂家Chris Douglas，以各式不同的綽號，發表了超過十張以上的專輯。 The Forest is full of electronic noise - SYNKEN is a visual music film by the Berlin video artist collective Transforma and the electronic composer Chris Douglas aka O.S.T. An evolving, resonating journey through splintering landscapes and mysterious characters. Abstractions and forms are reverberated in fragile soundscapes of chaotic planes and unsettling arrhythmic patterns. Is it film or an improvised VJ cut-up? Is it visualized music feeding back into images, or images generating music? Synchronized sinking as SYNKEN is Transforma and O.S.T.’s collective creative experience. SYNKEN pushes the limitations and restrictions of genres and steps across new ground in digital art. |
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★1992 鹿特丹影展 一首詩，就是一種生活。 關於人物生平的傳記影片，往往以年代劃分作為記事基準，旁白條理清楚，鉅細靡遺地介紹主角。而在這部關於二十世紀初奧地利作曲家Anton Webern的紀錄片，導演摒棄任何敘事性的對話，以連串意味豐富且獨立的鏡頭，清晰地架構出Anton Webern的故事，他的一生，他的音樂。身為第二維也納樂派主要作曲家的Anton Webern，1883年生於維也納。他並不是多產作曲家，終其一生只有發表了31個作品。他是知名作曲家荀柏格(Arnold Schoenberg)的得意門生，也因而成為提倡十二音樂技術的發聲器，而之後他創新的作曲理論，也發展成音列主義(Serialism) 。 影片跳躍式呈現Anton Webern早期在母親的帶領下接觸音樂，而後成為知名荀柏格的學生，將他的十二音樂技術發揚光大，而後戰爭爆發，他因為視力問題短暫的軍隊生活，而後成為指揮家及作曲家，到第二次世界大戰在火車意外中痛失愛子，以及納粹政權中的所遭受的政治迫害，到最後在美軍佔領奧地利後流亡生活中不幸喪生。動盪不安的時局，本片感性地道盡Anton Webern曲折的一生，饒富詩意並充滿指射。 Thierry Knauff's impressionistic and emotionally lucid film, Anton Webern is a poetic and allusive biography of the early 20th century Austrian polyphonic composer Anton Webern. Entirely devoid of narrative dialogue, Webern's life is representationally articulated through expressive, isolated shots of Webern's hands: his early childhood development as a pianist, his tutelage under famed twelve-note composer Arnold Schoenberg, his abbreviated military service in World War I due to poor eyesight, his diversified work as musical conductor and German lieder composer, the loss of his beloved son during a train strafing attack in World War II, his creative persecution and political disfavor under Nazi Germany, and finally, his accidental death in exile at the hands of American occupied forces in Austria. Anton Webern is a challenging, but instinctively cohesive film on creativity, artistic passion, and the tragic consequence of turbulent history.
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★1996 墨爾本影展最佳影片 小心！一部絕對讓你畢生難忘的影片。非洲赤道附近，喀麥隆東南方的雨林裡，住著一群原住民巴卡匹美矮黑人。「巴卡」，是他們的名字，在他們的語言裡，「巴卡」意為「鳥兒在枝頭上棲息」。當樹枝逐漸消失，鳥兒們會為消失的是樹木吟唱感謝之意，然後飛向另一片樹林。 導演Thierry Knauff花數月的時間，與原住民巴卡匹美矮黑人生活一起，完成本片。在這部黑白紀錄片當中，鏡頭所專注的，是巴卡匹美矮黑人的儀式與日常生活，以及在商業利益威脅下的掙扎求生。如同近年來的雨林保護議題，在這部1995年所拍攝，其戲劇元素與敘事方式，對於巴卡匹美矮黑人所生活的這片土地內，林木遭受濫伐，因而危及其生活形態之事實多有琢磨。1957年出生的導演，畢業於比利時布魯塞爾電影學院 (INSAS)，主修導演。並曾在布魯塞爾的Cinémathèque Royale擔任節目策劃工作。記錄短片屢屢獲獎，本片贏得了1996年墨爾本影展最佳影片，以及1996年孟買國際紀錄片/短片/動畫影展大獎(Golden Conch)。2000年Thierry Knauff花了七年的時間，完成他的第一部非劇情片Wild Blue，好評不斷，他的毅力與執著，跟荷索不相上下。 A Belgian-French co-production, it won the Golden Conch at the 4th Mumbai (Bombay) International Film Festival for Documentary, Short And Animation Films in 1996. Baka was shot over a period of several months in the equatorial rain-forests of southeast Cameroon, where mahogany and ebony trees are being exploited for commercial gain. In addition, this hour-long portrait of a primitive people describes in contrasting black-and-white images the daily rituals and struggle for existence of the Baka Pygmies. Although in one sense an ethnographic film, it contains dramatic and narrative elements that leave no doubt that the Pygmies may be a vanishing race if conditions continue as they are in the rain-forest.
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★1974 坎城影展金棕櫚大獎 70年代初期，正是柯波拉的教父系列在奧斯卡上大放異彩之際，這部在《教父I》與《教父II》之間所拍攝的《對話》也不遑多讓，除了在原著劇本與音效上獲得提名外，也與《教父II》同獲當年最佳影片提名，最後敗給《教父II》，但《對話》在坎城影展上榮獲金棕櫚大獎，也贏得一致的認同，被視為柯波拉在藝術成就上的不凡之作。 故事描述竊聽員Harry Caul在街頭任務當中，意外聽到他監聽的對象，這對情侶已驚覺自己有被謀殺的可能性，Harry Caul因而開始質疑這個任務而遲遲不願交出帶子，害怕他的客戶一旦聽到這段對話，會對這對情侶採取不利行動，然而竊聽到的對話，未如Harry Caul的想像，整個件事有了意外的發展。 以一個監聽對話作為主角的電影，聲音便顯得格外重要。片中的監聽對話一再地反覆出現，同時本片著重於聲音的運用與琢磨，用以呈現這部驚悚片中的不明確性，可說是向日前過逝的義大利大師導演安東尼奧尼1966年的作品《春光乍洩》(Blow-up)致敬。如此精彩的聲音，讓我們不得不提本片的剪接與音效Walter Murch，這位多次獲得奧斯卡最佳音效肯定的大師，也可說是本片幕後作者，正當導演柯波拉為《教父II》拍攝工作忙得焦頭爛額之際，Walter Murch自行完成本片後製工作。 本片劇本雖然在60年代末期完成，但影片完成推出之際，恰巧為美國史上最大醜聞案：「水門案」發展的同時，當下的美國社會普遍對監聽一事充滿焦慮，也因此，本片在當時對觀眾與影評帶來不小的衝擊。事隔三十多年再看本片，依舊強而有力，絕對是影史上關於聲音的影片中的經典。 Harry Caul is a paranoid surveillance expert running his own company. He has taken on the task of monitoring a couple's conversation as they walk through a crowded public square. The challenging task is accomplished, but Caul feels increasingly agonized over his doubts about the actual meaning of the conversation and about what may happen to the couple once the client hears the tape. He plays the tape again and again through the movie, refining its accuracy (by catching one key — though crucially ambiguous — phrase hidden under the sound of a street musician: "He'd kill us if he got the chance") and constantly reinterpreting its meaning in the light of what he knows and what he guesses…
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