總是令人覺得高不可攀的巴黎歌劇院芭蕾舞團，是一個以嚴格要求和完全熱情建構而成的世界，只有極致與完美的作品才被接受的地方。由法王路易十四在 1661 年所創立的巴黎歌劇院芭蕾舞團，是當今世界上最老的芭蕾舞團，當代最頂尖的幾位舞者，也都是這裡畢業的學生。

本片集結了巴黎歌劇院舞蹈彩排及巡迴演出的片段，從經典芭蕾舞劇《天鵝湖》及《 仙女 》（ La Sylphide ），到 Maurice B e jart 的現代作品《 第九號交響曲 》（ Ninth Symphony ）， Jiri Kylian 的《甜蜜的謊言》 (Sweet Lies) 以及 Pierre Darde 的 《 Orison 》等。精彩的片段，導演提供了芭蕾舞團的深入透視，同時；也藉由近距離地與當代知名舞星的訪談，更進一步地瞭解舞者們的作品與其內心世界，這些訪談包括了 Kylian 、 B e jart 以及首席舞者 Elisabeth Platel 與新星 Marie-Agnes Gillot 等人。歌劇院內的管理階層、資深的老師、學生以及即將嶄露頭角的舞者們，也都在鏡頭前侃侃而談，談舞蹈對他們意義為何、談他們為了站上舞台，如何克服工作時在情緒與體力的不適。

舞動的畫面下，導演 尼爾斯 ‧ 塔維涅 希望以這部影片，來傳達身體與語言上的情感起伏。在動人的配樂中，影片紀錄了一群為了成為頂尖的舞星，不惜犧牲一切而努力的舞者們。 尼爾斯 的父親是《 鄉愁老爸 》、《 新鮮誘惑 》的名導 貝特杭 ‧ 塔 維涅 (Bertrand Tavernier ) ，他的另一部關於舞蹈的影片《 漫舞精靈歐荷伊 》曾在台灣上映。

The Opera Garnier – a secret and imposing place, a closed place where dancers, teachers, musicians meet – brings together personalities with the same demanding and total passion. As a reflection of the dancers, Niels Tavernier wanted to produce a film in movement, expressing the emotions of words and bodies.

相關網站：

http://www.operadeparis.fr

http://bejart.ch/en/index.php

http://www.ndt.nl

Les Ballets C. de la B 這個比利時舞蹈團體是由一群藝術家組成，他們一起發展出屬於自己創造舞台表演的方式。他們總是以自己獨特的邏輯，於他們粗糙、不完美、脆弱地本質中，找到自己在真實世界中的位置。由 Koen Augustijne n、 Christine De Smedt 、 Sidi Larbi Cherkaoui 與 Alain Platel 組成的編舞群，把自己看待成是慾望、瘋狂或幻想的催生者。舞者們給各自以自己的血源、生活、思想、觀念、選擇與創意，作為每齣舞作的起始點，並以此為每場表演給定意義。他們將舞蹈、戲劇與音樂完美地結合，並且永遠樂此不疲地尋求另一種敘述方式。 從 11 歲開始學習默劇，而後進入舞蹈學校， Alain Platel 於 1984 年創立 Les Ballets C. de la B，發表充滿精力與奇特的面貌的作品，很快地成為一個國際知名的現代舞團。而後，他開始結合專業與業餘舞者，以邊緣化的表演風格，唐突、詭異、不穩定的肢體動作，並且從心理醫療影片中尋找創作靈感，發展出?抖、痙攣的身體姿勢。

透過此紀錄片 Alain Platel 頌讚人類獨特的本質，也正是 Les Ballets C de la B 過去二十年來存在的動力。 Les Ballets C de la B 的舞者是誰？他們來自何方？他們又如何將生活轉換成舞台上的表演？印象派風格的影片，成就了表演藝術界中獨樹一格演出團體中的精髓。這是一場撼動人心的旅程，他們以舞者的身份讓我們分享舞團的藝術性，也以活生生的個體，帶領我們經歷一場人類的冒險。

Through this documentary, Alain Platel celebrates the essence of human singularities which have fuelled Les Ballets C de la B for twenty years. Who are the dancers of Les Ballets C de la B? Where do they come from? And how do they transcend life on stage? An impressionistic film, in the heart of a unique company in the live entertainment industry. An emotional journey which allows us to share the artistic and human adventures of Les Ballets C de la B.

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在幾次成功的俄羅斯巡迴演出之後，葉卡特琳堡（ Ekaterinburg ）地區的舞團，要求 Karine Saporta 為他們創作一支舞作。這勾起了她遙遠的童年回憶 。 成群的舞者懸掛在學童們的小書桌上輕盈地搖擺，一閃而過的黑白畫面，呈現了一個被冰雪覆蓋的寒冷鄉村童年。 本片巧妙地於 Karine Saporta 的舞作當中，穿插了一些從未發表的蘇俄舊影片片段。對她來說，這個舞作是：「獻給我年邁的 俄羅斯舞蹈老師們； 給我垂垂老已的姑媽；給有時我感覺到自己體內，好像是來自遙遠『國度』，那股幾近是殘暴的精力與活力；給那些令我娛悅或痛苦，似真似假的感傷與懷舊。我要在這些逐步加速且令人無法抗拒的民俗音樂上跳舞。以我的『舞步』去招喚某些用俄語發聲的文字，那是我所喜愛的語言，它宛如是一個被壓抑的秘密」。該舞碼 1988 年於亞維儂藝術節首演，一如 Karine Saporta 的獨特風格，呈現出詭異的視覺效果。

身兼編舞家、舞者、攝影師及電影導演的 Karine Saporta ，為法國舞蹈界相當重要的藝術家。五歲開始學習芭蕾，隨後在巴黎大學研讀哲學及社會學，並曾在美國學習編舞。為了賦予將現代舞新的意義，她創立了 Karine Saporta 舞團，而深受印度及街頭嘻哈舞蹈影響的她，亦受到其他世界各地舞蹈風格的啟發，喜歡即興創作。本片完成於 199 0 年，同年她亦擔任英國名導彼得格林納威的《魔法師的寶典》一片的編舞工作。

A group of dancers suspended above schoolchildren's little desks swings imperceptibly. Short, flickering, black and white sequences suggest a peasant childhood in a cold, snowbound countryside. Based on choreography by Karine Saporta, this film subtly blends scenes from the performance and cuts from an unreleased Russian movie.

Karine Saporta 從搖滾樂樂評 Yves Adrien 的一篇關於 80 年代的文章《 2001 ，一段搖滾啟示錄》中，獲得創作的靈感，而導演 Natacha Defontaine 在整個計畫一開始時，即準備著手拍攝，也因此記錄了作品主題與概念的形成與發展，與演出排練前反覆琢磨等的幕後畫面。 Karine Saporta 精準地混合現代舞與 70 年代的搖滾樂，兩者都是爭取藝術創作自由的先鋒。以搖滾樂即興的節奏與聲音為引導，以它對經典音樂路線的破壞與重建，緊扣舞蹈語彙，最後達到一種獨特的藝術表達經驗。

Karine Saporta takes her inspiration for her new spectacle from rock critic Yves Adrien's “2001, une apocalypse rock” on the music of the 1980s. Director Natacha Defontaine follows the project from its beginning: the conception of the theme, the dancers' and musicians' rehearsals, the building of the garage, etc.

相關網站： http://www.saporta-danse.com

自相識於西雅圖以後，編舞家Merce Cunningham與作曲家John Cage，維持了近五十年的合作關係。他們相互影響的創作關係，對隨後整個世代的音樂與舞蹈語言的發展造成革命性的影響。影片中包含了極為豐富的紀錄片段，導演Elliot Caplan以貼身記錄的方式，拍攝下他們自1983年起，於世界各地活動的畫面，加上一些Cunningham及Cage珍貴的資料影片，以及兩人合作中，身旁重要人士的訪談。我們從中看到他們的創作是如何集合當時最重要，且包括各類型藝術家的參與。導演每天近距離接觸，有時甚至使用業餘攝影機，以近乎是偷拍的方式，捕捉兩位企圖破除陳規、改變生活、改變藝術史的藝術家，真實亦感性的故事。
John Cage長期是Cunningham舞團的中心、靈魂與精神支柱，直到1992年逝世為止。是他敦促Cunningham編第一支舞，也是他讓Cunningham把「意外」的元素帶進舞作，是一位永遠充滿智慧、好奇心與頑皮的原創藝術家。此外，本片最令台灣觀眾興奮的，應該是像夢境般地在片中看到他們的身影出現在台灣的土地上。 後現代舞大師Merce Cunningham漢出生於華盛頓的Centrali，在西雅圖的Cornish學校，開始正式接受舞蹈及戲劇的訓練。
1939-1945年期間，在瑪莎．格蘭姆（Martha Graham）舞團擔任舞者，1944年四月與凱吉在紐約推出他的第一齣獨舞舞碼，而後也在1953年在黑山學院(Black Mountain Collage)成立了Merce Cunningham舞團，自此之後他完成了近200部的編舞作品，被認為是「現代舞」的創立者。 Merce Cunningham經常成為電影或電視鏡頭下的主角，主要跟兩位導演合作，先是Charles Atlas而後Elliot Caplan。1999年Cunningham與Charles Atlas再次合作，完成記錄片《一生的舞者》，並在2001年12月於美國公共電視播放。Cunningham對於現代科技的興趣，使他以高齡之姿，不斷在科技協助下完成創作。他自1991年創作《Trackers》開始，皆是使用電腦軟體DanceForms，來進行編舞工作，並以Motion Capture技術記錄舞者動作。

This is a feature film portrait tracing the history of the collaboration of choreographer Merce Cunningham and composer John Cage which began nearly 50 years ago at the Cornish Institute of Allied Arts in Seattle, Washington. In telling the story of Cunningham and Cage, award winning filmmaker and Cunningham collaborator, Elliot Caplan, utilizes candid footage of their activities around the world since 1983, rare footage from the Cunningham and Cage archives, and interviews with principal figures involved in the collaboration. Mr. Caplan's daily contact with Cage and Cunningham has inspired a revealing and sensitive portrait of two men whose spirit of adventure and iconoclastic thinking have helped to revolutionize life, as well as art in the twentieth century.
相關網站：http://www.merce.org http://beststudentviolins.com/cage.html

以驚人的視覺表現，而獲得全世界最具有想像力編舞家之一聲譽的 Maguy Marin ，出生於土魯斯，父母為西班牙移民，八歲起開始習舞。 16 歲時，因為其優異的成績，而獲得到巴黎 與 Nina Vyroubova 學習一年的機會。 1972 年時，進入由編舞家莫里斯 ‧ 貝嘉（ Maurice Bejart ）所創立，位在布魯塞爾的舞蹈戲劇學校 Mudra 就讀。這所以多元且開放教學著名的學校，不但開啟了她多面向的創作思維，也遇到多位日後合作無間的重要舞者。而後，她擔任 Bejart 的 Ballets du XXe Siecle 的 舞者，並於 1976 年發表編舞作品《 Yu-Kuri 》。 1978 年與 Daniel Ambash 創立芭蕾舞團，同時也積極地與其他編舞家及舞團合作，不斷推出新的作品。 1985 年，她為里昂歌劇院芭蕾舞團所製作的普羅高菲夫的《灰姑娘》，在 1987 年紐約首演後引起轟動，之後舞團經常前往美國巡迴演出。 1988 年 榮獲法國文化部頒發「法國國家文藝騎士勳章」。 1992 至 1994 年期間，她擔任里昂歌劇院芭蕾舞團的駐團編舞工作， 2003 年並獲得 Samuel H. Scripps/American Dance Festival Award 的終生成就獎殊榮。 Maguy Marin 的舞團 曾三度來台演出，名作《 May B 》與《 Coppelia 》（ 柯碧莉亞 ）更是早在 LD 時代，就已讓無數台灣的舞迷驚豔。

《 伊甸園 》從聖經得到創作靈感，是編舞家 Maguy Marin 以沙漠為背景的雙人舞。在強調肢體動作的表演中，兩名舞者 Wilfried Romoli 及 Cathy Polo 緊緊擁抱，不停地旋轉，公然的挑戰地心引力。導演 Luc Riolon 的鏡頭跟著亞當與夏娃娃這如波動般、緩慢感性的舞蹈，在一個如夢般，無法分離的擁抱中。

The choreographer Maguy Marin based this piece for two dancers in a desert setting inspired from the Bible. In a very physical performance, Wilfried Romoli and Cathy Polo clinch each other, roll around and defy the laws of gravity. Luc Riolon follows the slow, flowing, sensuous dance in a dream-like, inseparable embrace.

《 大熔爐 》改編自 Maguy Marin 描繪人類行為及情緒所創作的舞碼《 Waterzooi 》 。 舞台背景搬到日常生活的大城市中，而主角則為一個生活在郊區的現代版小紅帽。影片強調每日生活與詩之間的強烈差異。

Melting Pot is an adaptation of Waterzooi , a dance piece directed by the choreographer Maguy Marin and based on human behavior and emotions. The setting is everyday life in a big city and suggests the singular world of a teenager living in the suburbs, a modern-day Little Red Riding Hood and emblematic figure of choreography. The film plays on the constant differences between day-to-day life and poetry.

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1957 年出生的 Angelin Preljocaj 父母為阿爾巴尼亞移民。接受古典舞蹈訓練之後， Preljocaj 進入現代舞的領域，與 Karin Waehner 合作。 1980 年前往紐約拜師 Merce Cunningham 門下。 1984 年創立 Preljocaj 舞團，發表超過 20 部以上的作品，曾被紐約時報稱之為最具才華之實驗編舞家。

以 Gustave Caillebotte 的名畫《 刨木工 》為起點， Preljocaj 為男性舞者寫下這齣以爬行、墜落與停頓等肢體動作為主的舞作。影片導演 是 以《 夜夜夜狂 》獲得 凱撒獎的最佳影片，卻在頒獎前夕因愛滋病過世的 Cyril Collard。他的攝影機在舞者的身體間展延，充滿詩意地捕捉 男舞者們在地板上矯捷的動作， 巧妙地 在舞蹈、畫作與一對因爭吵而分手的情侶之間來回踱步。

The choreographer Angelin Preljocaj based a dance on Les Raboteurs (the floor scrapers) , the masterpiece painting by Gustave Caillebotte, which emphasizes the crawling gestures, falls and pauses of craftsmen. The director Cyril Collard thought up a love story woven together by the silent, physical dance of these men scraping the floor.

Regine Chopinot 令人驚嘆的作品《K.O.K》.，看起來像是一場拳擊比賽，有完整的回合、裁判及拳賽台，它重新賦予對拳擊藝術的新意。真實的拳擊場面與舞蹈的結合，靈感源自於拳擊選手靈活跳躍般的揮拳動作，但是要獲得拳擊冠軍，需要很大的努力與汗水。舞作中旋轉的擂台是由曾經跟尚-皮耶˙哲內 (Jean-Pierre Jeunet) 共同執導《黑色狂想曲》(Delicatessen)、《驚異狂想曲》(La Cite des enfants perdus) 的馬克˙卡侯 (Marc Caro)所設計。

Regine Chopinot生於1952年，於1978年在里昂創立自己的舞團La Compagnie du Grebe，三年之後，便以編舞作品《Halley’s Comet》在Bagnolet的國際舞蹈節中獲獎。1986年起，擔任Poitou-Charentes舞蹈中心的總監一職至今。在過去近30年之內，他所創作約50部的作品當中，皆是與裝置藝術家如Andy Goldworthy,、Jean Le Gac 和Jean Michel Bruyere，以及現代音樂家Ton-That Thiet和Bernard Lubat共同合作。而在1983至1993年期間，流行服裝設計師Jean Paul Gaultier 也為她的舞作擔任服裝設計。過去幾年間，Regine Chopinot在法國及越南教授舞蹈，並曾到台灣演出。

Created by Regine Chopinot, K.O.K. is an astonishing dance number designed to look like a boxing match, complete with rounds, a referee and a ring, reinventing the art of pugilism. Real punches alternate with dance sequences inspired by boxers’ footwork and swinging fists. It costs the champions much sweat and effort, and all four of them end up on the mat, sweating and Knockedout.
相關網站：

http://www.mathildemonnier.com/en

http://www.preljocaj.org

在簡潔的筆觸下，導演 Charles Picq 企圖回到編舞家 Suzanne Linke 孤獨的童年。在 Linke 的帶領下，回到她兒時因腦膜炎住院的醫院，暢談了她與 Dore Hoyer 、 Mary Wigman 在柏林的相遇，以及對她的獨舞作品 《 Effekt 》的一些看法， 也談及其作品背後強大的衝擊力 。

Suzanne Linke 的舞蹈，融合了具有歷史的德國舞蹈的傳統，與現代德國舞蹈劇團的發展。最初在柏林接受德國大師級舞蹈家 Mary Wigman 的訓練，而後前往埃森 ， 在 Kurt Jooss 所創辦的 Folkwang 學校舞蹈系就讀， 70 至 73 年間，成為 Pina Bausch 擔任藝術指導的 Folkwang Dance Studio 團員，也在同時間，開始編舞上的創作。不出幾年的時間，她的編舞作品即受到國際肯定，不論是獨舞或群舞，都獲得諸多獎項肯定。在近十年的時間裡，她與舞團受邀巡迴至歐洲、印度、北美及南美洲等地演出。 1985 年起應各知名舞團之邀，擔任編舞工作，其中包括有紐約的 Limon 舞團、曾來台的巴西古朋舞團（ Grupo Corpo ）及荷蘭舞蹈劇團等。 2000 年曾與 蘭希 ‧荷芙曼（ Reinhild Hoffmann ）來台表演。

相關網站：http://www.thelab-berlin.de/Eartistlinke1.html

《 Solstice 》指的是天文學上的兩個極點，這是一段激烈地雙人舞的序曲，彷彿是抗議似地，以多變的寂靜和輕微的聲響對抗喧囂的世界。我們看到整個舞作的精華，由兩個傑出的舞者 Hela Fattoumi 與 Eric Lamoureux ，在如夢般的非洲沙漠，一個動作接著一個動作地詮釋出來。在跳遍法國知名的舞團之後，兩人於 1990 年成立自己的舞團，開始巡迴世界各地表演，包括韓國與日本。 2004 年，兩人接替 Karine Saport a，成為 Caen/Basse-Normandie 國家舞蹈中心的總監。他們經常以雙人舞的方式創作，作品被認為是敏感度極佳的控制者，擅長捕捉時間的振動性、空間的呼吸與存在的波動。

This film is the quintessential excerpt of a dance performance which takes place in a desert in Africa. Two outstanding dancers ( Hela Fattoumi and Eric Lamoureux) painstakingly perform the work movement by movement, gazes interlocked and supple necks outstretched. Christophe Bargues exalts a non-fusional dance, devoid of all excess, by dwelling on each dancer individually, deliberately avoiding shots of both of them together in order to emphasize the singularity of their movements, which never meet.

相關網站：http://www.ccncbn.com

改編自Josef Nadj於1999年發表的作品。全片在十八世紀的城堡中完成。影片從幽暗與寂靜的夜色中開始，當光線逐漸籠罩在舞台上，我們看到一對坐著的男女，中間由一張木桌分隔開來，他們開始尋找對方…。由Josef Nadj和Cecile Thieblemont飾演的這對戀人，從新詮釋了人生中感情生活的不同階段。在不間歇的舞蹈中，熱情、纏綿的瞬間，直到抗拒，最後在清晨的微曦中，緩緩退去。Cathy Levy的攝影機，巧妙地捕捉到這段私秘與微妙的戀人絮語。

This short film is a recreation of Temps du repli, a piece created by Josef Nadj in 1999. From dusk until dawn, in an appealing series of linked 18th century rooms, the work filmed in the chateau of Coulans-sur-Gee is reborn, step by step. A continuous dance where moments of passion, unity and struggle succeed each other, finally to fade away as dawn breaks.

在一個假皇帝的身旁，有瘋子、聖人、醫生及魔術師，他們生活在幻覺、神秘、倣造，及擬像的世界中。他們一起編織了一段沒有時間感的想像故事。影片改編自Josef Nadj的舞作，保有他作品中特有的，豐富生動的人物及詩意，混合了童話與兒時的記憶。 曾於2005年與法國國家Orleans舞蹈劇團來台演出《歲月的玩笑》的匈牙利編舞家Josef Nadj，生於前南斯拉夫的一個小城Hanijza，畢業於布達佩斯大學，主修劇場及武術。於80年代定居法國，曾與編舞家Mark Tompkins, Catherine Diverres 及 Francois Verret合作過。1986年創立自己的舞團，推出成名作《北京烤鴨》（Canard Pekinois），亦曾為法國國家馬戲學校創作極為成功的《Le Cri du cameleon》，自1995年起，擔任法國國家Orleans舞蹈劇團的藝術總監一職。作品風格被認為受到中歐劇場大師康托（Kantor）與葛羅托斯基（Grotowski）的影響。

The court of a false emperor includes a jester, a saint, a doctor and a magician. All of them live in a world of illusion, mystification, split personalities and pretence. They weave the web of an imaginary chronicle outside time with the courtisans. Based on the choreography of Josef Nadj, this film retains all the picturesque character and poetry of his work.

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2005 坎城影展 Agence du Cinema Independent pour sa diffusion 單元2005 Festival du Film d'Aubagne
最佳影片 2005 Dance Screen Film Festival 最佳改編電影

2003年Wim Vandekeybus曾在世界巡迴演出的過程中，帶著新作《騷紅》來到台灣演出。影片版的《騷紅》並不是將演出以電影翻拍的方式呈現的作品。全片以超十六影片製作，外景部分在美麗的地中海小島科西嘉實地拍攝，室內則回到布魯塞爾完成，結果是一部描述愛與熱情，充滿迷幻魅力的舞蹈電影。本片在2005年推出之際，即獲得國際上各大影展的邀約，同年五月更應邀參加坎城影展Agence du Cinema Independent pour sa diffusion單元，也因此，這部原本為電視而拍的電影，能有機會在法國當地戲院上映，佳評如潮。法國大報Le Monde的影評曾給予本片三顆星的高評價，並稱讚本片為 「一個介於電影與舞蹈之間的夢境」。2005年十月獲得了Festival du Film d'Aubagne的最佳影片殊榮，並提名2005年Dance Screen Film Festival (IMZ獎)的最佳改編電影(Best Camera Rework)。本片編曲為David Eugene Edwards，他本人並在片中現身。比利時詩人Peter Verhelst則為本片撰文。 在第一次演出結合電影之後，電影便成為Wim Vandekeybus日後創作中不可或缺的藝術表現元素，可說是他無窮想像力的另一種抒發方式。他在1993年完成了第一部短片《Elba and Federico》，而該片也成為他同年發表的演出《Her Body Doesn't Fit Her Soul》中的部份。在他近期完成的短片如《The Last Words》及《有關借來的人生》…等，已在藝術及短片圈中嶄露頭角，不再是他演出作品當中的部份而已。除了在演出中加入影片之外，Wim Vandekeybus也將他的演出以電影的方式呈現。將舞台演出的元素，放置在另一個文本與地點之中，Wim Vandekeybus賦予了他的舞台演出新的生命力與韻動的模式。

Blush is the cinematic adaptation of Vandekeybus' 2002 choreography of the same name which toured worldwide for two years. Shot on location on the beautiful Mediterranean island of Corsica and in interiors in Brussels, on Super 16mm (DOP Lieven Van Baelen), this mesmerizing dance movie is an almost physical depiction of love and passion.

「一是悲傷、二是喜悅、三是女孩、四是男孩、五是白銀、六是黃金、七是從未說出的秘密」。 Vandekeybus 以這首關於 megpies 的愛爾蘭童謠，作為他的作品《七是從未說出的秘密》的創作基礎。由七個相互影響的片段組合而成，並在每一個片段當中，發展其不同的動作與呈現方式。《白銀》為整個表演中的第五段，一個身上貼滿金屬薄片，靜止不動的人被抬上舞台，突然間成群的羽毛從空中掉落，迫使舞台上的人移動，而其他的舞者也慢慢地出現在舞台上。一個複雜的作品，在使用標準 Vandekeybus 的舞蹈語言之下，成為一齣極具生命力的舞蹈演出。本片在他的用心執導之下，所帶來的震撼力遠大於舞蹈本身。

舞碼《牆上的身體》為Jan Fabre名為《The Four Temperaments》獨舞系列之一，其中包含四齣完整的獨舞舞碼，是Jan Fabre與過去曾工作過的舞者如Vandekeybus、 Renee Copraij、Marc Vanrunxt 及Annamirl Van der Pluijm再次的合作作品。Jan Fabre為Vandekeybus所寫的這一段，描述的是一個男性舞者與攝影師的關係：表演者與公眾關係的隱喻。攝影師為了一個充滿幻想的身體影像展覽，進而操控著男舞者的身體。《牆上的身體》為一個關於身體與動作的獨舞：透過不同方法的操控，塑造與調整，身體因而成型，也就是，我們對於自己身體的認知，是透過他人所給予的眼光而形成。導演Jan Fabre的靈感，則源自於荷蘭畫家Rob Scholte，法國表演藝術家Orlan及Vandekeybus本人。

The performance Body, body on the wall... – in which this video is projected – is part of Jan Fabre's series of solo performances entitled The Four Temperaments: four evening-long solos made for and with dancers with whom Fabre has collaborated artistically in the past: Wim Vandekeybus, Renee Copraij, Marc Vanrunxt and Annamirl Van der Pluijm. Body, body on the wall… is a monologue about the body and movement: the body that is registered by manipulating it in different ways, by adjusting it and by modeling it. The central idea is that we only become aware of our body from the looks that other people give it.

相關網址：

http://www.ultimavez.com

http://www.troubleyn.be

《 莉婭的 1001 夜 》 回顧了巴西最具影響力的編舞家之一 Lia Rodrigues 的藝術生涯。她身為被巴西現實環境所壓迫的知識份子，同時也是一位熱情的母親，以及一個結合小孩般戲謔與創新的舞蹈形式，永遠不滿足地創作的藝術家。身體人造藝術家，經常使用裸露的身體，創作深具美感，令人印象深刻的影像。某日， Rodrigues 決定成為里約熱內盧 Mare 貧民窟的居民，她希望能將她的藝術與不同的生活模式，灌入這個危險的地方。 Rodrigues 於 80 年代曾是 Maguy Marin 的舞者，她的作品深入現實生活，介於舞蹈、視覺藝術與行動藝術之間。經常與醫院或無政府組織合作，有時甚至與所謂「對社會具危險性」的孩童合作，將他們帶進藝術表演之中。 1990 年創立自己的舞團， 1992 年 與 2005 年間，擔任 里約熱內盧國際舞蹈節總監。

經過 18 個月的努力，導演從學習基本的葡萄牙文開始，加上三次前往里約熱內盧，使他的鏡頭更接近被拍攝者。本片的旁白在開始時是按照時間的先後順序，而後突然地在中點，穿插 Rodrigues 與其他的聲音重疊一起。這樣的處裡方式，其實與 Rodrigues 的信念相互呼應的，因為到了結局，表演並不是最重要的，反倒是人們的互動 、 環境及生活，讓創作仿佛是一種政治行動。對 Rodrigues 來說：「創作行為本身就是一種革命，它是學習的工具，也是資訊的控制器」。本片導演 Luli Barzman 描繪了一個千變萬化的人生寫照與其作品，以及一個被痛苦 、 危險 、 愛與死亡所搖晃的國家。

The 1001 Vies de Lia Rodrigues retraces the career of one of the most influential choreographers in Brazil. An intellectual torn by the realities of her country, Lia Rodrigues is also a passionate mother and an insatiable artist who combines a child-like irreverence with the use of new forms. A plastic artist of bodies, she often uses naked figures, creating remarkable images imbued with a strange beauty.

從舞蹈的歷史背景來看，女性在這領域中有很重要的地位。而現今男人是如何看待舞蹈？一個男性舞者又是如何看待自己舞蹈表演的位置與其限制？為什麼目前許多編舞家只與男性舞者合作的趨勢會逐漸成形？它會對男性最深層的身份認同問題提出質疑？本片試圖以舞作片段與排演，剖析舞蹈與男性之間的關係，從父親的關係、女性特質、暴力、變身及性別等主題出發，剖析多變與複雜的男性認同議題。多位知名男性編舞家如Angelin Preljocaj、Tompkins Mark、Dimitry Chamblas、Kader Belarbi、Josef Nadj、 Francois Verret…等人都面對鏡頭，侃侃而談。

Dance has a history strongly focused on the feminine. How do men see dance today? Why is there such a significant emergence of choreographers who work exclusively with male performers, bringing men's fundamental identity into question?

Dominique Bagouet 最著名的作品《天使的躍起》（Saut de l'ange），第一次公開演出是在1987年的 Montpellier 舞蹈節，佈景是由著名的視覺藝術家波爾坦斯基（Christian Boltanski）製作。在這部為影片而重新製作的舞作中，保留原作中將時間延長的特色。樸實的運鏡與線性敘述，將每個角色完美的呈現出來，讓我們清楚地看到 Bagouet 在作品中重視每個舞者特質的傾向。Boltanski 的燈泡吊飾與刻意微妙過時的衣服將原本感傷的詩情引向清澈的舞蹈語彙。刻意陳舊的美學，在沉著與情感豐富的運鏡下，令人流連忘返。

Bagouet 從小接受古典芭蕾訓練，隨後加入日內瓦的舞團表演巴蘭欽（Balanchine）的舞碼。在之後的學習之旅，曾先後與Maurice Bejart、Merce Cunningham一起工作。1976年回到法國發表第一支舞作《夜曲》（Chansons de nuit）立刻獲得大獎。接著創立法國第一個舞蹈中心和 Montpellier 舞蹈節，接連推出新作，被認為是法國「新舞蹈」潮流的開創者。就在他事業如日中天的時候，驟然於1992年因愛滋病過世，當時才40歲。在他短暫的創作旅程中，曾帶團到台灣表演。

Ten brief portraits in dance by the performers of Saut de l'ange ('Angel's Leap') which was choreographed by Dominique Bagouet in sets designed by Christian Boltanski and first performed at the Montpellier festival in 1988. A village square, fading golden light and strange inhabitants who, until nightfall, make sharp gestures in the still air. All of them meet at the end of each sequence for a dense, sound-filled gallop.

相關網站：http://www.lescarnetsbagouet.org

在一場歡送會上，一群好友之間的關係即將徹底瓦解…。Liliane 和 Leonard夫妻趁著即將將女兒送往瑞士的療養院前夕，邀請了家人好友，來到位在森林當中的城堡內聚會，而這城堡多年來也早已成為大家平時聚會的場所。金魚的遊戲是這群朋友間發明的遊戲傳統，也成為他們如孩子般的友誼象徵。只是，沈浸在遊戲的歡愉中，災難也同時降臨，曾是天堂的地方，轉眼間成了地獄…。是一個關於人的秘密、過去與道德選擇的現代寓言。

在一次的訪談中，導演曾說：「本片是預先完成的『成品』，但是當我們開始拍攝，事情即有了變化。計畫開始是一個真實故事，我之前舞台劇《Morning Song》的延續，但它其實只是樂器罷了，像古典音樂的曲目–『時間與空間的結合』，這也是最主要的象徵，代表了對時間的掌控與處理」。他說：「我其實也作了些極端的抉擇，像是選擇跟平面攝影師合作，取代電影的攝影師，這其實是有很大的不同。例如電影的攝影師他是提供光源的，而平面的攝影師則是尋找光源。我們也運用了特別長的鏡頭，而這個選擇，給予我們很大的自由空間。再者是我們使用數位攝影機，手持攝影機的方式，並且在非常迅速的時間拍攝完成，在21天之內完成這部近2個小時的影片。另外，我每天在拍攝過後，立即著手剪接的工作，而這結果是，每當拍攝再次開始時，我便會重新思考劇本與拍攝，所以最初的版本在一個星期內就完成了，然後我們再重新來過一遍。這些其實跟『逗碼宣言』的準則沒有什麼關係，只是運用電影這媒介，探試表演與攝影的意義」。

Jan Lauwers為當今比利時重要的劇場導演與編舞家，經常在戲劇表演中結合舞蹈元素。1986年創辦Needcompany，創團之初，所推出的作品如1987年的《Need to Know》及1989年的《Ca va》，皆以視覺上取勝，而後的推出的作品則在故事敘述上多有琢磨。除了舞台劇之外，Jan Lauwers也完成多部影片及錄像作品。本片是他的第一部劇情長片，乍看與舞蹈無關，但是人物的肢體運動、精彩的攝影機鏡位與令人目炫的剪接，都將攝影與身體的關係發揮得淋漓盡致。Jan Lauwers預計明年帶Needcompany到台灣表演舞台作品《Isabella's room》，值得期待。

A small community of people is violently torn apart. The setting of the dramatic events is Liliane and Leonard's castle. On the eve of the departure of their disabled daughter Lena for a sanatorium in Switzerland, this is the last chance for the company to spend an evening together. The goldfish game is a tradition of their own invention. It has become the playful and nearly childlike expression of their companionship and friendship. During a round of the goldfish game disaster is announced in the form of David, a detective whom is introduced to the company in good faith. The arrival of David, the outsider, poses a threat to the identity of the group.

相關網站：http://www.needcompany.org

在她最近的作品 《四月，我》中， Anne Teresa de Keersmaeker再次回溯到她作品裡最原始的元素–尋找音樂與舞蹈的特殊關係。為了慶祝羅莎舞團 (ROSAS) 演出二十週年，她也再度與編曲家Thierry de Mey攜手合作。影片主要是專注在極度複雜的舞蹈表演歷程，和對話式的衍繹過程，呈現編舞者跟作曲家在創作想法上的交換，以及編曲上、音樂素材跟舞蹈間的互動（施與捨）。在這部獨特的影片中，首度穿透了編舞者的創作核心，直擊舞碼中最驚心動人的片段，那些最特別的片刻，讓我們看到實驗精神正是創作的原動力。

Anne Teresa de Keersmaeke生於1960年。1978-80年期間就讀於布魯塞爾的Mudra舞蹈學校。1980年在布魯塞爾推出第一部作品《Asch》。1981年至紐約大學就讀，第二年回到比利時即推出與美國極簡作曲家Steve Reich合作的《Fase》，驚豔舞壇，立刻受邀世界各地藝術節演出，迴響十分熱烈。《Fase》的一炮而紅，促成了De Keersmaeke在次年成立了羅莎舞團。隨後在與新作曲家如Thierry de Mey 及Peter Vermeersch的合作下，羅莎舞團在國際舞壇上的地位益加重要。80年代在布魯塞爾的The Kaaitheater贊助下推出多部作品。1992年成為布魯塞爾歌劇院(Royal Opera De Munt/La Monnaie)的駐院舞團，同年也推出與大導演彼得格林納威（Peter Greenaway）的影片作品《Rosa》。近年來成立國際現代舞學校P.A.R.T.S.，也不斷地發表新作品，同時也受邀巡迴世界各地。去年首度來台表演經典作品《Rain》。

With her latest creation April me, Anne Teresa de Keersmaeker marks a return to the very essence of her work and that very special relationship she maintains between music and dance. The film focuses mainly on that highly sophisticated process involving the dialectical exchange between the creative ideas of choreographer and composer, the give-and-take between composition, musical material and dance. It is the very first film to penetrate the creative universe of the choreographer, following the elaborative phases of the piece, those special moments when experimentation is the impetus for creation.

◎2002年 Dance Screen , Monaco Best Camera Rework獎
◎2003年 Festival Internazionale del Cinema D'Arte,Bergamo 大獎

改編自Gilles Jobin的舞碼《掉進無限》，是一場官能與催眠的探究，透過五位舞者肢體的交錯、重疊、跟隨、相互的擁抱，創造出奇妙的人體雕像在空間滑行。攝影機跟隨拍攝，剖析了這流水般的舞碼，音樂是由Franz Treichler所配樂。瑞士現代舞編舞家Gilles Jobin為洛桑 Arsenic劇場的駐院編舞家，同時也是倫敦Artsadmin的藝術家。Gilles Jobin的作品多在人類內心以及其與身體之間的複雜關係多有琢磨，一種以現代觀點看待身體的方式。他希望能透過示意及震撼的影像，藉此賦予身體自己的聲音。影像所釋放出的想法與情感在他的作品中相當重要。他同時也對不同藝術形式的組合創新相當有興趣，舞蹈與視覺藝術尤其是。身為一個藝術家，他也希望能創造出一個新的語言，能從過去的創作經驗當中，孕育出新的藝術創作作品。直到目前Gilles Jobin已囊括了非常多的創作大獎，是目前最受矚目的瑞士編舞家。

Dance film, freely adapted from THE MOEBIUS STRIP, a choreography by Gilles Jobin. A sensual and hypnotic exploration in which the bodies of five dancers cross, overlap, follow, and embrace each other, creating a fascinating human sculpture gliding through space. The camera follows and dissects this fluid choreography set to music by Franz Treichler.

相關網站：http://www.rosas.be
http://www.parano.org

自稱是一隻「擁有年輕心情的老馬」的日本舞踏大師大野一雄，可說是當今舞踏界的傳奇人物。受到20年代德國現代舞與西班牙佛蘭明歌舞蹈家La Argentina的激發，於50年代末期開始舞踏的演出，除了表達一種對純淨生活的感激與抒發；同時也是二次戰後，對日本開始的美國化事實提出質疑。他的舞蹈令人輕鬆愉快，充滿著喜悅，但卻也展現了靈魂深處的黑暗面，誠如舞踏（Butoh）的原意為「走入黑暗…」。他是把舞踏帶進西方舞台的代表人物，經年於世界各地表演，直到1996年最後一次接受Pina Bausch的邀請到歐洲表演為止。從此，既使行動不便，還是以輪椅代步，從事舞踏教學。

本片呈現了他與他兒子、家人與學生的日常生活、他的舞蹈與練舞室、一段知名俄羅斯舞者Tanya Khabarova在Dresden的獨舞，以及他目前即使行動不便，如何以舞蹈呈現「極致」，更可以看到他對當今世界各地舞蹈家的重大影響。從橫濱、紐約世貿大樓前的屋頂、威尼斯、巴黎、馬德里到維也納，自1987年起至2003年秋天，加上1969至1973年間的珍貴資料片段，Peter Sempel將近30年長期拍攝大野一雄。電影配樂為地下音樂與古典樂的超強混和，尤其是舒伯特與威爾第等人的音樂。

Kazuo Ohno, the living legend of butoh-dance, 98 years old (born 1906), still dancing, says: "I am an old horse with a young heart".

He was inspired by German Ausdruckstanz and dancer La Argentina in the 20's, started Butoh (with Hijikata) end of the fifties, as an expression of thankfulness for pure life (and also questioning the beginning of the Americanization of Japan after the 2nd world war, parallel to the Beat-generation).

His dance is extremely lighthearted and full of joy, and at the same time expresses the deepest darkness of the soul. Butoh means 'Step into the dark'...

The films shows his life, dancing, studio, with his son Yoshito & family, pupils and other animals, a solo by acclaimed Russian dancer Tanya Khabarova in Dresden, and how he, although disabled, dances today "to the extreme". He has influenced dancers the world over.

相關網站：http://www.kazuoohnodancestudio.com

Hideyuki Yano是最先將日本舞蹈或舞踏觀念帶進歐洲，並且影響歐洲舞蹈概念的傳奇性人物。1982抵達巴黎即開始與法國新生代編舞家合作，尤其是與 Karine Saporta 的合作，直到1988以45歲的壯年過逝，這是他知名度不高的原因。擅長融合各種不同、甚至相互抵觸的舞蹈元素。他以每個舞者的感受、情緒與慾望為導引，同時為意外的元素保留很大的空間，但他總能成功地集結一切，並且拋棄既定的技巧與形式，讓舞者在舞台上找到真正屬於自己的位子。

本片以Hideyuki Yano首次在1983年的七月亞維儂藝術節所發表的舞碼為創作藍本。Hideyuki Yano當年的作品是以描述愛爾蘭傳奇英雄庫加林(Cuchulain)的故事為主，而後並由詩人葉慈改編，且將時代背景設在中古時代的日本。

A video re-creation of an original number by Hideyuki Yano first performed at the festival of Avignon in July 1983: based on an Irish legend about the hero Cuchulain, which was later adapted by W. B. Yeats, set in medieval Japan.

相關網站：
http://a.longuet.free.fr/video_puit_epervier.html
http://a.longuet.free.fr/video_workin_progress.html

Daniel Schmid 的影片 以多角度，深入呈現日本國寶歌舞伎大師坂東玉三郎的精彩面貌。影片分成連續的多幕型式，序曲是坂東玉三郎表演的《醉蛇之舞》 (Orochi) ，接下來是訪談部分，《坂東玉三郎與他的偶像們》（ Tamasaburo Bando and his idols ），影片呈現他與藝妓舞蹈家 武原はん（ Han Takehara ）、女演員杉村春子 (Haruko Sugimura) ，以及舞踏大師大野一雄等人的相見歡。隨後為一幕輕快地藝妓變奏曲《黄昏藝者情話》。而在最後一幕當中，坂東玉三郎演出歌舞劇《 鷺娘 》（ Sagimusume ），敘述在一個隆冬大雪之夜，女孩的蛻變與重生的故事。導演試圖透過這特有的舞蹈藝術形式，探究神秘面具下的大和世界。坂東玉三郎是日本當今最傑出的歌舞伎大師，除了知名的舞台表演外，它也與世界頂尖藝術家合作，激發出新的藝術火花，其中包括編舞家 Maurice Béjart 、舞蹈家 Mikhail Baryshnikov 及音樂家馬友友。

瑞士籍知名作者導演Daniel Schmid，以拍攝藝術題材電影與執導著名歌劇著稱，作品充滿創意感性想像力與現代主義者知性智識的巧妙互動。他與瑞士著名攝影師 Renato Berta 長期合作多部影片，包括改編自法斯賓達劇本並且參與演出的《天使的陰影》 (Shadow of Angels) 。

1999 年完成的喜劇《貝里希娜或瑞士的末日》 (Beresina, or the Last Days of Switzerland) ，描述上流社會虛偽狡詐的種種惡行，為Schmid贏得更多觀眾的喜愛與一座盧卡諾影展終生貢獻獎。前作《托斯卡之吻》曾於「聲音的痕跡」影展中演出，去年病逝。拍攝本片的十年前，Daniel Schmid曾帶著羅蘭巴特關於日本的著作《符號帝國》到日本旅遊，他發覺巴特的日本是「西方觀點」，他在?東玉三郎的表演中看到人可以同時是自己身體的工具與組織者，人像Paul Bowles所說的一樣：「是被內在所驅逐出來的」，必需去移動自己的位置。

“The Written Face” is an attempt to offer an insight into the Japanese Kabuki star, Tamasaburo Bando. The film consists of four continuous acts: A prelude, the dance of the drunken snake, “Orochi”, from Japan 's oldest myth, is followed by a documentary section, “Tamasaburo Bando and his idols”. It includes encounters with Han Takehara, geisha and dancer, Haruko Sugimura, film actress (Ozu, Naruse, Kurosawa), and Butoh dancer, Kazuo Ohno. The next act, “Twilight Geisha,” is a light-hearted variation on the geisha theme. In the fourth and final section, Tamasaburo dances the Kabuki drama “Sagimusume”, a story of reincarnation and of a girl's transformation on a snowy winter's night.

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《太空人之路》為Sasha Waltz電影的處女作，片名來自東柏林Marzahn區的街名。這些80年代早期的公寓，從外表看來，與一般住宅區的公寓並無不同，也許客廳的中央就只是擺著一張沙發。然而，這種相似性僅止於其外表，每間公寓的大門內，每個家庭都有其精彩的故事。Sasha Waltz的影片詭異地描述一個祖孫三代，同居在一個典型的社區公寓之中的故事。在這個不正常的家庭裡，有一個嚴厲又古怪的祖父，彈著手風琴，走起路來像豆豆先生般地不安分；身材肥矮，整天用吸塵器維持清潔而疲憊不堪的祖母；在戀愛激情點綴下享受婚姻生活的小夫妻；以及一對備受小夫妻倆忽視的兒女…，同情與諷刺並置，亦深情亦殘酷。「空間」在Sasha Waltz的作品當中，一直是非常重要的舞台要素，對她來說甚至是比音樂更為重要。在她多數的創作當中，都先以空間為中心，而更具體說，是建築。也因此，空間或建築影響、也主導了作品的內容。對她而言，相較於可隨時拆建的佈景，建築的原型總是不變，它有更多強烈的本質與素材。

去年曾來台演出其震驚世界的作品《肉體》(Korper)的Sasha Waltz，1993年以第一部作品《旅行家三部曲》（Travalogue Trilogy）在國際舞壇中崛起，之後便帶著作品巡迴歐美，在各大藝術節中演出。與約亨‧桑狄（Jochen Sandig）成立Sasha Waltz & Guests舞團，並於1999年至2005年間，擔任柏林列寧廣場劇院藝術管理總監的工作。

"Allee der Kosmonauten" is the story of a sort of universal familiy, as portrayed in dance by Sasha Waltz & Guests. Entertaining and visually stimulating, this debut film from Berlin choreographer Sasha Waltz, conjures up a surreal dream dance of family life, at once grotesque, kinetic and amusing.

本片改編自Mathilde Monnier於1989年所創作的舞蹈作品。在現代爵士樂手Louis Sclavis逐漸加強的單簧管樂聲中，一群人以懸吊的方式在圖書館中出現，他們以身體的姿勢去感受變化，企圖製造意外，直到混亂局面來到為止，是Monnier第二支獨立完成的舞作。

Motionless figures in a library live balancing on top of a sky. They let go of their positions to experience encounters, cause accidents and try to release tension by wreaking general havoc. A la renverse ('Upside Down') is a reworking of a dance piece created by Mathilde Monnier in 1989.

相關網站：
http://www.sashawaltz.de
http://www.mathildemonnier.com/en

◎1997年東京影展
◎1998年香港國際電影節

1996年年底，日本高知縣縣立美術館請名導演林海象，以影像紀錄舞踏家麿赤兒在其館內的舞踏演出，之後林海象在片中加入了由原田芳雄(Harada Yoshio)所飾演的偵探及一位神秘女子的角色。麿赤兒當時的舞踏演出《Tonari wa nani o suru hlto zo》，是描述由麿赤兒所飾演的僧人，與不同人物相交會的奇遇故事，之中包括高知縣另類畫家繪金(ekin)、江戶幕府末期高知縣的第一武士坂本龍馬(Sakamoto Ryoma)、二次世界大戰統帥麥克阿瑟將軍，以及舞踏先驅也是麿赤兒的師父土方巽(Hijikata Tatsumi)。舞台上的眾多人物，由麿赤兒所成立的大駱駝艦舞踏團舞者扮演。虛構的故事，穿插了真實舞台上舞踏表演的記錄影像，本片呈現了一個魔幻、詭異的世界、充滿神秘的想像空間。

Born to be Baby is produced by the Museum of art, Kochi, in the project to make a film from the original Butoh stage. The original performance, “Tonari wa nani o suru hlto zo” describes a shaman (performed by Maro Akaji) encountering the persons living in a different dimension (performed by the dances of the Butch company Dairakudakan): ekin, a heretical painter in Kochi named Kinzo; Sakamoto Ryoma, a famous revolutionary samurai of Kochi in the last days of the Tokugawa regime; General MacArthur, Commander in Chief of GHO; and Hijikata Tatsumi, a founder of Butch and a master of Maro Akaji. The film also features a detective performed by Harada Yoshio who is guided by a mysterious beauty. A fictional world blend with documentary images condensed from the Butch stage. It is bizarre, underground and mysterious.

相關網站：http://www.tamasaburo.co.jp

◎2000 Adolf Grimme Award 個人成就獎

為了完成這部自傳式的影片，以自己發表於2005年亞維農藝術節的舞台作品《最後風景》為基礎，原籍匈牙利的編舞家Josef Nadj回到自己位於前南斯拉夫Kanizsa附近的出生地，那是他的故鄉與創作的起始點。在這部充滿詩意的影片裡，伴隨著俄國打擊音樂家Vladimir Tarasov的音樂，Nadj來回於自己的靈感來源與作品之間。這位曾分別於默劇大師馬歇馬叟（Marcel Marceau）與艾田德庫（Etienne Decroux）學校學習的編舞家，認為這部影片是一部「面對風景的自畫像」，是一幅正在創作、思考的藝術家的自畫像。《最後風景》描繪了一個同時是肉體的與精神的空間，藝術家的世界與精神的世界在此交匯。

To observe with the whole body and to create a performance out of this experience – this is an ambition of Josef Nadj and musician Vladimir Tarasov. On the stage images replace words while music and dance enter a fascinating dialogue. “The Last Landscape” is a self-portrait of Josef Nadj, inspired by the view he will never forget: a wild, abandoned, loamy field near his native village in ex-Yugoslavia, which used to be a settlement for nomadic tribes ages ago.

相關網站：http://www.dairakudakan.com
http://www.josefnadj.com

在西班牙導演阿莫多瓦(Pedro Almodovar)的影片《悄悄告訴她》開始時，暗紅色的布幕被拉開，我們看到兩個身穿白色連身裙的女子，在一堆木質桌椅間，眼睛微閉，仿佛極度痛苦似地來回踱步，她們不支倒地，爬起，又不支倒地。阿莫多瓦以這段描述身心痛楚的動人舞蹈，揭開《悄悄告訴她》這部關於身心受創與癱瘓，關於述說與傾聽之影片的序曲，而這段舞蹈，就是Pina Bausch的《穆勒咖啡館》。這個舞作由Pina Bausch親自主舞，被視為是她自傳性的代表作品。由於Pina Bausch成長的環境為二次大戰之後，長期待在父親所經營的咖啡店中，舞作呈現了她的觀察與傾聽，在戰後破碎凌亂的德國社會裡，人們是如何求得生存。出生於1940年的Pina Bausch，帶領「烏帕塔舞蹈劇場」(Dance Theatre of Wuppertal)，以綜合舞蹈與劇場元素的「舞蹈劇場」，突破了傳統舞蹈的形式，賦予舞蹈另一種新面貌。在Bausch的作品當中，男女關係間的複雜糾葛，是她最常刻畫的主題。《穆勒咖啡館》是她最私秘、深邃與完整的作品，它讓我們看到藝術無法治療痛苦，它陪伴痛苦。

Dance piece created by Pina Bausch based on her experiences in post-War Germany, featuring Pina Bausch, Malou Airaudou, Dominique Mercy, Jan Minarek, Nazareth Panadero, Jean-Laurent Sasportes and the Dance Theatre of Wuppertal. is considered one of Bausch's most autobiographical works, reflecting her father's cafe, where she spent many hours watching the ways the adults tried to survive in a devastated and dislocated society. This film contains Bausch's last appearance as an actor.

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本片導演Valerie Urrea拍攝知名編舞家Mathilde Monnier與一個26歲自閉的女子Marie-France之間的關係。片中的部分片段，來自在於他們在Montpellier醫院的肢體動作課程中的演出，並由Louis Sclavis編曲。如同院內的醫護人員所陳述的，Monnier與Marie-France之間的關係，是以身體這獨特語言來溝通傳達，早已超乎言語。

Valerie Urrea filmed the relationship between the choreographer Mathilde Monnier and Marie-France, a 26-yearold autistic woman. There are scenes from a performance that both of them put on, and for which Louis Sclavis composed the music, and of the body movement workshops at La Colombiere hospital in Montpellier. The relationship between Mathilde and Marie-France, as expressed by the medical staff, goes beyond speech; it has its own language that is mainly transmitted through the body.

相關網站：
http://www.pina-bausch.de
http://www.mathildemonnier.com/en