★2007 威尼斯影展
★2007 巴塞隆納「視聽類」電影獎

　《在巴哈之前沉默》這部特殊的影片以巴哈音樂為題，省思影像與音樂之間深奧的戲劇關係，即音樂不只是被視為影像的附庸，而是獨立的敘事主體；也檢視古典音樂與現代歐洲興起的關聯。本片配樂以巴哈音樂作品與兩首孟德爾頌的奏鳴曲為素材，建造了一座建築的圓拱，隨著音符的跳躍，場景的轉遞，故事在底下緩緩舒展開來。在巴哈的引領下，帶我們慢慢穿越18、19與21世紀的時光長廊。

　本片以一個奇異的鏡頭開始：偌大空曠的室內空間中，隱隱傳來鋼琴聲，有如一間等待展示的藝廊，鏡頭緩緩推移，謎底揭曉，原來是一架自動鋼琴旁若無人地演奏著巴哈名曲《郭德堡變奏曲》。一部看似非敘事性，難以分類的古怪影片，經過導演Portabella傾注熱情，融合寫實戲劇與紀錄風格，綴以超現實的奇想，譜寫成這部有別於傳統傳記式古典音樂影片的另類巴哈音樂讀本。透過各個時代不同行業與階層的人演奏巴哈樂曲，如巴哈教導兒子彈琴，卡車司機以口風琴吹奏《郭德堡變奏曲》，大鍵琴家演奏賦格曲，扮演巴哈的導遊帶領遊客走訪音樂之都萊比錫，十多把大提琴手佔滿地鐵車廂，合奏《無伴奏大提琴曲》，或是孟德爾頌在廚房意外發現《馬太受難曲》的驚喜…等等帶有詼諧趣味的橋段設計，說明巴哈的音樂直到今日仍深具影響力與啟發性，也讓巴哈這位板著嚴峻面孔的巨匠，多了幾分富於人性的生動色彩。跳躍的琴鍵、繁忙的汽車交通聲、噠噠的馬蹄聲，過去與現代生活繁忙的市井聲音與古典音樂共同交織成美麗的樂章。本片指出歐洲認同上跨文化的現實，跟著旅行者從德國到西班牙，音樂跨越地圖上國界的藩籬，將各自的和諧與旋律融合為一，這也是導演企圖藉此片傳遞的心聲。

　文化評論家薩伊德曾撰文談巴哈的對位法，提到聽眾可察覺其技巧的繁複性，但並非極困難或學院式的艱澀。對位法具絕對權威，對聽眾和演奏者來說，結果是同等奠基於立即可親性與優異技法威力之上的美學式愉悅。欣賞這部片也需要類似的投入與某種臣服，願意在導演精心營造、常出人意表的影像細微之處發掘聲音的奧妙。如同它所讚揚的巴哈音樂，這部影片也是滿載普世的榮光拍攝而成。

　年屆70的Pere Portabella是加泰隆尼亞最具代表性的影像創作者，早期曾製作過各西班牙導演的重要作品，包括索拉的《The Delinquents》以及布紐爾的《Viridiana》。60年代積極反對佛朗哥獨裁政府對加泰隆尼亞民主運動的壓迫，並開始拍片，曾拍攝幾部探討同鄉藝術家米羅作品各個層面的短片，包括《Miró tapís》、《Miró la forja》、《 Miró l'Altre》，兩人並合作完成美學與政治宣言短片《Miró Aidez l'Espagne》。他的作品承襲超現實主義與前衛電影的傳統，突破性的影像語法樹立個人獨特的電影美學，對藝術與攝影陳規引發激烈的衝擊。代表作有另類吸血鬼電影《Vampir-Cuadecuc》、《Umbracle》。2003年龐畢度中心為他舉辦回顧展，並將其首部劇情長片《Nocturno 29》列為典藏。

　Die Stille vor Bach is an approach to music and the trades and subjects that surround it through Bach's works. A look at the profound dramaturgic relationship between image and music where the latter is not merely conceived as subsidiary to the image but as a subject of the narration in its own right. The film springs from a previously defined musical structure. The soundtrack feeds on works by J.S. Bach and two of Felix Mendelssohn's sonatas to create an architectural vault beneath which the story of the film unfolds; a promenade through the XVIIIth, XIXth and XXIth centuries led by the hand of J.S.Bach.

◎相關網站：http://www.pereportabella.com

★2004 英國BFATA 最佳紀錄片
★2004 德國萊比錫影展金鴿獎
★2004 盧卡諾影展影評人週獎
★2005 德國電影獎最佳音效

　蘇格蘭音樂家伊芙琳葛萊妮出身音樂世家，年幼便患有聽覺障礙，在父親的鼓勵與老師特殊的指導下，讓她克服障礙，以優異成績從倫敦皇家音樂學院畢業，成為著名的敲擊樂演奏家，曾獲1998年葛萊美獎室內樂最佳演奏獎和《美國音樂》雜誌2002年評選的年度最佳獨奏家，2009年曾受邀來台參加聽障奧運的演出，今年10月31日也將再度來台參與臺北市立國樂團的演出。

　她精通各項敲擊樂器，卻聽不到人們鼓掌的聲音。不同打擊樂器的震動不同，她對聲音的體驗是透過整個身體的碰觸與所有感官，感受震動的頻率和輕重來辨認每個音階，進行演奏。所以她每次演奏之前，都先將鞋脫下來，感覺樂器的震動。我們習慣區分「聽到聲音」和「感到振動」，物理上來說其實是同一件事。葛萊妮認為音樂家的工作是畫一幅畫，告訴聽眾作曲家試圖描述的場景，她希望聽眾能從她的音樂語言中受到感染。然而葛萊妮的聽力總是成為醒目的標題，被媒體大肆渲染，讓大眾輕忽了她做為音樂家的實力，因此她不希望演出宣傳上提及聽力障礙的字眼，也曾要求經紀公司在網站上說明失聰與聽力的關係。這部紀錄片不只讓觀眾認識葛萊妮這位奇特的音樂家，也讓我們有機會瞭解她是如何感知這個世界的。

　本片導演兼攝影師Thomas Riedelsheimer擅長記錄藝術家，前作有深獲好評的《Rivers And Tides》，詳盡細膩地探索了自然裝置藝術家Andy Goldsworthy帶有迷人催眠特質的作品。這次他將鏡頭轉向葛萊妮這位獨特而創新的音樂家，展現她過人的技藝，如在紐約中央車站拱型圓頂下方敲擊小鼓，引發強烈共鳴效果，讓來往匆忙的乘客都驚訝地停下腳步；在科隆一處空屋與前衛音樂家Fred Frith 即興合奏；在日本與太鼓合奏…等等。此外，導演更著重於捕捉常被輕忽的日常生活聲響，帶觀眾一探聲響領域的奇妙趣味：行李箱在水泥地拖行、拉鍊劃破空氣、冰湖碎裂的聲響、鞋子踢響金屬支架…等等不經意的聲響，透過導演的巧手而豁然開朗，充滿玄妙。美不勝收的意象創造出豐富細節與整體的平衡，宛如一場充滿禪意的饗宴。這部電影，讓我們如新生嬰兒一般首次聽見世界的聲音。

　In RIVERS AND TIDES, German documentarian Thomas Riedelsheimer explored the enchanting and hypnotic "nature" art-installations of Andy Goldsworthy. Now, with TOUCH THE SOUND, he turns his camera on nearly deaf percussionist Evelyn Glennie, who experiences sound as a kind of touching or vibration. Using Glennie's unique musical sensibilities as a jumping-off point, Riedelsheimer introduces the viewer to an amazing sonic realm that we all know but rarely appreciate--a world of tapping, sputtering, clanging, rustling rhythms. The drone of a suitcase's wheels on concrete interrupted by the periodic zing of a zipper, the crackling of an icy pond, the echoic clang of metal scaffolding struck by Glennie's shoe--these sounds become, in Riedelsheimer's skilled hands, moments of revelation. Watching this film, viewers will feel like they are hearing the world for the first time.

◎相關網站：http://www.evelyn.co.uk

　2007年夏天，舞蹈家許芳宜成為第一位受邀至紐約Baryshnikov藝術中心駐村的亞洲藝術家。「37 Arts」藝術中心是紐約37街上的世界著名建物，是他們排練的家，也是他們呈現的作品。在駐村期間，她邀請了知名編舞家布拉瑞揚和台灣藝術家共同創作出舞作【37ARTS】，為了讓世界看見台灣的表演藝術，他們在這段時間裡經歷了欣喜、挫折、摩擦和不斷發生的狀況。

　影片記錄了一群為了站上舞台，不惜犧牲一切而努力的舞者們。巨大的壓力讓他們互相的扶持也相互的折磨，他們像小孩般的高興雀躍，如在天堂般地跳舞；也像是刑場的犯人，在牢籠裡掙脫不出的靈魂。【37ARTS】舞者紀事，所有開心的、難過的，都在這裡發生。

　導演曾筱竹，世新大學廣播電視電影學系電影組畢業，現為獨立影像工作者。

　導演作品有：紀錄片《看見這兒是香格里拉》；攝影作品：紀錄片《薛西佛斯之福爾摩莎》、16mm動畫《Wind Up》等。工作經歷涉及影視圈導演組、製片組、攝影組等職位。另一位導演李建常，國立藝術學院戲劇系畢業，主修導演。劇場新生代中備受矚目之專業劇場工作者。2000年與【表演工作坊】合作成立子團【外表坊時驗團】，並擔任團長至今。導演作品包括：《暗殺Q1...GO》、《風景三》、《即興一場愛情》及《婚姻場景》等，也從事舞台燈光設計。

　Summer 2007, dancer Fang-Yi Sheu became the first Asian artist participating in the residency program at Baryshnikov Arts Center in New York. “37 Arts” is the name of the center's building on 37th Street and where she rehearsed and presented her work. During the two-month residency, “37 Arts” was their haven where she enjoyed her dance but also a cage that confined her soul.

　Fang-Yi, stripping off her glamour of fame, narrates the story from her heart, with her body. Following her footsteps, a newly founded dance company and a few young dancers made their way to the stage and applause in hometown Taiwan.

　這部影片記錄了包括舞者Sylvie Guillem、劇場與電影導演Robert Lepage以及現代舞編舞家Russell Maliphant等當今最具創造力的三位藝術家，共同創作一齣新舞作《Eonnagata》的過程。從2007年一月開始到兩年後《Eonnagata》首演期間，導演密切跟隨Sylvie Guillem拍攝練舞與排演的細節。

　《Eonnagata》取材自法國傳奇人物「德翁騎士」的故事，他曖昧的性別認同引起Robert Lepage對雌雄同體可能性的興趣，他嘗試結合陽剛與陰柔，以日本歌舞伎的男扮女裝表演、科幻光影與中國武術場面，打造出一齣融合東方式華麗風格、現代舞語彙與科技感的史詩鉅作。本片捕捉了兩位舞者與導演Lepage溝通想法、實地演練、反覆修正錯誤，從模糊的概念雛形摸索到逐漸純熟、彼此契合，到舞作劇情的具體落實，再到已故英國名設計師Alexander McQueen設計的戲服試穿…等等不為人知的非常細節，我們有幸看到一齣偉大的舞蹈劇場是何等的才華與辛勤血汗的結晶。今年八月將帶著九小時鉅作《眾聲喧嘩》(Lipsynch) 來台演出的Lepage，在本片披露了他對《Eonnagata》的創意發想與導戲過程，對戲劇愛好者可說是極為難得的良機。

　十幾歲就出道，Guillem以擔綱芭蕾舞劇《天鵝湖》與《吉賽兒》的主角而名揚舞壇，被譽為當今最棒的芭蕾女舞伶。但她不將自己的才華侷限於此，汲汲於學習，吸納現代舞、戲劇甚至歌唱…等新的表演元素，二十年來不曾間斷地將自己的舞臺生涯擴展到更開闊、多元的境地。她無比堅毅、好學與開創自我的精神是優異的舞蹈技巧之外最讓人敬佩的一面。

　影片中除了收錄Guillem演出《羅密歐與茱麗葉》、《睡美人》等傳統芭蕾舞碼以及向已逝編舞家Maurice Béjart致敬的《波麗露》片段，還穿插了她與Russell Maliphant的雙人舞《Push》，以及她與印裔英籍舞者阿喀朗汗合跳由林懷民為兩人編排的舞作《聖獸舞姬》等精彩片段。Guillem曾說過，她對於自己不斷前進，卻不知道終點在何處感到恐慌。透過這部紀錄片，我們看到藝術家如何憑藉強大的自制與意志力克服恐懼，不斷挑戰自我，除了欽佩，也更加珍惜這些歷經煎熬才得以成就的藝術創作精華。

　This film documents the creation process of a new dance work by three of the world's foremost creative minds: Sylvie Guillem, perhaps our most important living dancer; Robert Lepage, world-renowned theatre-maker, director; and Russell Maliphant, award-winning choreographer, dancer. Filming started in January 2007 and ended in February 2009 with the world premiere of their collaborative work Eonnagata at Sadler's Wells.

◎相關網站：http://www.sylvieguillem.com

　這部影片最初展出於法國《Panorama 6》的藝術展中，是一部介於舞蹈與錄影藝術的作品。它探究了關於身體的各個層面，從舞者皮膚的表層到搖搖晃晃的身體形態，最後溶進白色的沙漠中。影片捨棄表達意義的姿勢，轉而尋求神秘力量較為細微的律動。在沒有敘事的狀況下，影片在兩個空間中形成張力，一方面浸染於微光中，掩護著身體的私密性；另一方面則過度曝露於外，彷彿就要溶化一般。舞者們在這裡，臉部宛若發生意外般地包裹著，痛苦地微微抬起，隨即又昏睡過去。裸露的背部與上半身似乎承載著一股輕微抖動的力量。這些身體以重疊或鏡像反射的方式而存在，甚至無限衍生。個體性開始瓦解，直到性別混淆，他們成為材質，成為純粹的空間。藍色與紅色的光線撫摸著他們，並在其中發現了海洋景色與火山口，那是一望無際具有敏銳感觸的肌理。Emmanuel Vantillard 提醒我們，這個身體的曖昧性，他同時是主體和客體。他是活著的元素，也是大自然不可或缺的一部份。他直達語言，但，本身卻是沉默的。

　Le Corps Silencieux was first presented at the Panorama 6 exhibition in Fresnoy, France in 2005. This short film, somewhere between dance and experimental video, explores certain states of the body. From the surface of the skin to the quivering silhouettes of dancers fusing into a white desert, the film departs from expressive movement to give the tiniest motions a mysterious density.

　 Without the aid of narrative, the film establishes a tension between two spaces : one, plunged in darkness, bearing the body intimate; the other, overexposed and dissipating. In one, the dancers, their faces bandaged like casualties, struggle to stand and wallow in lethargy. In the other, bare backs and torsos seem charged with a trembling intensity. Fragmented, dismembered, these bodies melt and divide in superimposed and mirror images. Stripped of their individuality and even their gender, they return to matter, pure expanse. The blue and red lights that bathe them find ocean landscapes and volcanic craters, a sentient texture stretching far and wide. Emmanuel Vantillard bares the ambiguity of this body, both subject and object, living element and integral part of a nature in which it attains language and yet, like nature, is silent.

　日本舞者及編舞家勅使川原三郎（Saburo Teshigawara）是當今舞蹈界最具代表性的東方編舞家之一，獨樹一幟的舞蹈風格與劇場美學在國際舞壇掀起強力旋風，征服東西觀眾無數，美學及視野均具一定高度，被認為是舞壇的明日大師。90年代末起，其舞作在歐陸大放異彩，曾應當代舞界巨擘季利安（Jiri Kylian）之邀為荷蘭國家芭蕾舞團一團（NDT I）編舞，亦曾接受巴黎歌劇院芭蕾舞團邀攬成為該團的首位客座亞洲編舞家，成就非凡，可謂日本新世代舞蹈團體中的佼佼者。近十年來頻仍受邀於台北演出，每每造成巨大震撼，極致的詩意視覺美感常令人讚嘆不已。來台演出作品包括《絕對零度》（Absolute Zero）、《電光石火》（Luminous）、《人體書頁》（Bones in Pages）等。

　勅使川原於1953年生於東京，10歲的某一天頓悟自身的存在性，並開啟自我身體與外界的關係的自覺探索。攻讀造形藝術，但對自我肢體開發亦有高度興趣，曾接受古典芭蕾訓練，但嚮往更自由的舞蹈形式。1985年與創作伙伴宮田佳（Kei Miyata）攜手創立渡烏舞團（KARAS），企圖「找尋一種新式的美感」。拜造形藝術學習背景之賜，勅使川原的舞台視覺性極強，令人宛若置身美術館空間觀舞，舞者經常穿梭於奇特的裝置藝術之間。舞作高度整合舞蹈、音樂、美術等元素，帶有濃厚的總體藝術成分，揭示某種日本當代的舞蹈美學趨勢，此類劇場美學的追隨者尚有另一傑出的日本表演團體「蠢貨舞團」（Dump Type）。

　本片記錄勅使川原的排練、演出與教學的片刻，並深入探究勅使川原的生命觀與舞蹈哲學。勅使川原對身體的運用迥異於傳統西方思維，他強調一種內觀的身體，注重肢體的回歸與解放，舞蹈動作邏輯來自虛實相生的概念，某些時刻乍看之下宛若某種極具現代感的抽象太極拳舞。他探索身體在不同時刻與外界接觸的細微互動與該身體形貌流變的內在意涵，意欲表達一種超越寫實層次的內觀身體思維，亦即以肢體探索生命之存在狀態。身體無時無刻接觸著的地面、空氣是他最好的探究對象。常常雙腳貼地，以細微的身體關節流動，與時緩時疾的手足移動來表現內部不同時刻的存在狀態，即其所說過的：「與空間對話，與空氣共舞」。於是，勅使川原舞台作品的藝術力量不再只停歇於美不勝收的視覺表面，穿透它便觸及更具誘惑力的深層哲學思辯。

　An accurate and brilliant approximation to the mental and creative universe of Japanese choreographer Saburo Teshigawara, who immerses us in the images of his suggestive choreographies and brings us closer to his conception of the dance as a human event.

◎相關網站：http://www.st-karas.com

★2009法國坎城「一種注視」特別獎
★2009 巴西聖保羅影展影評人獎
★2010 美國邁阿密影展最佳影片特別提及獎

　一對獨立地下搖滾樂團裡的男女出獄後，希望取得護照和簽證去倫敦演出搖滾樂。然而，電影從救護車上的主角開始，再跳入音樂製作人夫婦在錄音間的對白，導演巴曼‧戈巴弟一語幽默嘲諷地帶進本片創作主旨及伊朗當局對音樂政策的處境。伊朗禁唱歌曲內含有反伊斯蘭教精神，或歌詞有鼓勵不道德的行為，觸犯的後果就是牢獄之災。音樂不自由，也象徵青春被壓迫，這種由音樂（娛樂）的受限，而到自由創造（生命）的受限，成為了編導關注的焦點。伊朗禁止西方音樂入侵，搖滾樂當然也是違禁音樂。

　片中不時竄出幽默感，男女主角與黑幫辦簽證的場景跟尋求志同道合的青年搖滾音樂家們的過程，皆帶著一絲荒謬但又「真實」的喜感。影片一開始粗糙的真實感，拍出充滿青年活力的獨立搖滾樂和德黑蘭文化。但隨著影片音樂流動，慢慢轉至一種感嘆，而且是從音樂中流洩出來的青春感嘆，劇情跟對白都被刻意打散，以一種看似隨性的青年生活感，隨性但漫無目的的方式記錄這段表演之旅，猶如MTV一般的俯拾當下風情，最終呈現一股滯鬱的青春無力感，因壓迫、反抗而需搶救的處境。

　本片也是革命電影之一，拍攝時間並未取得合法拍攝許可，於是隱瞞其「禁樂」 內容偷偷拍攝，導演在拍攝期間被逮補兩次，本片編劇（同時也是新聞記者）兼導演女友Roxana Saberi，也在被控間諜罪而後釋放。而09年坎城影展上的獲獎，對這部音樂電影嘗試挑戰伊朗政治的勇氣，仍有相當宣示性的支持意味。

　庫德裔伊朗導演巴曼‧戈巴弟曾以《醉馬時刻》拿過坎城金攝影機獎，繼《烏龜也會飛》講述著兒童與地雷危機後，《半月交響曲》與本片開始由音樂切入德黑蘭政治對人民的限制，並開始為自由發聲，看似主軸不同，卻都是在談他最愛的「界限」問題，伊朗政治制訂的不合理法律，都是一種平面上看不到，無形地雷式壓迫，唯有以地下化的形式才得以生存，不被扼殺。原片名更利用產於伊朗的波斯貓，一語雙關的隱指本土青年及伊拉克戰爭的「波斯貓」戰機。

　Recently released from prison, two young musicians - a man and a woman - decide to form a band. Together they trawl the underworld of contemporary Tehran searching for other players. Forbidden by the authorities to play in Iran, they plan to escape from their clandestine existence, and dream of performing in Europe. But with no money and no passports, it won't be easy...

★2010年日舞影展
★2010年鹿特丹影展
★2010年邁阿密影展「劃時代」獎

　Pepperminta 是個充滿想像的無政府主義者，她住在未來主義的彩虹小屋，過著我行我素的生活。色彩是她的好友，草莓是她的寵物，蝸牛和蚯蚓是趕走恐懼的良方。她希望所有的人都能透過她喜愛的顏色來看世界，於是結同路上相識的兩位朋友一同完成熱情的使命。改革之路困難重重，她先試著解放呆板的學生、教育迂腐的教授，後來連餐廳大廚都被收編，準備來場轟轟烈烈的烹飪大革命！不甘示弱的壞人加以反擊，革命小隊如何解危？以彩色顏料當武器四處轟炸，歌聲與笑容做柔化劑，Pepperminta一行人將現實世界搞得天翻地覆，同時在花朵綻放的伊甸園夢境享受人類被驅逐前的純真與自由。這部充滿驚人色彩魔力的奇幻電影，瘋狂怪誕度勝過《艾蜜莉的異想世界》一百倍，迷幻度超過《黃色潛水艇》一千倍，絕對強烈衝擊我們已然僵化的腦波！

　Pipilotti Rist是瑞士最著名而重要的女性多媒體錄像藝術家，作品廣受各地美術館與藝廊邀請展出，2008年在紐約現代美術館的特展更吸引上百萬人次的參觀。她的藝術既創新又深具啟發性，看似古怪叛逆實則希望引導觀眾的正向能量，激發感官知覺的敏銳度。本片是Pipilotti Rist第一部劇情長片，她說如果她以錄像作品寫詩，那《奇幻薄荷糖》這部電影就是她的第一則故事。本片不僅是一部成長小說，在結合停格動畫、MV式快剪、魚眼鏡頭變形效果、濾鏡套色…等五彩繽紛的視覺糖衣包裝下，Pipilotti Rist無比犀利地痛批僵化的現代社會無趣之至－槁木死灰的弊病。透過Pepperminta 領軍的小隊，以讓人目不暇給的色彩發動革命。其老式軍服裝備與瘋狂行徑與1967年披頭四的革命性專輯《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club》如出一轍，是對充滿愛與和平的60年代的致意，更有延續其精神的企圖。只是本片以色彩的魔力取代LSD迷幻藥物，同樣達到解放心靈與身體感官的目的。

　Pipilotti Rist認為「天真無邪」是本片的重要特質，Pepperminta是瑞典作家Astrid Lindgren所創造的經典童書《長襪子皮皮》（Pippi Longstocking）主角Pipi的化身，（其實導演的藝名就來自同樣典故），是個個性開朗獨立，具冒險犯難精神的小女孩，長大後成為散發正向能量和想像力的搗亂份子。比如，她將文化中普遍視為不潔的經血轉成創造的能量，甚至以盛大的派對加以讚頌，相信對東西方觀眾都會是一大衝擊。將Pepperminta的充沛活力與古靈精怪發揮極致的波蘭裔編舞家與表演藝術家Ewelina Guzik，畢業自編舞家Anne Teresa de Keersmaeker主持的布魯塞爾舞蹈學校，具有靈巧的肢體與強烈爆發力，曾擔任Pipilotti Rist多部錄像裝置的表演。

　Pepperminta is an anarchist of the imagination. She lives in a futuristic rainbow villa and according to her own rules. Colors are the young woman's best friends and strawberries are her pets. She knows the most amazing remedies to free people of their fears. Pepperminta's wish is for everyone to see the world in her favorite colors. She and other friends of different kind set out to fight for a more humane world. Wherever the gang appears, everything is turned upside down and people's lives are transformed in the most miraculous and wondrous of ways.

◎相關網站：http://www.pipilottirist.net

　這部難得的影片記錄了世上最負盛名的西塔琴巨匠Ravi Shankar協同子弟和女兒Anoushka最近的一場歐洲演奏會。自1956年開始，拉維香卡的音樂在西方廣受歡迎，他也成為首位印度音樂的大使。他對西塔琴樂器本身做調整，讓音色與演出技法有所不同，常與西方古典音樂、現代樂作曲家（如Philip Glass）合作，或是參與搖滾音樂節（如Woodstock）的演出，是印度音樂的重要改革者。不同於西方音樂，印度音樂是在日常生活的同伴關係中以口頭方式傳遞。他最近一次到巴黎演出，決定在普雷葉音樂廳（Salle Pleyel）對大眾進行一場史無前例的印度音樂講課。片中透過一位音樂理論家的適時說明，幫助這場迷人的大師課更加平易近人。這場歐洲的演出Ravi Shankar樂團的配置是：Ravi 與Anoushka的兩把西塔琴，加上tabla印度鼓，撥絃樂器tanpura琴，有時加上橫笛或嗩吶，這些年輕傑出樂手在大師指揮下將Ragas敘事詩豐沛的情感做最精湛動人的演譯。

　影片也跟隨Ravi師徒來到印度德里的Ravi Shankar音樂中心，拍攝他平日的工作與音樂節的演出內容。音樂中心的角色包括保存Shankar的音樂作品，教授印度傳統音樂舞蹈，以及引導民眾接觸包括爵士樂在內的其他音樂類型，讓東西方多元文化在此激盪與對話。年邁的Ravi侃侃而談他對音樂與性靈等充滿智慧的看法，發人深省。片中另一位重要人物是Anoushka Shankar這位輪流在印度與美國兩地生活的年輕印度女性，不僅是大師的音樂傳人，也認同其父的信念：尊重古典印度音樂，同時開啟新視野。她從小跟隨父親走訪世界各地，一路親炙大師超凡的技藝，耳濡目染父親敦厚開明的藝術家精神，後來也成為出色的西塔琴演奏家，除了演出印度古典音樂Raga，她也嚐試與電子樂、鋼琴與大提琴等西洋樂器的結合演出，深受好評，2003年曾獲葛萊美獎提名，2008 年受邀來台演出。片中最讓樂迷感動的應該是Shankar父女二重奏的對彈，兩人深厚的默契與情誼在悠揚樂聲中緩緩流淌。

　This rare documentary revisits the life and the art of Ravi Shankar, the most famous Indian sitar virtuoso and first ambassador of Indian music. From 1956 he popularized Indian music in the Western world. The film shows Ravi transmitting his art to his daughter Anoushka. He gave his last European concert in Paris, at the Salle Pleyel, and the only public lesson on his art he ever held, a moment of great emotion. This documentary which mixes scenes of musical performances, teaching and sound recording, is a sort of farewell by and to the artist.

◎相關網站：http://www.ravishankar.org

　在美國中生代的編舞家當中，威廉‧佛賽（William Forsythe）是其中最被讚賞的藝術家。因為他長期擔任德國法蘭克福舞團的總監；舞作又採取同時貼近並解構古典芭蕾的雙向策略；並於作品中隱含戲劇性；兼具歐、美現代舞蹈的特質，使他向來有「最歐洲的美國編舞家」的美譽。喜歡在嚴密的架構下讓舞者進行即興，結合現代造型藝術、視覺藝術、建築與互動藝術等元素，以lap dance的激烈肢體語言，尋求舞者身體的極限。所以看完佛賽的每一個作品，總讓觀眾有視聽覺與身體所有神經緊繃後放鬆的舒暢與淋漓盡致的感受。是後現代舞蹈的代表人物。這部影片由比利時作曲家兼導演Thierry De Mey與法國龐畢度中心合作，以一種名為「時間之線」的電腦軟體，去重新編碼，並分析佛賽的代表作《重製一道平面》，依此原則導演精確地補捉到舞蹈形式的美、姿勢的強度與舞者彼此間的觀點，是一部令人屏息的傑作。Thierry De Mey 也從事多媒體創作，他與比利時名編舞家Anne Teresa de Keersmaeker合作的《俯拍》(Top Shot)，目前正在北美館的《形、音、異》（Mobility、Sound and Form）專題中展出。

　The rhythm and discipline at work in the hands of director and musician Thierry De Mey brilliantly transpose onto celluloid William Forsythe's eponymous creation signed in 2000. In a huge warehouse, 17 dancers propel themselves on, under and around 20 metal chairs. To Thom Willems’ strident music, the stage takes in this eruption like a canvass oscillating between order and chaos.

　The skilfully orchestrated disorder of One Flat Thing, Reproduced stages the power of movement and its constant invention. A concentrate of pure dance : a scansion of symmetry, fractures and broken angles steer, transform and propel the dancers on the floor and through the space. This implacable compilation of movements multiplied by the number of performers into as many forms and figures verges on the exhilarating. The careful editing tightly crops the choreographic waves, which sometimes seem to spill out over the frame or just about stay in place vibrant, as if caught in their own surface tension. The use of the 20 tables, alternately surface, volume, architecture and accident, shows no more than the skeleton of a matrix, a figure of the post-modern world painted in the explosion of a new era.

◎相關網站：http://www.theforsythecompany.com

　梵谷是一位受到詛咒的畫家嗎？這位一生充滿悲劇色彩的後印象派畫家，短短37年的生命中，洋溢的才華並未為他帶來名利與幸福，反而是貧困、病痛、屈辱、孤寂，更因精神錯亂而割下耳朵，被送進精神病院治療。他作為畫家的八年之內，創作了超過二千幅畫，而最著名的作品多半是在他生前最後二年創作的。

　從1890 年5月20日來到巴黎近郊的小鎮奧維(Auvers-sur-Oise)，到7月29日他自殺身亡期間的短短九個星期，梵谷完成超過80件油畫、58件素描以及他唯一的蝕刻版畫作品。奧維鎮將梵谷停留期間每幅畫中的景致與建築完整保留，讓後世得以重溯畫家的創作靈感來源。本片導演也是知名的攝影師與多媒體藝術家Peter Knapp，以最新穎的HD數位攝影技術，精彩地捕捉梵谷生前眼中見到的純樸小鎮風土與懾人的麥田景致。

　受到摯愛的弟弟西奧的經濟支柱，梵谷得以在奧維租下畫室、買畫具和顏料。奧維如畫的鄉間景致激發梵谷豐沛的創作欲望。他停止酗酒，晚上九點就寢，早晨五點起床，其餘時間都拼命作畫，彷彿預知噩運將至，而將近乎憤怒地掏挖自己僅存的生命。小鎮人物與風景都成為他筆下的題材：女子、孩童、照顧他的摯友嘉賽醫生的肖像，以及麥田、花園、教堂與鎮公所…。著名的「麥田群鴉」畫作也於這期間完成，反映出他對於西奧的歉疚與無能為力的強烈悲哀。梵谷在給西奧的最後一封信裡提道：「我為了作品賭上生命，理智近乎崩潰」，彷彿預言了他人生悲劇性的結束。

　梵谷對自然景物繽紛色彩的細微觀察，對日常人物濃烈的愛意，自己內心的糾結，都化入他筆下由線條與顏料的漩渦構成的瑰麗影像之中。本片以梵谷與西奧的通信為敘事的引子，一步步追溯梵谷在奧維的生活。導演細膩的鏡頭一幅幅檢視梵谷在奧維的畫作，對比今日的小鎮實景，畫家當年以全新眼光所捕捉的美景彷彿在我們眼前豁然開展。導演並難得地獲准進入阿姆斯特丹梵谷美術館採訪，拍攝梵谷當時速寫的筆記以及書信等寶貴資料，讓我們得以進一步想像他生前的創作歷程與心情狀態。身為全世界最受喜愛的畫家，迄今走訪奧維小鎮緬懷梵谷最後旅程的人們依然絡繹不絕。

　From his arrival at Auvers-sur-Oise, May 20, 1890, until his death on July 29 the same year, Van Gogh painted more than 80 paintings. Shot in HD, renowned photographer and multimedia artist, Peter Knapp, also director of the film, captures the stunning works of Van Gogh performed over a short period before his tragic death.

　年輕的巴西編舞家Bruno Beltrão近年來相當受到矚目，出身嘻哈街舞的他，16歲就組成自己的舞團Grupo de Rua。21歲時以首次編作的雙人舞《From Popping to Pop》在里約熱內盧打響名號，從此闖進現代舞的殿堂，並常與舞團在世界各地巡演新作。他具有獨特的個人視野，編舞風格十分特別，將默劇表演、手語、嘻哈街舞、現代舞等多元語彙置入概念劇場的文本中，形成抽象的舞蹈風景，也讓舞評家耳目一新。

　與優雅的肢體相反，他的編舞更接近由一連串斷裂、分解動作的組成，甚至有如受操控的木偶或機器人特有的僵硬、笨拙的驚險。每一吋肌肉都強烈地表達舞者的意志，試圖控制身體卻又無法全然控制而衍生的拉扯張力。出身中產家庭的Bruno Beltrão，自小在充斥美式嘻哈MV與街舞的郊區成長，深受流行文化的感染，但真正讓他感興趣的不是複製嘻哈風格，而是將嘻哈的技巧與敘事手法加以「變形」，呈現新的風貌，從他的近作《H2》和《H3》可看到他的企圖心。

　Beltrão自幼就想拍電影，對攝影和3D電腦繪圖非常感興趣，本片就是由他共同執導，改編自他的舞作《Me and My choreographer in 63》。他不像常見的舞蹈紀錄片以流暢的攝影強化舞者肢體之美，而是以碎裂的照片加以拼貼，抽格影像、曠時攝影，或複製舞者身體成多個分身再加以反轉、並列、錯置…等繁複的數位後製操控。並將舞者Augusto Hermanson旁白敘述的生活點滴與回憶巧妙地串連，讓充滿緊繃張力與動感的陽剛肢體與柔軟的內心情感對話，編寫出一幅真實與虛幻交織的奇異漫遊風景。本片另一位導演Philippe Barcinski的劇情長片《絕非偶然》（Not by Chance）曾於 2009金馬影展中放映。

　Bruno Beltrão is a young Brazilian artist named a wonder choreographer by critics, in his works he skilfully plays with audience's expectations. He tries to redirect street dance into the artistic language. Since childhood, he wanted to direct movies and was fascinated by the development of film technologies, 3D manipulations and all the facets of the medial estrangement of reality. But dance was never enough for him. He used it, combined with other techniques, to touch determining levers of social reality. He approaches his choreographies to philosophic approaches of reality. ‘Divagations dans une chambre d'hotel’is the film adaptation of internationally acclaimed stage performance ‘Me and my choreographer in 63’.

◎相關網站：http://www.grupoderua.com

★2009法國坎城「一種注視」特別獎
★2009 巴西聖保羅影展影評人獎
★2010 美國邁阿密影展最佳影片特別提及獎

　Bill Viola 被喻為「錄像時代的林布蘭」，也是最能引發共鳴的錄像詩人，自1972起，他創作出超過125件受藝評家讚譽的錄像裝置、聲音環境、單頻錄像、電子音樂表演以及電視廣播作品，各美術館都陸續為他舉辦個展或大型回顧展。他不斷挑戰科技的限度，同時深受傳統藝術與東西方藝術、宗教與神祕主義的啟發。他的作品著重於人類共通經驗，附有強烈的感染力，取材自私密的個人情感，卻能取得普世的共鳴。

　這部紀錄片以獨家觀點披露藝術家的私人世界，Bill Viola以讓人印象深刻的坦誠與熱情談論自己的作品、生活與藝術的影響…等從最初推動他成為錄像藝術先驅的動力。包括孩童時溺水的經驗啟發了歌劇《崔斯坦與伊索德》計劃的某些意象；他在紐約Syracuse大學就讀時積極參與的藝術探索與政治活動；以及母親的辭世。Viola將母親臨終與過世的時刻拍攝成黑白錄像，同一年，他的兒子出生，他將母親過世與兒子出生的影像放入錄像作品《The Passing》中，以記錄藝術家生命中最重要的兩個事件。重要的轉捩點在 1983年的作品《Room for St. John of the Cross》，Viola認為個人面對外在逆境的態度，最終是個人唯一能掌控的事物。從這件作品開始，他從社會完善的哲學轉向自我完善。

　在Viola的允許下，導演Mark Kidel以超過兩年半的時間拍攝Viola，跟隨他到具有特殊個人意義的場所：在貧瘠的加州沙漠，他沉思原始自然景觀對個人精神狀態的影響；在義大利重要藝術遺產聖方濟教堂，他熱情地談到宗教濕壁畫與文藝復興之美。Viola 從傳統美術作品尋找靈感，他希望走進作品之中，變成其中人物精神與靈魂的維度，而不是可見的形式。

　影片中包含了許多Viola重要作品精選，以及Viola自己收藏的少見錄像片段。影片還捕捉到Viola新作《The Passion》系列中《Emergence》的拍攝過程，一睹他嚴謹的工作態度，如何製造出死亡的年輕男子從水池復活的神蹟。加上對他的幾段深度訪談，包括與勇於創新的《崔斯坦與伊索德》導演Peter Sellars的座談，提供瞭解這位藝術家作品以及靈感來源的獨特觀點。這是目前關於Bill Viola這位錄像大師唯一一部，也是最具權威的紀錄影片。

　In this exclusive look at the artist's private world, Bill Viola talks with remarkable honesty. Director Mark Kidel followed Bill Viola for over two-and-a-half years and accompanied him to places of particular personal significance: the Californian desert and the Basilica di San Francesco in Assisi. The film, which includes carefully chosen extracts from many of Viola's essential works, offers a unique perspective on the artist's work and his sources of inspiration.

◎相關網站：http://www.billviola.com

★22010年坎城影展觀摩影片

　一張偉大專輯製作的過程，一場搖滾樂靈魂的探索之旅。

　最初在1972年發行的滾石樂團經典鉅作《Exile On Main Street》，將於今年重新推出特別版，為了紀念這張專輯特殊的誕生，滾石籌拍一部紀錄片，主唱Mick Jagger很欣賞導演Stephen Kijak深受好評的前作，關於cult歌手與實驗樂人Scott Walker的紀錄片《萬世歌王》（2008金馬影展放映），主動邀請他來執導這部影片。

　1971年夏天，The Rolling Stones為了逃稅而離開英國，來到吉他手Keith Richards在南法租下的豪宅Villa Nellcôte，在沒有媒體或樂迷打擾的情況下過起烏托邦式的放逐生活。在溫暖宜人的蔚藍海岸，樂團遁逃到與英國保守氣氛極端相反的自在隨性氛圍中。派對、酒精和大麻讓團員和來往的眾多親友享受了美好的時光，那種瀰漫的慵懶氣氛也直接影響了專輯的風格。他們將地下室改成錄音室，歌詞隨性，主唱在招牌的高昂唱腔之外多了幾分自在隨性，Keith Richards 與 Mick Taylor兩把吉他更是如瀑布水聲淙淙般揮灑，揚起濃烈的迷霧。在這種有別於以往專輯錄製的自由創作環境下，製作人Jimmy Miller帶著好不容易錄製成的磁帶到洛杉磯完成後期製作，成就了搖滾史上最偉大的作品之一。滾石匯集了美國音樂的多元類型：藍調、鄉村、靈魂、福音、搖滾…等，再從中萃煉出自己的獨特語彙與風格，結果是一部他人與自己都難以超越的里程碑式經典作。

　這是他們第一次在英國之外創作，專輯名稱自然地反映了樂團當時出走的心情。專輯封面選用紀實攝影師Robert Frank經典攝影集《The Americans》與其他系列的照片，以拼貼和塗鴉方式構成。Robert Frank跟隨滾石巡迴所拍攝的地下經典紀錄片《Cocksucker's Blues》，因為赤裸裸地拍攝到樂團在後台嗑藥、放任的性愛等醜聞而被樂團禁止放映，官司訴訟的結果是，這部搖滾樂團荒誕寫實紀錄一年只被允許做一次公開放映。幸好本片中收錄了《Cocksucker's Blues》的精采片段（但仍未包括前述青少年不宜的畫面）。許多故事發生在這段滾石自我放逐的期間，包括Mick Jagger的婚禮與女兒的出生。影片最後仍不能避諱地帶到樂團引人爭議的毒品問題。當時Keith Richards深陷海洛英毒癮，狀況極不穩定，自然影響錄音的進度，還遭到警方搜索而因持有毒品被捕。

　導演彙整了大量珍貴的歷史影片與攝影師當時拍的照片，配上滾石團員的記憶回溯，穿插樂壇與影壇名人的訪談，透過出色的剪接與嚴謹的敘事，完成了一部毫不浮誇、諂媚，堪與音樂專輯匹配的精彩紀錄。

　In the spring of 1971 the Rolling Stones reluctantly departed the UK to take up residence in France. Keith Richards settled at a villa called Nellcôte in Villefranche-sur-Mer and this became the venue for the recording of much of the band's masterpiece 'Exile On Main Street'. 'Stones In Exile' tells the story in the band's own words and through extensive archive footage of their time away from England and the creation of this extraordinary double album, which many regard as the Rolling Stones' finest achievement.

◎相關網站：http://www.rollingstones.com