我親愛的主體
My Dear Subject
(Mon cher sujet)
安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1988︱Color︱French︱35mm︱96 min

●台北 2/8(二)20:20︱ 12/14(一)14:40︱ 12/18(五)11:00
    12/19(六)11:00
●高雄 1/8(五)19:00


劇情簡介                         回影片頁面

★1988 坎城影展青年導演獎


這部米耶維勒的首部劇情長片在坎城播映後極受好評,影評人終於對這位高達的親密工作夥伴給予正面的肯定與期望。連同之後的作品,米耶維勒常被認為是女性主義的電影工作者,主要源自她關切的女性的自我認同,以及與家庭、社會的關係,加上她深厚的文學、藝術背景所提供的養分,為米耶維勒和她的電影建立起溫和、細膩卻不失堅毅的文人形象,與高達咄咄逼人的左翼知識份子形象相當不同。 現實中,多數的男性要求女性分享一切,自己卻不願分享,米耶維勒嘗試在這樣的現實中尋找其他可能性。如同三代女性彼此交纏的畫像,這部電影檢視一再循環的孤獨與溝通困難的人生課題。米耶維勒鏡頭下的女性唯一確認的事就是:沒甚麼事是確定的。希望別人聽到你的聲音,你必須大聲說話,按部就位。透過自然柔和的光線、公寓的裝潢、城市和鄉村街道,以及片中演員們讓人難忘的赤裸的臉孔,米耶維勒找到她的夢想。整部電影由大量細膩的女子臉部特寫構成,浸潤在林布蘭式描繪女性畫作的神祕、聖潔與溫柔光線下。米耶維勒也開始將古典音樂帶入影片中,年輕女高音演唱的歌曲不僅是興趣和工作,也象徵她面對懷孕與婚姻躊躇不安的心情。片尾,她決定獨力生下孩子,新生小男孩的加入為這三代女子的關係帶來變化與希望,一起照顧嬰兒、揉麵糰、聽黑鳥唱歌,是各自煩惱的人生困境中悄悄滲入的溫柔時光。 為了成為真正的主體必須付出代價,這樣的覺醒看似可怕卻又再自然不過。米耶維勒描述這段追尋過程:「從出生到死亡,每個主體保持完整。三個世代,三位女性,女兒,母親,祖母。每個人的從前和以後,此刻和永遠都是。男性亦然!他們所遇見、所愛的,都是完整的主體。」 Miéville's first feature film, My Dear Subject was included in the prestigious Critic's Week at Cannes in 1988. Entwining portraits of three women across three generations, the film examines recurring themes of solitude and the difficulty of communication. The only certainty for Miéville's women is that there is no certitude: you simply have to speak louder if you want your voice to be heard and take your place in the order of things. The director finds her dreams in the illuminating light of nature, in apartment furnishings, in city and village streets, and on the astoundingly,transparent faces of her actors. As she describes this search: “From birth to death every subject remains intact. Three ages, three women. Daughter, mother, grandmother. Each of them before and after, still and always. And the men too. Those they meet, those they love.”

 
露並未說不
Lou Didn't Say No (Lou n'a pas dit non)


安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1993︱Color︱French︱35mm︱80 min

●台北 12/4(五)19:50︱ 12/13(日)11:00︱ 12/17(四)14:50     12/23(三)13:10


劇情簡介                         回影片頁面

這部影片的靈感與片名來自一封德國詩人里爾克(Rainer Maria Rilke)與Lou Andreas-Salome的書信片段。Lou是活躍於十九世紀末的俄裔傳奇文人,因其過人的外貌、才智與叛逆行徑而知名,曾與尼采論及婚嫁,受到比她年輕十五歲的里爾克瘋狂追求,兩人成為知己與伴侶,直到里爾克的病逝。她與佛洛伊德也有密切的書信往來,後來成為精神分析師,被稱為「精神分析的詩人」。這部影片則試圖描寫今日的伴侶生活在各個層面的轉變。 片中主要角色,一對男女朋友,彼此之間分享的日常生活變得日益困難。女主角Lou比男友年紀稍長,她計畫拍攝一部以博物館為場景的影片,白天則擔任「生命線」求救電話的服務員,聆聽來自各個角落傷痛脆弱的心聲。男主角是個年輕熱情而憂鬱的演員,對生活充滿憤怒與不滿。她期望兩人關係能更開放,開啟交流的可能,更接近手足或朋友情誼,而他無法接受,忌妒之情轉成暴力。 在愈益糾纏拉扯的兩人關係中,偶有安撫人心的溫柔時刻:電話線上,人們抱怨、求救的聲音如層層海浪席捲而來,Lou 輕掩雙耳,悠揚的弦樂響起,似乎為無盡的苦難帶來一絲希望。或是現實生活的浮光片羽寫照:西裝畢挺的生意人激動地討論市場趨勢、獲利情況,而在不遠處的人行道上,衣衫破舊的流浪漢聚在一起,細心地替同伴刮鬍子的情景…,再再顯現以靜照攝影出身的米耶維勒對人直接而細膩的觀察。這些人物深刻打動我們,卻不帶悲情,米耶維勒成功地展現人生的悲哀與莊嚴,清晰與神秘之處。影評人Jean-Claude Guigue讚譽本片對其主題的處理「超越傷痛、兩性戰爭與時間,唯一留存的是萬物熠熠生輝之美。」 片尾,膠卷轉動,鏡頭緩緩推過博物館長廊,環繞注視一對相擁的希臘男女雕像(分別象徵戰爭與愛),米耶維勒借旁白的詩句,道出她衷心的期望:讓我們不再尋求對立,而如兄妹、鄰人一般相處。愛不再是男與女,而是人與人之間的溝通。 The idea of the film and its title was born of a passage of the correspondence between Lou Andreas-Salome and Rainer Maria Rilke. Nevertheless the film describes certain instants and aspects in the life of a couple of today in metamorphosis. Here everyday life as shared between a man and a women is admittedly difficult. The woman, older than her partner, opens the way to an exchange, still possible in spite of everything, which is oriented to fraternity. As the poet says: “Love will no longer be the commerce of a man and a woman, but of one humanity with another.” (Anne-Marie Mieville.)

Lord of the Flies is famed theater director Peter Brook’s daring translation of William Golding’s brilliant Lord of the Flies is famed theater director Peter Brook’s daring translation of William Golding’s brilliant novel. The story of 30 English schoolboys stranded on an uncharted island at the start of the “next” war, Lord of the Flies is a seminal film of the New American Cinema and a fascinating anti-Hollywood experiment in location filmmaking. As the cast relived Golding’s frightening fable, Brook found the cinematic “evidence” of the author’s terrifying thesis: there is a beast in us all.

歡樂節慶
Living It Up (Faire la fête)

安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1987︱Color︱French︱35mm︱13min

●台北 12/4(五)19:50︱ 12/13(日)11:00︱ 12/17(四)14:50
    12/23(三)13:10


劇情簡介                         回影片頁面

大街上,歡樂的節慶正在進行,人群的笑聲此起彼落。這邊的窗戶中,一個女子獨自探頭看著街上情景;對面窗戶中,一個年輕母親抱著三個幼兒一同觀賞…。女子的男友到來,兩人親密過後又開啟要不要生小孩的話題,卻還是得不到共識…。米耶維勒以輕鬆趣味的手法,對照兩位女子的生活樣態,帶出兩性面對「懷孕」與「父母」角色的不同看法與選擇。 You know what I'm thinking about… –Yes – When are we going to have a baby? – I don't know… We've already talked about it. I told you.” An intimate conversation in the midst of a festive crowd.。

我們仍在這裡
We're All Still Here (Nous sommes tous encore ici)


安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1997︱Color︱French︱35mm︱80 min

●台北 12/6(日)15:10︱ 12/10(四)20:30︱ 12/16(三)11:00
    12/22(二)14:40   


劇情簡介                          回影片頁面

《我們仍在這裡》由三個段落場景組成,每一段都設定在特別的時期,檢視某個合乎常理的政治體制,提出關於人生、正義與平等的哲學問題。第一段由師徒兩位女性的對話,重演柏拉圖所著《高爾吉亞篇》(Gorgias)的情節–蘇格拉底與虛構人物Callicles的辯論帶出主題:修辭對真理和公正毫無意義,只能反應我們身處的是一個強者統治弱者的世界,而欲望的滿足是唯一的收穫。米耶維勒透過對話人物的性別轉換以及對話場域的改變,將蘇格拉底以理性統治欲望才能帶來幸福的雅典民主觀點,從政治的公共領域轉換當代西方的家庭生活中。 第二段則是高達的獨角戲排演,他以獨具特色的低沉嗓音,在幽暗的劇院舞台上發表一段流暢而動人的哲學性演講,內容取自猶太裔德國哲學家漢娜.鄂蘭(Hannah Arendt)的重要著作《極權主義的根源》。然而米耶維勒的重點不在歐洲歷史,而是將個人獨處的充實與寂寞的空虛進行對比。再一次地,她強調對「個人」的關注勝過對「國家」。也只有她有能力做到,將高達做為演員的自我與文本相結合的精采蒙太奇。 第三段,由高達與演技派女演員Aurore Clement扮演一對結褵多年的夫婦,習慣了彼此的陪伴與弱點,在日常生活中隨時一觸可發的爭執中,不停追問愛情、生活、工作和藝術的關聯為何,兩人都疲憊不堪。看似老夫老妻絮絮叨叨的平凡生活影像,對話內容卻充滿人生無法解脫的痛苦。片尾,高達認真宣誓著對愛情至死不渝,又讓不斷埋怨的妻子和旁觀磨人婚姻關係的我們,很難不受到感動。這部影片還不時受到優美的蕭士塔高維契古典樂或是Lester Bowie的爵士樂小喇叭演奏…等插入與打斷,是米耶維勒質問現代生活本質,具有挑戰性與趣味性的小品。 We're All Still Here doesn't look that way, but it's a film of great harshness. The film is in three sections which are solidly embedded […] There are three characters in all. But above all there are three embedded times, three logical periods: primo, a crucial philosophical inquiry into life, justice, equality (taken from Plato's Gorgias); secundo, a prolongation of this reflection through a nude figure which comes to delineate the contours of human horror, in other words a prolongation which, one will observe, functions like a screen (the theatre – taken from ‘The Nature of Totalitarianism’ by Hannah Arendt); tertio, the couple as a hypothesis of happiness: the space of love but also the place of a certain labour, permanent and vital, this labour of love without which it is not possible for the couple to survive.

1 如何能愛?
How can I love


安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1983︱Color︱French︱35mm︱13min

●台北 12/6(日)15:10︱ 12/10(四)20:30︱ 12/16(三)11:00
    12/22(二)14:40


劇情簡介                           回影片頁面

這部短片直接切入主題,毫不拖泥帶水或浮誇,坦誠而不設防。影片一開始,男女演員已經置身畫面之中,面對正在發生的情境,直接、未做修飾的對話開始進行。你可以選擇接受或離開這樣的設定,電影不是成功就是失敗。最後電影還是贏家。米耶維勒設定了五個段落場景,只是讓它們緊密地並置,甚至不試圖將其連結或剪接。一個女子依序和五個男子會面,每一回都是他們最後一次的相聚。 This film goes straight to the essential, without flourishes and without any self-protection… The actors are already in the frame, in the midst of the situation, and the dialogue begins unembellished. You can take it or leave it; either the cinema wins or the film loses. The cinema wins. Here are five sequences, simply and strictly juxtaposed, without the least link or cutting plan. A woman meets five men in succession and each time it's their last encounter. (Alain Bergala)

重修舊好
Reaching an Understanding (Après la réconciliation)


安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱2000︱Color︱French︱35mm︱74 min

●台北 12/7(一)11:00︱ 12/12(六)12:40︱ 12/18(五)19:10
     12/23(三)15:00


劇情簡介                          回影片頁面

兩個女人與兩個男人會面,彼此交談並提問,問答內容甚至包括遣詞用句的意涵,但主要是關於愛與幸福的人類基本話題。愛的和諧是否能和智慧與才智,恐懼與疲倦相互調和、共存?這四位知曉人生存在價值的男女,以幽默、嚴肅和愉悅之情,攜手共同尋找自己的路。在本片中,聰慧的女導演米耶維勒思考著情侶關係、智識的無趣和疲乏,以及語言的限制。透過四位人物,她將這些亙久以來的人生疑問如戲劇化的白日夢般呈現。這部影片也是一場哲學式的白日夢,談論著孤獨與劇場–也就是電影。 米耶維勒在本片中大量運用文學與哲學典故,如康拉德、海德格、雨果和托爾斯泰之名作或啟人深省的話語,不僅讓影片充滿溫暖與幽默,同時帶觀眾一探她自傳式的過往與哲學背景。本片的迷人之處,在於這齣沙發電影顯露的讓人困惑的處境和喜劇,以及逐漸發展成伴侶治療的後續結果。高達也演出其中一個要角Robert,帶著一貫的嘲諷和引經據典的習慣,比如他向一對雙眼閃爍幸福之光的情侶說:「希望你們不會指望愛能帶來幸福。」他與米耶維勒在片中有精彩的對手戲,米耶維勒難得的強硬姿態,從高達年邁啜泣的身影,到兩人相擁、重修舊好,彷彿是對兩人在現實世界關係的思考。 影片開始,米耶維勒以幾段拍攝孩童的家庭錄像影片說明本片拍攝的動機,然後以一個慢動作鏡頭拍攝米耶維勒身穿鬥牛服,在劇院鎂光燈下奮力揮動長鞭的挺拔身影。這個舞台風格化鏡頭的安排明顯帶有宣示的意味。直到本片的完成,米耶維勒才真正從高達這位導師與伴侶的庇護下走出,綻放個人耀眼的光采。本片確立她獨特原創的作者風格,著重在她特別擅長的演員調度、整合文字和音樂段落,以嚴肅的哲學、藝術式的提問重新安排敘事形式。這些電影有如米耶維勒的影像書寫,人類經驗的複雜面貌,透過細膩的攝影鏡頭與導演敏銳的感性,向觀者反射出無比動人的光采。 Two women and two men meet, converse with one another and ask questions, even about the use of words, but especially about fundamental matters concerning happiness and love. Is the harmony of love reconcilable with wisdom and intelligence, with fear and fatigue? With humour, seriousness and pleasure, these men and women, who know the price of existence, seek their road together.

瑪麗之書
Marie's Book (Le Livre de Marie)


安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Miéville︱Switzerland︱1984︱Color︱French︱35mm︱27min

●台北 12/7(一)11:00︱ 12/12(六)12:40︱ 12/18(五)19:10
    12/23(三)15:00


劇情簡介                          回影片頁面

★1986 法國凱薩獎最佳劇情短片提名

這部短片受到高達的高度肯定,要求戲院必須將本片與他的長片《向瑪麗致敬》共同放映。兩部影片都以「瑪麗」為主角之名,也都與女孩的成長與母性的主題有關。 拒絕長大的小女孩瑪麗將自己封閉在她創造出的神秘又私密的世界,裡頭有她喜愛的書籍、音樂和舞蹈,可以幫助她暫時擺脫正在經歷的困擾–父母分居的尷尬,她假裝自己不那麼在意。米耶維勒以客觀的角度觀察瑪麗但不投入自己的認同,她單純地記錄小女孩如何面對人生的第一次劇變,以及這個事件如何改變她。片中讓人難忘的一幕:瑪麗在馬勒第九號交響曲的背景樂聲中獨自起舞,頻頻迴轉,直到倒臥在客廳地毯…,父母的離異有如世界崩解,這是表達她渴望死去的強烈象徵,影像單純卻力道驚人。這部短片帶有義大利導演羅塞里尼新寫實主義的風格,如《德意志零年》(Germania anno zero¸1948),細膩捕捉孩子面對成人世界的紛擾時,內心脆弱卻裝作堅強的複雜情緒,但卻不過度渲染,彷彿以莊重之姿向大人們宣告「童年再見」的真相。
Little Marie is enclosed in her mystery of being a little girl, in her books, her music, dancing, to avoid being marked by what she goes through… In order to film this story of Marie, set at the moment her father and mother separate, Miéville assumes the function of observing Marie without identifying with her, but simply recording how she goes through this first upheaval in her life, or rather, how this event goes through her. There is something of Rossellini in this project, which is modest and ambitious at the same time. The film attains a dry and pure emotion, and a new truth, about the end of childhood. (Alain Bergala.)

 
小兵
Little Solider (Le petit soldat)


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1963︱B&W︱French︱35mm︱88min

●台北 12/5(六)11:00︱ 12/9(三)18:40︱ 12/11(五)16:10
    12/14(一)16:30 12/17(四)18:20︱ 12/20(日)11:00
    12/22(二)12:50

    

劇情簡介                          回影片頁面

1958年的法國正面對阿爾及利亞戰爭衍生的動盪不安,Bruno是一個住在瑞士的法籍逃兵,在瑞士為一個極右的政治團體工作,他的朋友懷疑他是雙面間諜。Bruno對政治現況不帶幻想,也缺少堅定的政治立場,只是不帶感情地對囚禁者執行虐待和審問程序。法國政府雇他進行暗殺阿拉伯地下左派領袖的秘密任務,在逐步進行任務的時候,他偶然遇見一位年輕貌美的女子並墜入愛河,他開始對任務猶豫不決…。 本片是高達繼《斷了氣》之後的第二部驚人之作,常被當成姊妹作一起討論。因為內容敏感,涉及到60年代法國在阿爾及利亞扶植政權的活動而一度被禁,直到1963年才得以在院線發行。向來嚴苛的《電影筆記》給予這部影片極高的評價,主要原因也在於當時沒有任何其他影片提到阿爾及利亞(除了像《再見菲律賓》以隱晦的方式,暗示當時法國對阿爾及利亞的戰爭而施行強制徵兵,對法國青年有如噩夢一場),而後者卻徹底主導了50年代後期法國人的生活。高達顯然想透過主角Bruno發抒自己對法國戴高樂政府軍權政治的看法,揭露國內高漲的暴力氣氛,而Bruno政治立場上的搖擺不定正代表大多數人的選擇,也是高達意欲嘲諷之處。延續高達自《斷了氣》建立的影片風格,全片以充滿欺騙與背叛的偵探片故事情節包裝,由冷調、粗粒子的黑白攝影與自由的跳接剪輯手法所構成。片中極為寫實的刑求場面,將濃重的死亡與恐怖主義主題發揮的淋漓盡致,今日看來仍讓人驚訝於年輕的高達如此犀利的洞見與揭櫫事實的勇氣。 這部片是高達早期作品的繆思Anna Karina首次主演的電影,當時她年僅十九歲,從丹麥隻身前往巴黎發展,她在一部沐浴乳廣告中清新的身影引起高達注意。高達使出渾身解數才讓Karina同意演出,影片完成後兩人結了婚。Karina本身纖細、脆弱的特質將年輕間諜女孩的憂鬱表現得極為動人,女孩受盡折磨而痛苦地死去的身影,是深深烙在觀眾心中一枚陰暗的歷史印記。高達後來拍攝的《美國製造》可視作本片的翻版,再次處理法國後殖民政策的問題,只是Karina的角色不再苦難,而是主動掌控自己未來命運的果敢女子。 Set during the Algerian War, Le Petit Soldat follows Bruno Forestier, a disillusioned young deserter who becomes involved in the French nationalist movement. He is ordered to kill an Algerian sympathizer, and although he does not hold deep political beliefs, commits the murder and undergoes torture when captured. At the same time, he meets and falls in love with a woman (Anna Karina in her film debut) who he does not know is fighting for the other side. Godard's controversial follow-up to Breathless, Le Petit Soldat was originally banned from release in France because it refers to the use of torture on both sides, during Algeria's struggle for independence.

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不法之徒
Band of Outsiders (Bande à part)


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1964︱B&W︱French / English︱35mm︱93min

●台北 12/5(六)12:50︱ 12/7(一)20:50︱ 12/10(四)15:10
    12/15(二)11:00︱12/17(四)13:00︱ 12/21(一)13:00
    12/25(五)14:30


劇情簡介                          回影片頁面

這是高達最容易欣賞也最受喜愛的作品之一,繼華麗的大製作《輕蔑》之後,高達回到小成本的電影製作,隨意取材Dolores Hitchens於50年代流行的犯罪小說《愚人金》(Fool's Gold),講述兩個對美式文化與好萊塢電影著迷的年輕男子,在英文課上結識一位清純可愛的女孩,三人陷入模稜兩可的三角關係,並且計畫結夥搶劫女孩姑媽家為逃稅而藏匿的鉅款,結局卻是一場大災難。這是關於三個年輕人的故事,處在註定要失敗的社會邊緣,在晦澀的生存中努力綻放璀燦的生命火花。 高達以母親的名字Odile為女主角命名。為配合片中角色出身勞工階級的背景,Anna Karina在片中的角色不如前作《賴活》來的亮眼,而顯得天真、脆弱又另類。本片有如高達一貫深奧名言的示範版本:「要拍電影,你只需要一個女孩和一把槍。」高達只用了25天完成本片拍攝,沿用《斷了氣》的攝影師Raoul Coutard,再次發揮手持攝影機的活潑與紀實風格。借用黑幫類型電影的包裝,高達講述一個簡單卻精彩的低俗小說(pulp fiction)故事。影片中的三個主要人物,在三個地點來回進行搶劫的計畫、醞釀與執行。乍看之下,影片的情節和場景都非常簡單明瞭,高達卻有本事透過穿插的旁白打斷過於順暢的敘事,加上巧妙設計的趣味情節,讓影片處處皆是討喜的機智幽默、流暢的場面調度與輕鬆的節奏,如三人快速奔跑,以9分43秒「參觀」完羅浮宮,打破美國遊客紀錄的精采橋段。 本片是高達寫給巴黎的一首抒情歌曲,他以尚胡許(Jean Rouch)式的人類學紀實手法捕捉巴黎多采多姿的風貌,不論是白天繁忙的市區、白楊木佇立的郊區,或是夜晚燈火閃爍的街道、地下鐵車廂疲倦面容的乘客、臥倒路邊的遊民…,讓人想起法國攝影師Brassai黑白攝影集《夜之巴黎》特有的迷人氣氛與愛戀的眼光。 本片許多對話引述自名作與詩歌,如韓波的詩作和《哈姆雷特》的對白。片中對電影的引述更為精彩,包括《秋水伊人》(Umbrellas of Cherbourg)的配樂歌曲,好萊塢經典電影《比利小子》(Billy the Kid)、卓別林的《淘金記》(The Gold Rush)、《移民》(The Immigrant)、楚浮電影《夏日之戀》(Jill and Jim)等影片橋段的模擬,都是本片趣味橫生,讓人難忘之處。觀眾也不難發現,昆汀塔倫提諾的經典B級片《黑色追緝令》中,鄔瑪舒嫚和約翰屈伏塔跳舞的情節,就是藉由擬仿本片三位主角在咖啡店跳麥迪森舞的片段向高達致敬,而麥迪森舞正是當年從美國傳入法國的流行舞步。塔倫提諾還將自己的製作公司取名為A Band Apart。王家衛成名作《阿飛正傳》中張國榮的著名對白:「我聽別人說這世界上有一種鳥是沒有腳的,牠只能夠一直的飛呀飛呀,飛累了就在風裡面睡覺…」,無疑是對本片的引述與致敬。片名「Band of Outsiders」也成為音樂團體、流行服飾品牌的名稱,儼然成為青年叛逆文化的時尚代名詞。 Two restless young men (Sami Frey and Claude Brasseur) enlist the object of their desire (Anna Karina) to help them commit a robbery––in her own home. French New Wave pioneer Jean-Luc Godard takes to the streets of Paris to re-imagine the gangster genre, spinning an audacious yarn that's at once sentimental and insouciant, romantic and melancholy.

阿爾發城
Alphaville


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1965︱B/W︱French︱35mm︱99min

●台北 12/6(日)11:00︱ 12/8(二)18:20︱ 12/11(五)22:00
    12/15(二)14:40︱ 12/19(六)12:50 12/21(一)11:00
    12/24(四)14:50
●高雄 1/2(六)14:00  


劇情簡介                          回影片頁面

★1965 柏林國際影展最佳影片金熊獎

銀河外星系的阿爾發城由獨裁專制的巨型電腦「Alpha 60」所管理,它監控人類的生活,並消滅一切文化、藝術等人類情感抒發的結晶。特務Lemmy被派往阿爾發城,目的在執行暗殺「Alpha 60」的設計發明人,摧毀電腦,卻意外結識發明人的女兒Natacha。兩人滋生愛意,決定一起改變命運。 本片主要人物Lemmy Caution,脫胎自英國犯罪推理小說家Peter Cheyney的作品《This Man Is Dangerous》中的冷硬派偵探角色。《阿爾發城》集黑色電影式的間諜偵探、科幻類型與超現實主義詩句於一身。高達找來美國著名警匪片明星Eddie Kanstantine飾演硬漢Lemmy極具說服性,加上美式漫畫與現代主義元素的運用,乍看有如別具風格的五十年代好萊塢黑幫電影。然而,隱藏在包裝之下對集體控制社會的深刻批判才是高達真正的目的。象徵「文盲」的Lemmy Caution 最後將代表「知識分子」的Natacha(Anna Karina飾演)從冰冷無情的電腦世界拯救出來,英雄行徑依然得到展現,只不過換了時空背景。八十年代之後盛行的後現代黑色電影,如《銀翼殺手》、《未來總動員》等片中的反烏托邦英雄人物,都可看到Lemmy Caution的典型。 《阿爾發城》是高達早期作品中少數的原創劇本,題材靈感來自與導演安東尼奧尼偶然的閒聊,後者為拍攝《紅色沙漠》而與研究人工智慧的電腦工程師接觸,這個題材引起高達的興趣,隨即前往法國的電腦公司參觀,驚訝於電腦的功能與發展潛力,而開始構想科幻題材的電影。為了吸引有意合作的德國製片公司投資,高達叫他的助理拿廉價偵探小說做參考,寫一份具典型偵探類型片內容的電影大綱交差,結果受到製片公司喜愛。後來高達拍出來的自然不是他們所期待的,充滿浪漫與暴力冒險情節的私家偵探故事,而是與之相反,對高科技社會提出批判的反烏托邦寓言。 不同於我們習慣的好萊塢科幻電影高科技意象,本片中呈現的未來城市不是綠意盎然、井然有序的郊區風景,而是蒼涼與懷舊氣氛濃厚的巴黎寫實街景。高達拒絕常規的片場打光方式,以極微的現場光線,高感光黑白底片進行拍攝,呈現出帶有攝影大師William Klein著名的高反差剪影、偷窺意味的紐約街頭快照風格。當《阿爾發城》於1965 紐約影展做為開幕片首映時,美國觀眾對影片突如其來游移、跳躍的調性大感困擾:從玩笑嘲諷式的未來主義、私家偵探造作姿態的戲謔模仿,到刻劃電腦主控的社會與藝術家、思想家和戀人之間的戰爭。這是一部不需華麗特效美化的高達式黑色科幻電影。
A cockeyed fusion of science fiction, pulp characters, and surrealist poetry, Godard's irreverent journey to the mysterious Alphaville remains one of the least conventional films of all time. Eddie Constantine stars as intergalactic hero Lemmy Caution, on a mission to kill the inventor of fascist computer Alpha 60.


我所知道她的二三事
Two or Three Things I Know About Her (Deux ou trois choses que je sais d'elle)

尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1967︱Color︱French/Italian︱35mm︱87min

●台北 12/6(日)19:10︱ 12/9(三)13:20︱ 12/11(五)12:40
    12/16(三)16:50︱12/17(四)20:10︱ 12/19(六)14:50
    12/22(二)20:10   


劇情簡介                          回影片頁面

本片描述60年代中期,一個法國女性為了支付生活費而兼職從事應召生活的故事。高達以女主角茱麗葉為視角,用一堆支離破碎的情節跟標題層層堆砌出這個她(主婦,妓女,母親)/社會(巴黎,當代法國,世界)三位一體的景象。而音畫分離,喃喃低語的畫外音一直是高達有名的噪音,也是這種帶著距離感的噪音,輕喚了許多表面之外的真相,影片裏同時也充滿許多高達式的幽默諷刺,比如洗澡洗到一半電工進來查電錶,3P的賣淫最後卻讓女主角套上牛皮紙套,故事進行中不斷插入建築工地的畫面,這種唐突的場景不但建構、解構劇情,更讓影片有趣多元而且帶著實驗感。 開頭的兩次口白分別講述真實的女演員本身和劇中女主角茱麗葉,這種解構,更直接挑明了電影裡「知」的建構,來自於語言的詮釋跟社會行為的反映。而高達利用這種解構與重塑,以論文般的標題方式對現代化城市(當時的巴黎)及主角展開多重檢視與批判。於是「知悉」影片中語言的各種觀點,就不斷縱貫跟橫切的交差在整部影片當中。高達提供了訊息,讓觀眾自我認知解讀,進而讓觀眾的思考得到伸展。 文明社會下,人類感情與物質世界的分離狀態,女主角(巴黎)仿如失語症一般,對鏡頭不斷自述告白,對觀眾而言,終究只有略知。高達也是最會利用鏡子來反映角色心境的導演,於是片中的攝影機,看似紀錄寫實卻又帶著如創作論文一般的企圖,把碎鏡拼回理想的原型。高達藉由這個不斷奔走的多重身分女主角,茫然搜尋新的消費方式與後工業社會接軌與對話 (雖然大部分都是無效的獨白),進而更帶出對於人類的質變/巴黎社會現狀的不安及反思-對於越戰、阿爾及利亞戰爭、核戰的隱憂。這種打破規矩的風格,如詩般的夢囈口白(高達親自配音),卻依舊讓影片保持著高度輕盈的敘事方式,既詩意也有政治性,企圖講述這種人與社會無法融合的同時,又讓人看見高達的良心。本片同時也是香港女導演許鞍華最喜愛的電影之一,當中經典的咖啡杯泡沬鏡頭,更深刻影響後來許多電影包括史柯西斯(Martin Scorses)的《計程車司機》及泰德海恩斯(Todd Haynes)的《巴布狄倫的七段航程》。
In 2 or 3 Things I Know About Her, Jean-Luc Godard beckons us ever closer, whispering in our ears as narrator. About what? Money, sex, fashion, the city, love, language, war: in a word, everything. Among the legendary French filmmaker's finest achievements, the film takes as its ostensible subject the daily life of Juliette Janson (Marina Vlady), a housewife from the Paris suburbs who prostitutes herself for extra money. Yet this is only a template for Godard to spin off into provocative philosophical tangents and gorgeous images. 2 or 3 Things I Know About Her is perhaps Godard's most revelatory look at consumer culture, shot in ravishing widescreen color by Raoul Coutard.

週末
Week End

尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1967︱Color︱French︱35mm︱105min

●台北 12/4(五)21:40︱ 12/7(一)17:10︱ 12/10(四)11:00
    12/13(日)14:40︱12/16(三)14:50︱ 12/19(六)20:20
    12/22(二)18:10


劇情簡介                          回影片頁面 

★1968 年柏林國際影展正式競賽

從片頭一開始,觀眾就面臨無休止的喇叭噪音、怒罵與荒誕莫名的暴力。由名模歌手Mireille Darc飾演的典型資產階級婦女,圖謀病危父親的遺產,於週末偕同丈夫驅車前往巴黎郊區,途中卻碰到一場連環車禍造成的嚴重塞車,接著陷入一連串人性扭曲的夢靨。汽車駕駛們抓狂般地咆哮,進行搶劫、放火、施暴、謀殺甚至食人…等等煉獄般的惡行,高達卻將這些事件處理成極為自然的過程。他以長達十分鐘的連續推軌鏡頭拍攝塞車的奇景,無聊的駕駛或下棋、或吹喇叭、或爭執打鬥,車禍現場隨意棄置的屍體,與貪婪自私的資產階級男女並置,構成一幅有如波希(H. Bosch)「享樂的花園」般奇異詭譎的末世啟示錄景象。 和賈克大地一樣,汽車在本片中也被當作是現代社會敗物主義的罪惡象徵,然而高達的批判根本是毫不留情。影片中對西歐資產階級與美式資本主義犀利又苛刻的嘲諷,與超現實的影像風格都讓人想起布紐爾的名作《中產階級拘謹的魅力》,(高達在片中也提到布紐爾以集體瘋狂為題的諷喻作品《泯滅天使》The Exterminating Angel,1962)。 高達在片中也大玩各種電影形式的可能,除了塞車片段的長鏡頭,還有360度搖攝農場鋼琴獨奏會的鏡頭。穿插大量引述的字卡做為段落標題也成為他後來典型的手法。影片開始有一段高達擅長挪用通俗文化元素的情節,女主角對情夫詳細描繪一段她參加的3P性愛艷史,描述情節愈益火熱,攝影機同時緩慢地對著他們推進又拉遠,後來觀眾才意會到她根本是在背誦典型廉價情色小說的章節。 高達似乎想透過這部影片發洩所有他對60年代政治氣象的絕望與憤怒,他對當時法國社會的極度厭惡、失望與恐懼,讓本片比起帶有悲觀色彩的《狂人皮埃洛》更加晦暗─人互相殺害,或被機器謀殺。片中這段週末的玩命之旅過程高潮迭起,每一個新場景都激發觀眾新的念頭,但他又不忘提醒我們「正在看一部電影」,一場瘋狂的喧鬧。許多影評人認為本片是高達最具野心的生涯顛峰之作,而片尾兩行字幕「劇終,電影結束」更強化了這項推測:高達已經準備好要革命,邁向下一階段的政治電影時期。
Weekend remains Godard's most consistently relentless attack on the bourgeois values of his own country and the perceived imperialism of the United States. Mireille Darc plays the central character, an "average" woman who is systematically radicalized during a weekend motor trip. No sooner have the woman and her husband (Jean Yanne) embarked on their journey than they become enmeshed in the mother of all traffic jams. The motorists rave, rant, burn, rape, murder, pillage and even descend into cannibalism -- all of which is treated by Godard as a natural progression of events. The prevalent theory that Jean-Luc Godard had intended Weekend as the apotheosis of his career is bolstered by the film's last two titles: "End of Film." "End of Cinema."


一部平行電影
One P. M.
(One Parallel Movie)


潘貝克 D. A. Pennebaker / 尚盧.高達 Jean Luc Godard / Richard Leacock︱USA︱1971︱Color︱English︱Video︱95min

●台北 12/5(六)18:10︱ 12/8(二)14:30︱ 12/10(四)17:00
     12/13(日)12:50 ︱12/16(三)20:20︱ 12/21(一)18:30
    12/25(五)12:40


劇情簡介                          回影片頁面

「我們得趕緊!革命就要發生,我們快來不及了!」~高達 這部高達起頭但未能親自完成的影片標誌了他往美國之行的重要歷程。60年代初,高達與美國名導演D.A. Pennebaker和Ricky Leacock討論以沒有前置劇本的方式即興合作拍片的可能性,後來由於美國公共電視的出資,他們得以實踐這個念頭,拍攝一部紀錄片。以高漲的反越戰聲浪和高達預言即將在美國發生(但未發生)的革命為題材,片名訂為《One AM》(One American Movie)《一部美國電影》。擔任主要攝影的Ricky Leacock幾乎照著高達的指示進行拍攝,職掌另一台攝影機的Pennebaker 則拍攝了不少計畫之外的鏡頭。拍攝完成後,高達對拍攝的素材不滿意,認為不可能完成這部影片,回到法國組織左翼的「維爾托夫小組」,Leacock則到學院教書,只有Pennebaker留下來剪輯,加上他自己拍攝的影片素材。於是電影開頭是高達的觀點,後來逐漸發展成另一種風格,最後完成的影片就是《One P. M.》這部與高達原計畫平行的版本。Pennebaker 對這樣的演變感到十分驚訝和有趣,有如一則電影史的縮影。高達本來拒絕承認這部作品,稱之為《One Pennebaker Movie》,直到1972年這部電影才以《一部平行電影》之名放映發行,讓觀眾得以回顧這段美國60年代社會與文化重要的紀錄。隨著時間的演進,本片也成為高達迷一窺其革命時期神秘世界最重要的一部作品。 本片涉及的人物眾多,從華爾街的年輕職員,到因廣受歡迎的美國嘲諷喜劇《Larry Sanders Show》而走紅的演員Rip Torn(擅長扮演刻版典型人物),穿著美國早期聯邦官員制服,到一間以非裔學生為主的中學,試圖「開化」他們,學生們大聲表達對社會不公的看法加以反擊,還假裝要殺了他。還有當時的反文化搖滾標誌「傑佛遜飛船」樂團在紐約大樓屋頂進行的精采現場演唱會。片中也拍攝到當時代表人物,激進的黑豹黨領袖暨「和平自由黨」總統候選人Eldridge Cleaver,他因謀殺罪被起訴,堅持受採訪要收費,好幫助他逃離美國(Cleaver後來流亡到阿爾及爾)。這是一段針對美國對黑人公民的壓迫,以及法國對阿爾及利亞的殖民兩個議題之間精彩無比的平行討論。 D.A. Pennebaker是「直接電影」的大師,長期拍攝音樂題材,可說是美國六十年代文化狂潮的歷史見證者,知名作品包括曾受邀於台灣國際紀錄片雙年展播映,記錄Bob Dylan的經典之作《Don't Look Back》、搖滾盛會紀實《蒙特婁流行音樂節》,以及於國民戲院「聲音的痕跡」影展播映的《夥伴們》與《大衛鮑伊與來自火星的蜘蛛人》。記錄柯林頓總統競選活動的《The War Room》曾獲得奧斯卡最佳紀錄片提名。從Pennebaker豐富的影像紀錄背景不難了解高達希望與他合作的理由。 Lighter and livelier than the films Jean-Luc Godard had made in France, his U.S. collaboration with Direct Cinema documentarian D. A. Pennebaker was meant to be One A.M., as in “one American movie”; but Godard quit the project and the U.S., where to his dismay he discovered that revolution wasn't imminent, and Pennebaker edited Godard's material, to which he and Richard Leacock even added a bit more, releasing the result as One P.M., as in “one parallel movie.” It's a stunning mixture of cinéma-vérité, political theater, and interviews of key sixties figures (Eldridge Cleaver, Tom Hayden).

一切安好
Everything’s All Right
(Tout va bien)

尚盧.高達 Jean-Luc Godard / Jean-Pierre Gorin︱France︱1972︱Color︱French︱35mm︱95min

●台北 12/7(一)13:00︱ 12/9(三)20:30︱ 12/12(六)18:50
    12/15(二)12:50︱12/18(五)12:50︱ 12/22(二)11:00
    12/24(四)20:50


劇情簡介                          回影片頁面

★1973 年柏林國際影展「新電影論壇」Interfilm Award特別推薦

珍芳達(Jane Fonda)飾演的美國記者與尤蒙頓(Yves Montand)飾演的廣告導演丈夫(曾是新浪潮導演),計畫採訪一家香腸工廠的老闆,卻意外捲入工人的罷工行動中,和老闆一起被扣押在辦公室五天,見證一段既荒誕又寫實的勞資對立過程。本片由高蒙電影公司出資,為強調這點,兩位演員特別在片中引述高達巨星雲集的商業電影諷喻之作《輕蔑》當中的台詞。 1967年滿腔怒火的末世啟示錄影片《週末》宣告高達豐富創意時期的結束,接著高達以示威者與電影人的角色參與68學運,四年之後,高達與Jean-Pierre Gorin合作拍攝本片,目的在檢討68學運後的階級鬥爭、批判社會與婚姻問題,是一部激進電影的傑作。相較於其他高達維爾托夫小組(Dziga Vertov Group)時期的作品,本片改變策略,企圖以觀眾較為容易接受的手法傳達政治理念。如同高達的名言所指:「問題不在拍攝政治電影,而是如何政治性地拍攝電影。」 兩位主角演員都是著名的左翼運動人士,珍芳達更是積極反戰的女性主義者,不拿前期片酬參加演出,只在電影收益時分成。珍芳達以流利的法語,強勢的姿態與犀利的言詞,精彩演出與尤蒙頓之間關於性別、工作與性的爭論,是高達影片中少見的強力「美式」表演風格。片中罷工的工人是由失業的演員而非真正的工人來飾演。經過一天一夜之後,兩位主角被釋放,他們透過這段罷工鬧劇觀看與學習,也各自反思了自己的事業與兩人的關係。 這部影片的結構與劇情極為簡化和概略,運用布萊希特式的處理手法:人物經常對著攝影機談話,角色分明,工廠看起來像佈景,觀眾隨時可察覺到攝影機和舞台的存在。片中幾處刻意安排的荒謬情節,如老闆急著如廁,卻遭工人捉弄報復,最後只得敲碎大樓玻璃對外解放的奇景,誇張地凸顯勞資角色易位時呈現的不公與可笑,也犀利地點出工人處境的惡劣與卑微。片中不斷出現香腸工廠生產線機械化的工作流程,控訴著在加快速度以增加產量的目標下,工人的身體被嚴重異化,感官知覺也因一再重複屠宰、切割、包裝…等非人性的步驟和骯髒惡臭的環境而磨損殆盡。 片尾在現代大型超市的一景揭示另一項宣言:工人和學生聯手「解放」商品,攝影機來回進行一連串側面的推軌長鏡頭拍攝,直到最後的暴動發生。本片企圖記錄勞工歷史的手法也被視為Peter Watkin於2000年拍攝,結合劇情與偽紀錄片手法的精彩史詩《巴黎公社》(La Commune de Paris, 1871)的先驅。 In 1972, newly radicalized Hollywood star Jane Fonda joined forces with cinematic innovator Jean-Luc Godard and collaborator Jean-Pierre Gorin in an unholy artistic alliance that resulted in Tout va bien (Everything's All Right). This free-ranging assault on consumer capitalism and the establishment left tells the story of a wildcat strike at a sausage factory as witnessed by an American reporter (Fonda) and her has-been New Wave film director husband (Yves Montand).

此處與彼處
Here and Elsewhere

(Ici et ailleurs)

尚盧.高達與維爾托夫小組
Jean-Luc Godard/Jean-Pierre Gorin/Groupe Dziga Vertov/Anne-Marie Mieville︱France︱1976︱Color︱French/Arabic/German︱35mm︱53min

●台北 12/5(六)14:40︱12/8(二)11:00︱12/11(五)14:30
    12/14(一)18:20︱12/20(日)12:50︱12/23(三)17:00
●高雄 1/2(六)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

70年代,高達與維爾托夫小組以錄像媒體拍攝了一系列探討政治議題的影片,其中一部名為《直到勝利》(Jusqu'à la victoire ),是受巴勒斯坦軍事組織Al Fatah委託攝製,企圖創造巴勒斯坦與阿拉伯世界過去未曾見過的影像,卻未能成功,直到五年後,米耶維勒協助高達將《直到勝利》這部四分五裂的電影重新拼湊、剪輯、製作成一部新作《此處與彼處》,提出關於「他者的再現」的問題;這也是高達與維爾托夫小組合作的最後一部電影。 影片中,一個法國家庭(此處)看著電視播放的巴勒斯坦戰爭(彼處)的新聞報導,穿插實地訪問巴國士兵的片段以及大量歷史記錄影像的蒙太奇,加上米耶維勒的旁白提出質問與比較,構成一部由聲音和影像,虛構與紀實相互辯證的作品。影片採用一男一女對話的形式討論呈現在觀眾面前的影像,這些對話使聲音與影像之間達到新的平衡。聲音主導整部影片,從巴勒斯坦小女孩朗誦詩篇,到家裡的爭吵,甚至到希特勒演講的歷史畫面…,都是這個世界紛紛擾擾的聲音之一。影片嘗試將希特勒、俄國革命、巴勒斯坦人民陣線運動,以及法國68革命等左翼重大運動,以當時新穎的錄像手法拼貼起來,構成歐洲近代歷史的政治進程圖像。但這些分析是否真的幫助我們了解以色列和與巴勒斯坦的宿怨?所謂他者,是我們的「此處」的「彼處」。片尾直接點醒做為觀眾的我們似乎不知如何去聽、去看(面對家園被掠奪,族群生死攸關的巴勒斯坦人民再清楚不過的畫面),或許是因為電視的聲音太大而掩蓋了真相。 本片是宣揚女性主義的經典之作,主要歸因於米耶維勒對切入角度的重要影響。影片主張所有政治都應從家庭內部空間開始,透過影像將全球政治關係與家庭矛盾加以關聯,在這連結中找到我們的位置,以及如何塑造自身影像的答案。高達和米耶維勒檢視維爾托夫小組之前拍攝的政治軍事影片中「影像的流暢」,對影像的操弄感到罪惡與懺悔。《此處與彼處》是兩人嘗試找出關於種族屠殺、社會不公、戲劇化的呈現…等無止盡衝突的述說方式。 高達批評電影影像能夠還原真相、歷史與記憶,同時也能操縱與煽動的能力。他提到在電影中,影像是一格接著一格播放,而非同時投影出來,無法形成一致的整體,因為下一格影像總是取代了前一格的重要性。透過高達富於詩意與智性的辯證,他對政治影像的徹底質問勝過影史上任何人所曾達到的。本片與後來的《第二號》(Numero 2)以及《你還好嗎?》(Comment ça va?)組成三部曲,是分析高達電影中的錄像藝術的最佳範本。
Godard, Miéville and Gorin (aka the "Dziga Vertov Group") examine the parallel lives of two families - one French, one Palestinian - using an exploratory combination of film and video. incorporates footage from the unfinished Jusqu' a la Victoire (Until Victory) (1970) . Ici et Ailleurs marks the beginning of Godard's transitional period, which found him experimenting with video and moving from political polemics to an examination of the way people perceive themselves and others; as such, it shares many of the traits of both his radical-era films and the video-centered work that followed while simultaneously providing a critique of the Dziga Vertov Group's ideas and methods.

向薩拉耶佛致敬
Je vous salue Sarajevo


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1993︱Color︱French︱Video︱2min

●台北 12/5(六)14:40︱ 12/8(二)11:00︱ 12/11(五)14:30
    12/14(一)18:20︱12/20(日)12:50︱ 12/23(三)17:00
●高雄 1/2(六)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

高達在紐約現代美術館委託他與米耶維勒製作的短片《Old Place》中,提到戰爭影像作為藝術呈現的爭議,他舉一張普立茲新聞報導的得獎照片為例,照片中一個極度飢餓、骨瘦如柴的非洲女童匍匐在地,奄奄一息,後方是一隻禿鷹虎視眈眈…。高達提到拍攝戰爭受害者的遺體照作為控訴戰爭罪行的證據是可接受的,而攝影師將它放大,然後如繪畫一般懸掛在美術館作為藝術展覽卻是引人爭議的。那作為電影觀眾的我們,該以何種態度在放大百倍的銀幕上觀看他人痛苦的再現呢? 以低調哀傷的弦樂為底,高達的旁白沉痛地帶我們一同觀看薩拉耶佛內戰一楨駭人的照片,從局部放大的冷酷塞軍軍人臉孔,到趴臥在地的俘虜全景,以及半空中踢向他們的一腳…。多重構圖的檢視、剖析,勝過千言萬語的控訴。面對戰爭造就的死亡藝術,即使只是短短的兩分鐘,我們都慶幸最終能闔上雙眼,闔上影像。作為20世紀最具批判力的電影創作者,從《小兵》開始,到《我們的音樂》,高達一再逼視戰爭影像中那無可言喻、無法逃脫的恐佈,一再辯證電影與真實的關係。只要如以色列入侵加薩、美軍轟炸伊拉克這類的不義軍事侵略一再發生,相信高達的質問也將繼續下去。
The two-minutes short dissects a Bosnian war photo of three soldiers on patrol. It is composed of multiple framings of one single photography. Every framing will give us a particular reality within, and make us comprehend different worlds within the world which, as the short goes along, we understand to be a single image. These two minutes in Godard are more analytic and meaningful than many films which address directly what it means to look for the hidden visual meanings of images.


自由與故鄉
Freedom and Fatherland (Liberté et patrie)


尚盧.高達 Jean-Luc Godard / 安瑪麗.米耶維勒 Anne-Marie Mieville︱France / Switzerland︱2002︱Color︱French︱Video︱22min

●台北 12/5(六)14:40︱ 12/8(二)11:00︱ 12/11(五)14:30
    12/14(一)18:20︱12/20(日)12:50︱ 12/23(三)17:00
●高雄 1/2(六)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

這部短片的片名《自由與故鄉》原本是瑞士西南Vaud省的官方口號,Vaud鄰近法國,其首府洛桑是高達和米耶維勒生長和定居的家鄉。兩位導演受到瑞士文化節的委託拍攝影片,改編一部著名的瑞士傳記小說《Aimé Pache, Painter from the Vaud》(Charles Ferdinand Ramuz, 1911),將主角人物畫家Aimé Pache前往巴黎學畫後返鄉的故事,與高達自己的作品與人生經歷做類比。 片中節選高達之前的影片段落,與畫家的生平事件、當代文化指涉,以及高達對60年代和電影的自我嘲諷相互交疊,加上對畫家和兩位導演都深具影響的瑞士美麗土地的影像,創造出宛如「鏡中鏡」相互映照的奇特效果。偉大的藝術源自豐富的人生閱歷,三位藝術家們彼此的生命記憶交錯浮現,化成現實與寓言的精密結晶,創造出豐沛的感染力,短短20分鐘的觀影經驗竟讓人如同讀完一部精彩無比的長篇小說。
“Freedom and Fatherland,” is the official slogan of the Canton de Vaud, in Switzerland, where the filmmakers live and grew up. To fulfill their commission from a Swiss cultural festival, they adapted a great Swiss novel, “Aimé Pache, Painter from the Vaud,”and extruded its autobiographical analogies to Godard's own life and work. Using a choice set of clips from Godard's films to coincide with events from the painter's life, verbal references to modern times and to Godard's own and images of the Swiss terrain, which plays a decisive role in the work of Pache, Godard, and Miéville, they produce the effect of mirrors within mirrors.


人人為己
Slow Motion [Sauve qui peut (la vie)]


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France/Austria/West Germany/Switzerland︱1980︱Color︱French︱35mm︱87min

●台北 12/5(六)20:00︱ 12/8(二)12:40︱ 12/11(五)18:00
    12/14(一)11:00︱ 12/16(三)12:50︱ 12/20(日)14:30
     12/22(二)22:00︱ 12/24(四)11:00
●高雄 1/6(三)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

★1980 坎城影展正式競賽片
★1981 法國凱薩獎最佳女配角得獎
(Nathalie Baye)最佳影片與最佳導演提名
《人人為己》這部既悲觀又具驚人視覺的電影,標記出高達自70年代錄像作品時期回歸電影的訊息。影片呈現三個各自處在人生轉捩點的人物短暫交錯的生活:Jacques Dutronc飾演電視節目製片Paul,每個月探望離婚的妻子,以及正值青春期的女兒;Nathalie Baye飾演他的同事和前女友Denise,剛下決心辭掉工作,搬到鄉間探索新的生活;伊莎貝‧雨蓓則飾演從鄉村來的年輕女子Isabelle,在街頭以賣淫維生,和Paul有過性交易,也承租了Denise的公寓。影片分為「想像」、「商業」、「人生」和「音樂」等四個段落,前三段各自以某個人物為重心陳述,最後一段則將三個人物的命運關連起來。本片由高達和米耶維勒共同合作劇本與剪輯,還請來布紐爾的編劇搭檔Jean-Claude Carrière精心潤飾劇本。三位法國明星演員的參與對本片的票房成功無疑有極大幫助,高達也難得地幾番親赴紐約積極宣傳在美國的上映。 本片是高達回到原點重新出發的作品,他稱本片為「第二階段中的第一部電影」,是他以感傷之情為瑞士鄉間的美麗風情譜寫的一首頌歌,既愉悅又絕望,因為影像之美對比於現代社會讓人窒息的桎梏。片中藉著烏鴉為適應不同棲息地而改變習性的觀察,對比人們從農村遷徙到城市所面對改變的困難。《Camera Obscura》雜誌認為本片是高達最常被討論的電影之一,因為觸及到色情與情慾、暴力與言辭、性與消費主義、工作與經濟…等資本主義社會的議題。賣淫與女性的社會角色向來是高達關注的課題(如早期作品《賴活》以及《我所知道她的二三事》),在本片更赤裸揭露男性性慾引發的暴力和殘忍。七○年代末色情電影工業泛濫,高達更藉由片中一段妓女根據客戶要求進行複雜表演的情節,說明欲望消費的行為模式與商業電影的生產手法如出一轍,目的都在取悅觀者。片中出現莒哈絲的聲音旁白,談到為何拍電影、兩性的不同、創作與生命的關係…等等,無不讓人聯想到高達是藉著作家清澈又感性的話語以自況。與其說高達想講故事,不如說本片更接近一篇散文,透過英文片名《slow motion》(慢動作)這種實驗影像調度的技法,試圖探討關於愛、工作與電影本質的問題。錄像媒材的特質讓流動的影像產生斷裂,透過刻意的停格、緩慢格放,使影像如照鏡子一般自省。高達透過一再斷裂、不連續的影像,說明錄像媒材不同於以往的膠卷影片,不再擔負「拯救生命」(sauver la vie)的偉大使命。 Slow Motion, a pessimistic but visually stunning film, marks Jean-Luc Godard's return to cinema after having spent the 70s working in video. The film presents a few days in the lives of three people: Paul Godard (Jacques Dutronc ), a television producer; Denise Rimbaud (Nathalie Baye), his co-worker and ex-girlfriend; and Isabelle Riviera (Isabelle Huppert), a prostitute whom Paul has used. Denise wants to break up with Paul and move to the country. Isabelle wants to work for herself instead of her pimp. Paul just wants to survive. Their stories intersect when Paul brings Denise to the country cottage he is trying to rent and Isabelle comes to see it without knowing that the landlord has been her client. The film is broken into segments entitled "The Imaginary", "Commerce", "Life", and "Music." Each of the first three sections focuses on one character and the last section brings all three characters together. This complex film is often closer to an essay than a story; it uses slow motion and experimental techniques to explore questions of love, work, and the nature of cinema.


激情
Passion


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France/Switzerland︱1982︱Color︱French/German/Polish︱35mm︱88min

●台北 12/5(六)16:20︱12/9(三)15:10 ︱12/13(日)20:40     12/15(二)16:40︱12/17(四)22:00 12/20(日)16:20     12/21(一)20:20


劇情簡介                          回影片頁面

★1983法國凱薩獎最佳影片、導演、攝影提名
★1982法國坎城影展競賽片、高等技術大獎(攝影師Raoul Coutard)

這不是車,這是飛行地毯,走吧~公主! 影片中導演最後樂觀的這句話,讓《激情》成為高達少數以甜美收尾的電影。鏡頭開始擺在藍天的開頭,然後交錯的三個跳接鏡頭,伊莎貝雨蓓飾演失業的女工一邊吹著口琴一邊抗議,漢娜席古拉則是在旅館內穿衣服的老闆娘,傑茲拉奇威洛茲飾演的導演正在拍一幕很像林布蘭名作《夜巡》的場景,高達音畫分離的慣用結構再度瓦解故事的主軸,而《激情》瓦解的是許多不同時期的古典名畫,並拆解當中元素分散至這部電影,進而延伸到資方及創作者(同時也是商業與藝術)理念上的拔河。 《激情》也是一個導演在拍一部「電影」的過程,一個女工在抗爭她的工作,女工的漫遊、抗爭跟導演的迷惘、無表情的畫作人物如出一轍。而穿著貂皮的老闆娘漢娜冷眼一切。而女工/工廠、導演/片廠,勞資關係也成為高達諷刺資本的對比,這種抗爭的迷失,成為了電影打散秩序的一個起點,最後調解糾紛的導演付不出錢,女工抗爭失敗,女工與旅館老闆娘原來是導演的新歡及舊愛,角色彼此關係之嘲諷跟瓦解,同時也讓影片聯想出更多的隱喻。高達巧妙的以漢娜觀看自己表演的舊畫面,支解出戲劇跟人生之間的故事,對比交融出一種奇妙的藝術美感。最終,伊莎貝上了漢娜的車(資本的象徵),前往波蘭,對映著漢娜一開始坐在車內的凝視,好像她早已預視與祝福了整趟神秘旅程的發展。 高達運用並分解了藝術史上的經典畫作,如林布蘭的《夜巡》、哥雅的《1808 年5月3日》以及德拉夸的《十字軍進入康士坦丁堡》。這些畫作內含各式的激情:有肉體的激情、抗爭的激情、犧牲的激情、更有革命的激情。高達還用了如貝多芬、莫扎特的古典樂調和氣氛,讓影像看來多麼的美好,但實際卻把故事的這些內在衝突降到最低。三位演員皆以本名演出,顯出另一種真實界線模糊的對照,最後所有畫作的人物同時出現在同一個場景,更是一種破裂後的重組新意。當個人的激情無法喚起同伴的激情,是無法成就作品的。於是,當熱情被支解、曲解,那這種熱情可以被重組認同嗎?
On a movie set, in a factory, and at a hotel, Godard explores the nature of work, love and film making. While Solidarity takes on the Polish government, a Polish film director, Jerzy, is stuck in France making a film for TV. He's over budget and uninspired; the film, called "Passion," seems static and bloodless. Hanna owns the hotel where the film crew stays. She lives with Michel, who runs a factory where he's fired Isabelle, a floor worker. Hanna and Isabelle are drawn to Jerzy, hotel maids quit to be movie extras, people ask Jerzy where the story is in his film, women disrobe, extras grope each other off camera, and Jerzy wonders why there must always be a story.


芳名卡門
First Name : Carmen(Prénom Carmen)


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France/Austria/West Germany/Switzerland︱1980︱Color︱French︱35mm︱87min

●台北 12/10(四)18:50︱ 12/12(六)11:00︱ 12/14(一)12:50
    12/15(二)18:30 12/16(三)18:40︱12/20(日)18:10
    12/23(三)20:50︱ 12/25(五)11:00
●高雄 1/7(四)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

★1983 威尼斯影展金獅獎最佳攝影與最佳音效獎

法國劇作家Prosper Merimee所著的《Carmen》是最常被改編,耳熟能詳的文本之一,除了比才的歌劇版本,電影版本則有西班牙導演索拉執導的歌劇電影《卡門》(Carmen,1983),以及美國導演Otto Preminger的音樂劇《新胭脂虎》(Carmen Jones,1954)。高達的版本更為複雜,彷彿多聲部的樂曲,由《卡門》的多個文本,加上貝多芬弦樂四重奏、電影的拍攝計畫、進行中的電影…,相互對應、引述、衝突、合奏,時而感傷、時而疏離、時而狂暴,讓觀眾如臨激昂澎湃的Jone Zones現代樂表演現場,需要緊繃全身的神經感官才能招架。 《芳名卡門》由兩個平行的故事構成,其中一個故事是一個室內樂團排練貝多芬四重奏的段落。另一個故事是年輕女子卡門與同伴計畫搶劫以籌措拍片經費的過程。卡門到醫院探望自願住院的古怪電影導演叔叔(由高達極為逗趣的精彩扮演),向他商借位在海邊的別墅來拍攝電影,其實是為了搶劫銀行之後的避難之用。銀行守衛荷西對搶匪卡門產生迷戀,甚至和她一起逃走。卡門後來對他冷淡疏離,又與其他綁匪若有似無地調情,讓荷西由忌妒轉成恨意。片尾預謀在餐廳綁架實業家的計畫失控─以為身處拍攝現場的導演叔叔突然興致盎然而導起戲來─槍聲響起,釀成悲劇。 飾演卡門的Maruschka Detmers是首次演出電影,後來因為在義大利導演Marco Bellocchio的《肉體惡魔》演出而知名。本片一開始,Maruschka Detmers即宣稱「我是不該被稱為『卡門』的女孩」,揭示這則關於宿命與企圖掙脫命運的悲劇命題。本片由Miéville擔任編劇與改編,具有複雜的文本,古怪、跳躍的敘事,精彩的音樂/聲音運用等典型高達影片元素。整部影片的旋律節奏由貝多芬四重奏的演出所驅動,暗示片中的人物也如同受到莫名的力量所操作,扮演神秘的角色與情境。(高達在《悲哀於我》和《輕蔑》片中也用了類似的手法)。本片的卡門也引用《新胭脂虎》片中卡門對荷西說的話語:「如果我愛上你,你的死期就到了。」 本片是對八○年代青年的痛苦處境、對電影和資本主義的關係,以及如何拍攝身體的深思之作。高達以精心安排的鏡頭捕捉演奏音樂的身體、親密撫觸的身體、激烈衝撞的身體,大量的裸露畫面乍看像是迎合商業的妥協之舉,實則冰冷疏離的氛圍卻點醒觀眾影像的深層意涵。片尾出現的字句「謹記小製作成本電影」,說明高達試圖在布萊希特式的劇場美學與主流品味之間取得平衡。本片以Raoul Coutard美不勝收的攝影與傑出的音效設計(François Musy,也是高達長期合作的搭檔)獲頒當年威尼斯影展特別技術獎項。在構圖優雅、線條俐落如羅丹雕塑作品的影像中,仍維持了高達慣有的抽象構圖與自然打光手法。他甚至在片中少數“迎合主流口味”的片段中用了Tom Waitts感傷抒情的歌曲《Ruby's Arms》長達四分半鐘。這首高達的卡門現代變奏曲對高達影迷來說無疑是美味的饗宴,對主流電影觀眾來說也是高達最可親近的影片之一。
During a failed bank raid, a terrorist named Carmen is seduced by a security guard, Joseph. To escape arrest, Carmen appears to submit to her obsessed lover and the two take refuge in a seaside apartment. However, Carmen remains committed to her terrorist activities and plans a kidnapping, whilst pretending to film a documentary for her uncle, once a great film director. How will Joseph react to Carmen's apparent indifference to their relationship?


拒絕遺忘
Against Oblivion
(Contre l'oubli)

C. Akerman, R. Allio, J. Becker, J. Birkin, J.-M. Carré, P. Chéreau, A. Corneau, Costa-Gavras, R. Depardon, J. Deray, M. Deville, J. Doillon, M. Franck, G. Frot-Coutaz, P. Muyl, F. Girod, J.-L. Godard and A.-M. Miéville, R. Goupil, J.-L. Hubert, R. Kramer, P. Leconte, S. Moon, M. Piccoli, A. Resnais, C. Serreau, B. Tavernier, N. Trintignant︱France︱1991︱Color︱French︱Video︱112min

●台北 12/6(日)13:00︱ 12/10(四)13:00︱ 12/11(五)19:50
    12/18(五)14:40︱ 12/23(三)18:40
●高雄1/3(日)14:00


劇情簡介                          回影片頁面

這部影片集結了30位知名的法國電影工作者,包括雷奈、薛侯、香妲‧艾克曼、雷蒙德‧巴東、克萊兒‧丹尼絲、羅伯‧克拉瑪、高達和米耶維勒…在內,每位各自完成一篇電影陳情書,代表一位政治犯向世界揭發人權遭受剝削的真相。現今世界各地有數不清的男女老幼被囚禁,遭到虐待,有些是因為政治因素,有些則僅僅只因為信仰或族裔不同。為了紀念國際人權特赦組織成立30週年,並且希望對囚禁的單位施加壓力,邀請演員和電影導演聯合寄送公開的陳情書給各個國家的官方單位,要求立刻釋放這些囚犯。 片中的每位導演都熱烈地為自己所代表的個人發聲,他/她的人生遭到無情、偏狹的政治立場、長期的監禁、刑求甚至殺害所扭曲,他們斑斑血淚的苦難透過鏡頭記錄下來,再真實不過地呈現在我們眼前。其中,高達和米耶維勒關切遭到長期囚禁的印尼西巴布亞(West Papuan)獨立運動人士Thomas Wanggai的艱困處境。新聞攝影與紀錄片大師德巴東以充滿想像力的低限手法,為哥倫比亞的人權工作者發聲;雷奈條理清晰的辯論讓他代表的古巴政治犯具有高度的說服力。演員Anouk Grinberg 以直接面對鏡頭的獨白手法,痛陳緬甸軍政府對民運人權鬥士翁山蘇姬長久以來的迫害。對觀者衝擊最劇烈的恐怕是Martine Franck處理的段落,新聞攝影大師Henri Cartier-Bresson親眼見證茅利塔尼亞屠殺兒童的慘烈歷史。經歷十幾年牢獄之災的中國知名異議人士王希哲,則是Gérard Frot-Coutaz代表拍攝的人物。 雖然有共同的訴求,這部影片集錦並未掉入悲情控訴或政令宣導片式的窠臼,每位導演以各異的作者風格與手法,將每位主人翁的「個人主體性」(individual)戲劇化地彰顯,宛如一張張帶著無比尊嚴的臉孔,提醒我們人權工作仍有漫長的道路要走。
Contre l'Oubli (Against Oblivion) is a compilation of 30 French filmmakers, Alain Resnais and Jean Luc Godard among them, who use film to make a plea on behalf of a political prisoner. Jean Luc Godard and Anne Marie Mieville's film concerns the plight of Thomas Wanggai, West Papuan activist who has since died in prison. All over the world, men, women and children are held prisoner and tortured, sometimes for political reasons, often simply because of their beliefs or origins. For its thirtieth anniversary, and to step up the pressure, Amnesty International asked actors and directors to send an open letter to the authorities of various countries demanding the release of a prisoner.


永遠的莫札特
For Ever Mozart


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France / Switzerland︱1996︱Color︱French︱35mm︱80min

●台北 12/9(三)17:00︱ 12/13(日)16:40︱ 12/14(一)20:00
    12/15(二)20:10︱ 12/19(六)16:40 12/21(一)16:50     12/24(四)16:50


劇情簡介                          回影片頁面

★1996 威尼斯國際影展正式競賽

90年代的歐洲上演不斷爆發的內戰、種族和宗教衝突,甚至是滅族屠殺的集體罪行。《永遠的莫札特》是一首為薩拉耶佛譜寫的奏鳴曲,也可視作「永遠的戰爭」的隱喻。本片被法國的《電影筆記》譽為高達晚期的傑作之一,也廣受報章媒體好評。 本片以古典奏鳴曲形式為架構,序曲為貧窮、失業問題與演員試鏡,結尾是莫札特的音樂演奏,主樂章則述說年輕理想的Camille(法國作家卡謬的孫女)與夥伴計畫開著祖父遇害的汽車,前往薩拉耶佛搬演一齣法國詩人謬塞的喜劇《愛不可兒戲》(One Mustn't Play at Love),還未到達卻捲入戰亂之中,被塞爾維亞士兵綁架而遇難;同時,Camille年邁的導演父親,帶著劇組人員在薩拉耶佛進行一部企圖挑戰好萊塢的電影大製作,《宿命的波麗路》(The Fatal Bolero)。兩條敘事線平行發展,不論是戲劇或是電影都未能如預期地完成,懷抱理想的年輕人淪為戰爭犧牲品,電影製作人捲款潛逃,勉強上映的影片不受觀眾青睞,紛紛改看好萊塢商業片。影片最終以一場莫札特的音樂演奏會,一頁翻動的樂譜畫面作結,引人沉思。 片中多處無比優美的室內景一再呼應十七或十八世紀的西方繪畫,不同於前作,高達這次以詩意瑰麗的意象取代艱澀的語句,試圖呈現他對西方文化以及電影創作過程的省思。大提琴低沉樂聲的片段,時而清晰時而斷裂的對話人聲,讓全片始終籠罩在陰鬱不安的氣氛中。片中清楚觸及薩拉耶佛慘烈內戰的社會問題,然而高達真正的關切是哲學命題,他借片中人物之口提問:「過多的罪惡比缺席的良善更糟嗎?」他也再次巧妙地將古典藝術文本(如卡謬、謬塞、莫札特…等) 以及通俗文化的指涉(如約翰福特、《魔鬼終結者》)結合,打破藝術的「純粹性」。戰爭中砲彈四射、屍體橫臥的場景,與電影中的電影《宿命的波麗路》拍片現場的交叉剪接,將影片中心象徵─「戰爭有如一場古典音樂」的嘲諷之意表達無遺。 本片的劇情讓人聯想起美國文化評論家Susan Sontag於1993年前往圍城中的薩拉耶佛執導荒謬劇《等待果陀》,期望能藉戲劇之力提醒世人正在發生的不義侵略。高達對戰爭的野蠻殘酷的回應,不是拍出廉價的奇觀式新聞影片,而是依序以編舞、默劇和舞蹈形式,將戰爭受害者改觀,賦予他們的身體一種詩意的自由。人物在火山上舞蹈,以從容優雅之姿面對死亡的威脅。高達在本片將身體與自然的關係視覺化,提出對身體作為文化抗拒新型態的關注,之後在《歌頌愛情》有更深入的探究。
A grizzled film director sets out with several members of his household including the fictitious granddaughter of Albert Camus) to stage a Musset play in embattled Sarajevo. As these modern-day Quixotes proceed on their fool's quest through the bloody chaos of Bosnia, Godard provides witty, wintry updates of earlier masterpieces. For Ever Mozart mixes fast-paced intellectual vaudeville and graceful philosophical reflections and startling moments of quiet beauty that pierce through the rapid fire barrage of quotation and gunfire.


歌頌愛情
In Praise of Love
(Eloge de l'amour)


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France/Switzerland︱2001︱Color/B&W︱French︱35mm︱97min

●台北 12/6(日)21:00︱ 12/8(二)16:20︱ 12/12(六)14:40
    12/17(四)11:00︱ 12/19(六)18:20︱ 12/21(一)14:50
    12/24(四)12:50


劇情簡介                          回影片頁面

★2001坎城影展正式競賽片

導演Edgar想拍攝一部關於『愛情中四個階段裡的片刻』(相遇、激情、分離、重逢)的電影,他面試女主角Elle,感覺她好像是最適合的人選,但彷彿又有甚麼在她背後。接著影片倒敘,我們得知他們相識於兩年前的海邊,當時 Edgar 參訪一對從納粹屠殺下殘活的老夫婦,夫婦希望出售他們的故事給好萊塢 ,而Elle 正是協助老夫婦售出這些真實故事的孫女。 Edgar帶著觀眾進入漫遊的階段,打碎所有看似可以連結的線索,不斷用字卡來插入並斷裂情節,用新的尋找來回憶(再讀)一種舊的(新的)感情與事件,進而把舊的感情(歷史)延伸來檢視新的情感(社會架構),於是這四個愛情片刻,層層相連的不只是個人的情愛,在舒緩的鋼琴聲、鏡頭神妙的運轉下,影片優雅詩意的帶著觀眾一起看到巴黎的/黑白/新舊交替/跨國的/悲劇/彩色/歷史翻新,這些猶如漫遊的片刻,都被角色與導演以言語的吐露跟干擾,重新被研究了一次。 年過七旬的高達說:「這部影片是對我個人的超越。」,在他的許多電影中,愛情與政治往往被他獨創的指涉到諸多事物,可以是工作,也可以是國際關係,商業的短期利用,更可以是所有的不確定跟確定。歷史與政治,悄悄的被安置並賦予多重的意義。比如面試演員跳到面試員工,將工作隱喻為低層平民渴求的愛情,真實的愛情或者正確的制度與對待,對於無所適從的人類,都是一種難見的禮讚。 最終電影回到了開頭的形式爭辯,歷史跟情愛都是帶著他人的影子,但卻以一種隱匿的姿態存在於現在式當中。所以現今形式之下的意義是什麼?藍色的直升機緩緩飛起,海邊的詩樣語言,攝影由黑白到彩色,但彷彿影片說的老故事,悲劇的定義,碰觸的恐怖事件、全球化、工人階層的逐漸縮小等社會議題,皆由個人事件漸漸延伸至整個全球化。科索夫與塞爾維亞的複雜關係,也被引用至這種愛情關係的片刻當中。當然嘲諷商業好萊塢(史匹柏及鐵達尼號)依舊存在於這部影片中。始終為左派發聲的高達,依舊尖酸的諷刺了許多大工業下的空乏及資本主義。高達藉由那難以理解的四個片刻,從過去到現在,前後呼應的結局,緩緩輕盈地讓《歌頌愛情》成為一部美麗至極的傑作。本片片名舊譯為《愛情研究院》。
A filmmaker Edgar is preparing to make a film about the four stages of love (meeting, passion, separation and reconciliation). Having secured financial backing, his biggest problem is to find a suitable young woman to play his female lead in the film. When finally he finds his ideal actress, a young lawyer named Berthe, she dies soon afterwards. Convinced that he has met her somewhere before, Edgar looks back on his recent past. He recalls a time, two years ago, when he met an elderly couple who were in the process of selling their wartime experiences in the French Resistance to a Hollywood film production company. It was here that Edgar met Berthe for the first time...


真假護照
Vrai faux passeport


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱2006︱Color︱French︱Video︱55min

●台北 12/7(一)19:10︱ 12/11(五)11:00︱ 12/17(四)16:40
    12/20(日)19:50︱ 12/22(二)16:30
●高雄 1/1(五)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

這部影片是高達為他在龐畢度中心的展覽「烏托邦之旅,1946-2006,尋找消失的定理」所特別做的影片,是展覽裝置作品之一,也是與展覽一起舉行的高達完整作品回顧的壓軸之作。高達引用了29段來自二十世紀電影、電視與歷史的片段所組成。開始時高達引用詩人哲學家聖奧古斯汀的話說:「人人都愛真實,以致連說謊者都希望自己說的話是真實」。接著他以一系列的影像與聲音,帶領我們去「看」,或者說「想」,何謂真實?包括當時的法國文化部長André Malraux為二次大戰反抗英雄Jean Moulin安置忠烈祠所唸的祭禱文、Peter Watkins的《巴黎公社》、香妲‧艾克曼的《東方》、高達自己的《此處與彼處》、Vincent Gallo的《棕兔》、羅塞里尼名作《德意志零年》、好萊塢電影《女人香》…等。導演使用疊印、完全靜音或緩速度的方式,完成這部他稱為「劇情紀錄」體(Fiction documentaire)的作品。所以,劇情是真實?紀錄是真實?
Vrai Faux Passeport is a “documentary fiction” video created for the grand retrospective of Jean-Luc Godard held by Centre Pompidou in 2006. The film comments on the rating by critics of television and the images of cinema from 20th century. Godard, who appears increasingly concerned with historical memory and with the need for preserving his own oeuvre, lures his viewers with these teaser-clips.


為拒絕者祈禱
Prières pour refusniks


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱2004︱Color︱French︱Video︱11min

●台北 12/7(一)19:10︱ 12/11(五)11:00︱ 12/17(四)16:40
    12/20(日)19:50︱ 12/22(二)16:30
●高雄 1/1(五)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

這部由上下兩部短片組成的錄像影片是高達的兩封電影書信,目的在聲援在巴勒斯坦佔領區,因拒絕配合官方旨意服役而被捕入獄的五位以色列年輕士兵。這兩部以錄像攝製的短箋,是一連串關聯的引述、象徵和隱喻,有如聲音和影像拼貼而成的美麗詩歌。 第一段影片中,高達從自己的舊作《槍兵》(Les Carabiniers, 1963)中摘取片段,內容是一位年輕女孩在行刑前朗誦俄國詩人Vladimir Majakovskij的詩作,背景伴隨法國詩人歌手Leo Ferré演唱的歌曲《迫害》(L'oppression)。第二段影片中,關於巴勒斯坦衝突的照片和「反抗」的概念(尤其是「天安門事件」),與使用藍、綠兩色手繪「大衛星」的鏡頭交錯剪接,而藍與綠正是希伯來教和伊斯蘭教的兩個象徵性顏色。片尾,出現「停下,柏林!你正和死神跳舞!」的警示文句(引自德國達達主義藝術家Walter Mehring所寫的歌詞),再轉成「停下,耶路薩冷!你正和死神跳舞!」,藉以提醒以色列勿重蹈歷史覆轍。
Two film letters dedicated to the “refusniks,” the 5 young Israeli soldiers who were condemned for having refused to do their military service in the occupied territories as conscientious objectors. In the first, Godard shows the firing squad scene from his film Les Carabiniers (1963), in which a young girl recites a poem by Majakovskij before the firing squad and is accompanied by the song L'oppression by Leo Ferré. In the second letter, photographs about the Palestinian conflict and the idea of resistance (in particular Tienanmin Square) alternate with shots of a hand painting the star of David using the symbolic colors of Hebraism and Islam: blue and green. At the end, the following words appear: Berlin, Halt ein! Dein Tanzer ist der Tod (Berlin, stop! You are dancing with Death), from a song by the German Dadaist Walter Mehring, which becomes Jerusalem, Halt ein! Dein Tanzer ist der Tod.


還要更高
Clip Plus Oh!


尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1996︱Color︱French︱Video︱4min

●台北 12/7(一)19:10︱ 12/11(五)11:00︱ 12/17(四)16:40
    12/20(日)19:50︱ 12/22(二)16:30
●高雄 1/1(五)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

在作曲家丈夫Michel Berger過世三年後,法國著名的歌星France Gall於1996年時決定出版一張紀念專輯,她寫了一封信給高達,希望高達能幫她拍一首名為《還要更高》(Plus Haut)的MV,那是丈夫特別寫給她,也是她最喜愛的歌曲。高達答應了,但在一起看了MTV的短片時,高達對她說:「我們不會是要拍這種東西吧!」。高達只是在整部MV的最後拍了France Gall的眼睛和嘴巴,將Plus Haut改成Plus Oh!(意為「喔!」,但發音與「高」近似),並在影片中以字卡揭示整首歌曲是一個隱喻。這部MV只曾在電視上播過一次,卻是高達創作生涯中極為特殊的作品。
The short is a MV clip for the song by famous French singer France Gall, "Plus Haut", shown only once on channel M6. For preparation, Godard viewed some MTV for reference and totally disagreed with the commercial style. He finally made a unique MV quite different than usual ones.


二十一世紀的起源
Origins of the 21st Century (De l'origine du XXIème Siècle)

尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France/Switzerland︱2000︱Color︱French︱Video︱15min

●台北 12/7(一)19:10︱ 12/11(五)11:00︱ 12/17(四)16:40
    12/20(日)19:50︱ 12/22(二)16:30
●高雄 1/1(五)19:00


劇情簡介                          回影片頁面

這部短片是高達受2000年坎城影展委託拍攝以作為開幕影片,目的在回顧以及向電影百年致敬。這部短小精練的影片,飽含極高密度的聲音與影像蒙太奇,足以做為高達近年來作品的絕佳入門導覽。 在這部影片中,高達再次運用他在錄像電影鉅作《電影史》的並置與字卡插入手法,探索他向來關注的主題與風格。片中滿載過去眾多敘事文本的斷簡殘篇,也是我們存活過的20世紀的人類產物。大量的影像蒙太奇在銀幕上閃爍,宛如快轉上個世紀戰爭暴力歷史慘烈的跑馬燈:科索夫難民營加上士兵虐囚畫面、庫柏力克的《鬼店》加上小女孩張大的眼睛、殘破的越戰新聞影片加上《斷了氣》中的珍西寶特寫…。然而,如果觀者陷入高達巧妙的雙關語和文化指涉的猜謎陷阱,那將削弱甚至摧毀本片真正的力道。以多重角度和面向閱讀本片對熟知電影史的影迷的確極富挑戰性,然而本片影像的衝擊效果卻是再直接不過。短短十五分鐘內,高達企圖再現與反思的不僅只是20世紀,而是整個人類的歷史。
L'Origine du XXIème Siècle is a fifteen-minute film directed by Jean-Luc Godard. The short was commissioned for the opening of the 2000 Cannes Film Festival as a reflection of or tribute to the centenary of cinema. Although the film is short, its dense montage of sound and image is an excellent way in to the more recent work of Godard. Godard offers up a barrage of re-edited footage of wars and Nazi atrocities, interspersed with clips of Maurice Chevalier in "Gigi" and Godard's own "À bout de souffle."


昨日女孩
Yesterday Girl (Abschied von gestern)

亞歷山大‧克魯格 Alexander Kluge︱Germany︱1966︱B&W︱German︱Video︱88min

●台北 12/6(日)17:00︱ 12/12(六)16:40︱ 12/14(一)21:40
    12/18(五)21:10︱ 12/23(三)11:00︱ 12/25(五)16:20


劇情簡介                          回影片頁面

★1966 威尼斯影展評審團特別獎、天主教國際電影視聽協會特別推薦獎
★1966德國電影金獎最佳劇情長片、最佳導演、最佳女演員、最佳男配角
★1989「德意志聯邦共和國四十周年紀念」特別電影獎

這部影片是德國新電影早期代表作品,是一首熱情卻徬徨的年輕歲月輓歌,由導演克魯格改編自己的小說《Anita G.》而成,描寫一位生於東德萊比錫的年輕猶太女孩Anita,從窮困的東德來到西德追求更好的生活,卻發現自己無法融入逐漸邁向資本主義的社會。影片一開始以Anita被起訴偷竊同事外套的法院審判,點出她的弱勢背景。她在旅館當清潔女工,又被誣指偷竊而遭到解雇;她想到大學進修,因付不出學費,被勒令搬離宿舍,轉向教授求助,後者只是大談閱讀、知識之必須等自以為是的空話。她和一個已婚的公務員交往,後來被拋棄,懷著身孕流落街頭,被迫偷竊維生。最後,走投無路的她向警察自首,在拘留所等待嬰孩的出生...。 這樣的劇情乍聽之下有如社會版新聞的殘酷現實,克魯格這部傑出的電影首作卻打破傳統電影的敘事手法,呈現一位東德女孩在西德的經歷,進而映照出二戰終戰20年後,東西德社會相互羈絆、拉扯的處境。克魯格棄絕主流電影擅用的流暢敘事手法與合理的情節安排,刻意以斷裂、跳躍的手法打斷觀眾的觀影習慣,不斷提醒我們Anita東德/猶太移民的雙重「異鄉人」身分,她的父母輩遭秘密警察迫害的歷史背景。保守的教會企圖以教義將她感化,卻忽略西德社會讓她感受到的冷漠與疏離。片中也點出西德人對東德人的優越感,表達克魯格對勞工階級,特別是年輕女性勞工的關切,以及德國新電影導演一代都無法迴避的課題─對德國歷史的檢視。德語片名直譯的意思為「告別昨日」,暗示著當時的西德人民正努力忘記過去,追求經濟發展,而Anita象徵的是時代的受害者。 深受高達影響的克魯格運用了大量手持攝影,營造出迷人的紀實風格:如街景、人潮的速寫、人物的特寫鏡頭;影像快慢節奏交叉剪接造成的音樂性與趣味;夜間高反差黑白攝影的光影遊戲…等。而片中穿插如騎兵偶動畫、仿喜劇默片的荒謬卡通效果、新聞靜照的歷史指涉、穿插字卡,甚至是超現實的場景…等充滿暗示與想像的素材,以及處理聲音的手法,都能看見高達的影響。本片的形式風格和主題猶如高達早期代表作《賴活》的德國姊妹版(由克魯格的妹妹Alexandra Kluge飾演的主角Anita,甚至有著與Anna Karina相似的外貌與氣質。),內容卻承載了更加沉重的歷史包袱與悲傷,更富有德國傳統浪漫主義色彩。 克魯格是60年代德國新電影主將之一,曾在「奧柏豪森宣言」中宣稱舊電影已死,他也親身實踐,不以提供娛樂為電影拍攝的目標,希望呈現生活和歷史的真相。第二部長片《馬戲團藝人》(The Artists in the Ring: Perplexed, 1968)即獲得威尼斯影展金獅獎,之後陸續拍過幾部以德國歷史和社會為題材的重要電影。他在80年代末轉往電視製作發展,成立獨立製作公司以自製電視節目。

YESTERDAY GIRL, the stunning feature debut by Alexander Kluge, launched the movement know as the New German Cinema after the film s triumph at the Venice International Film Festival when the press hailed it as the rebirth of German film. At the heart of YESTERDAY GIRL is the performance of Alexandra Kluge, the director s sister, who stars as a young East German woman named Anita G. Carrying all of her belongings in a flimsy suitcase, Anita passes through the Berlin Wall looking for a better life in the promised land of West Germany. But, that dream eludes her because she can t let go of the childhood and past experiences that have determined her unfortunate path. No other director gets at the heart of his country s history and culture like Kluge.


盲目的愛情–與高達對談
Blind Love - Talk with Jean-Luc Godard (Blinde Liebe - Gespräch mit Jean-Luc Godard )
亞歷山大‧克魯格Alexander Kluge︱Germany︱2001︱Color︱German/French︱Video︱24min

●台北 12/6(日)17:00︱ 12/12(六)16:40︱ 12/14(一)21:40
    12/18(五)21:10︱ 12/23(三)11:00︱ 12/25(五)16:20


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這部精彩迷人的高達訪談拍攝於《歌頌愛情》剛完成不久,高達的影迷克魯格,也是德國新電影的代表導演,一開始以「盲目的愛」向高達提問。高達回答說,新浪潮的導演在看到電影之前已經愛上電影,毫無質疑與分別,一如盲目的愛情。克魯格說到電影原本的路已經摧毀,讚頌高達開啟了想像的電影之路,並向他提出拍片的概念,詢問他認為自己拍過的最短和最長的影片。克魯格接著提出更多刁鑽的,關於人生與藝術的重要問題,如人的年齡、漂流荒島時想帶的電影、如何對外星人定義電影、法國和東德統一如何…,巧妙地引出高達出乎自己意料之外的想法。高達一貫帶有波赫士迷宮般邏輯思考的答覆,時而清晰明智、時而帶有另類的趣味、時而交織著回顧過往歷史與人生經歷的感觸,在在引人遐思。 高達在訪談中談到他對經典電影/類型電影,經典文學/通俗文學的評價,他對德國文學的喜好,以及拍攝《新德意志零年》 (Allemagne 90 neuf zéro)的動機。他將拍攝電影比喻成騎士保護聖杯的使命。談到對人生階段的看法,他說只有最年幼和最年長的人才是真的人,夾在中間的成人都需要尋找自我的定義。成人為社會而活,他們的故事往往未被好好地訴說。當時已年屆70的高達自嘲是個老小孩,或者是個年幼的老人。看電影、寫影評和拍電影對他來說是一樣的,默片和有聲片並無分別;而電影是差勁的歷史學家,仍有待努力。這次的訪談不僅是一窺高達思路的難得契機,讓我們清楚看到他對克魯格亦師亦友的重要影響,也為克魯格持續對電視訪談規則的挑戰與實驗做了最佳示範。

A charming interview with Jean-Luc Godard from 2001 in which the director reveals more than he perhaps intentionally planned. A short account on the most important questions in life and art: Kluge's interview shows in the best way his permanent attemptto play with the rules of TV interviewmaking.


與高達對話片段
Fragments of Conversations with Jean-Luc Godard
(Morceaux de conversations Avec Jean-Luc Godard )
亞倫.佛萊雪 Alain Fleischer︱France︱2007︱Color︱French︱Video︱125min

●台北 12/7(一)14:50︱ 12/9(三)11:00︱ 12/12(六)20:50
    12/13(日)18:20︱12/18(五)16:50︱ 12/24(四)18:30
●高雄 1/5(二)19:00


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★2008布宜諾斯艾利斯獨立影展
★2007瑞士盧卡諾影展
★2007義大利都靈影展

從2004年開始,高達在法國北方著名當代藝術工作室La Fresnoy授課,課程名稱是《法蘭西拼貼》(Collage(s) de France),這原本是他希望在「法蘭西學院」(Le Collège de France)開的課程,但被法國最高學府拒絕。於是高達將其課程改頭換面,因法文Collège(學院)與Collage(拼貼)字形與發音接近,他以《法蘭西拼貼》之名重新上陣。身兼La Fresnoy校長的法國導演Alain Fleischer接手高達的這項計畫,與當時是龐畢度中心電影部主任的Dominique Païni合作,計畫讓高達巡迴世界九個地方授課,並完成九部影片,最後在龐畢度中心展出這九部影片。只是課程才一開始,善變的高達就改變計畫。企圖向各美術館調借繪畫與雕塑,以裝置的方式將《法蘭西拼貼》的概念以畫展的方式在龐畢度中心展出。於是他改變影片的拍攝內容,要求Alain Fleischer到他位於瑞士小鎮Rolle的工作室,像拍畫家在畫室工作一樣拍他準備展出的過程,並由高達指定其他受訪的導演與影評如:Dominique Païni、Jean Narboni、André S. Labarthe、Jean-Marie Straub, Danièle Huillet …。 另一方面,高達曾經是比利時導演香妲.艾克曼(Chantal Akerman)的偶像,他的《斷了氣》讓她決定踏上電影創作的道路。但是高達的《我們的音樂》裡年輕猶太人搬運炸彈的場景卻讓Akerman怒火中燒,寫信怒批高達「反猶太」,高達則在《真假護照》中以重組Akerman《東方》的影像回敬。事實上,關於高達「反猶太」的聲音從沒斷過,他在《此處與彼處》中將以色列建國鐵娘子 Golda Meir與希特勒對照;在與楚浮的著名的爭吵中,挑明製片Pierre Braunberger 是「骯髒的猶太人」 (sale juif),都已是電影圈內流傳已久的秘辛。這一切,高達都在本片中一一反擊。 寂寞且自我放逐的高達,長期在不被理解的道路上前進,他不斷地推翻自己的定論與既定的計畫,最後他甚至推翻《法蘭西拼貼》的展覽構想,以「烏托邦之旅,1946-2006,尋找消失的定理」(Voyage(s) en Utopie, 1946-2006, à la recherche d'un théorème perdu)為名,在龐畢度中心展出一個幾近廢墟的場景,並在展場接受評論Christophe Kantcheff的訪問。談到自己的不被理解,感嘆畢生的努力,結局只是一個「廢墟」,眼眶泛著淚光。

Jean-Luc Godard probably doesn't need any further introduction. The enfant terrible of French film has reached retirement age a long time ago, but this doesn't prevent him from continuing to reinvent himself and to seek new challenges within filmmaking - and the fringes of the medium. In this dialogue film he utters his thoughts about everything from politics, history and film to more diffuse topics such as 'time' and 'images'. The conversations - with people such as Dominique Païni, Jean Narboni, André S. Labarthe, Jean-Marie Straub, Danielle Huillet and Christophe Kantcheff - are recorded in the director's own home in Rolle, in his studio, and in front of students at the Fresnoy art school as well as in the exhibition spaces of the Centre Pompidou.


言語的力量
The Power of Speech (Puissance de la parole)

尚盧.高達 Jean-Luc Godard︱France︱1988︱Color︱French︱Video︱25min

●台北 12/5(六)21:50︱ 12/13(日)22:30︱ 12/15(二)21:50
    12/19(六)22:30︱ 12/20(日)21:30


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本片由三條敘述線組成:一對無法以電話溝通的情侶,Agathos與Wanos間的宇宙對話,還有華麗的自然影像。在Leonard Cohen令人陶醉的歌聲與高達擅長的聲帶處理引領下,完成這部雖是小品卻氣勢磅礡,宛如交響詩的視聽饗宴。這部由法國國家電話公司委託製作的影片,拍的卻是透過電話而溝通不良的小情侶。自由地改編美國詩人作家愛倫坡(Edgar Allan Poe)的短篇故事《言語的力量》。電話交談的對白則來自Tay Garnett的名作《郵差總按兩次鈴》。 同場加映一部關於高達的紀錄片,高達鉅細靡遺的敘說他在龐畢度中心展覽《法蘭西拼貼》的原始概念,那是一個從來不曾實現的展出。

In "Puissance de la parole", explosive sequences from nature about those consisting of passionate discussions by two couples. One pair argues in dialogue spoken by the lovers in the novel The Postman Always Rings Twice, by James Cain; the other couple quotes a tale by Edgar Allan Poe. Regardless of his chosen medium, Godard has always expressed a wide range of thematic interests—art, politics, history, television, communication…etc. The short is commissioned by France Télécom.


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